Ritratti di Note ha incontrato il cantautore veneto Francesco Dal Poz, per una chiacchierata sul nuovo progetto “Zero”, album dal quale sono già stati estratti i singoli “Cerco casa” “Tisana” ed “Estate Spaziale”.
Francesco, “Zero” è un album che nel titolo ha tutto il sapore della partenza, o della ripartenza…
Sì, come dici tu, è proprio un album “di ripartenza”. Quando sono entrato in studio, nel Marzo 2019, ho avuto subito la sensazione che qualcosa stava cambiando. In quest’album ci ho messo dentro anche tutte le esperienze e le cose fatte precedentemente, la musica ascoltata da adolescente. Lo definisco una ripartenza, perchè c’è stata una piccola grande rivoluzione interiore che ha poi portato alla realizzazione del disco stesso.
Dal punto di vista dei suoni, nel disco hai anche partecipato agli arrangiamenti insieme al produttore Roberto Visentin.
E’ stato un bel lavoro di squadra e la partecipazione di Roberto nell’arrangiamento di alcuni pezzi è stata preziosa.
L’artwork della copertina, curato da Federico Ferè, è assolutamente originale. In copertina ci sono dodici elementi che richiamano le dodici canzoni del disco.
Devo ringraziare Federico Ferè che è stato bravissimo a cogliere la mia sfida, ovvero quella di inserire in copertina dodici elementi che ricordassero le dodici canzoni contenute nell’album. Stando un po’ attenti si riescono a scoprire tutti.
So che hai fatto anche un contest con il pubblico presente alla presentazione ufficiale del disco.
Sì ho lanciato questo simpatico gioco alle persone presenti: chi fosse riuscito per primo ad individuare tutti i dodici elementi della copertina, avrebbe vinto un cd. Il disco è stato assegnato dopo poco.
I testi delle canzoni parlano di quotidianità, vita vissuta, e attingono molto anche alla tua di vita. In questo momento, c’è una canzone che ti somiglia più delle altre?
Bella domanda, direi “Pancake”, una canzone che parla dell’importanza di dedicare il giusto tempo alle persone che amiamo. In questi ultimi tempi mi sono ritrovato sommerso dagli impegni, come nel periodo pre-covid, e ho dovuto spesso mettere il lavoro prima di ogni cosa, anche prima degli affetti. Ecco perchè questa è la canzone che sento più vicina a me in questo momento.
So che ami molto Napoli, una città che ti ha affascinato sin dalla prima volta in cui l’hai vista. Una delle canzoni di quest’album, “Un sorriso alla volta”, è stata ispirata proprio da un episodio di vita di una ragazza napoletana…
Sì, mi è successa una cosa molto particolare su Instagram. Una ragazza napoletana, sapendo che ero un cantautore, mi ha contattato, e ha voluto condividere con me un episodio doloroso della sua vita: aveva perso qualche mese prima il suo grande amore, un ragazzo della mia età, venuto a mancare il 2 Maggio 2018, una data per me molto importante, perchè proprio in quel giorno avevo pubblicato “Il Cerchio”, una canzone scritta per mia nonna quando è venuta a mancare. Una serie di coincidenze che hanno portato poi alla nascita di questa canzone. Ho scritto “Un sorriso alla volta” pensando proprio a quella ragazza…
Ci sono appuntamenti live pianificati per il prossimo anno?
Sì, sto lavorando ad un mini tour che mi vedrà insieme alla Band un po’ in tutta Italia. Speriamo di riuscire a fare tutto così come l’abbiamo pensato…
A te che sei così bravo a descrivere la quotidianità nelle tue canzoni, chiedo cosa sia la felicità. Qualcosa che somiglia di più alla serenità, da cogliere nel quotidiano, o un guizzo improvviso che ti travolge e poi ti lascia?
Mi piace distinguere tra serenità e felicità. In generale mi ritengo una persona mediamente serena; ho una sorta di pace interiore che è abbastanza costante, talvolta con alti e bassi; e poi ci sono momenti in cui la felicità esplode, guizza, per poi ritornare ad appiattirsi. La vita stessa, le cose quotidiane, il fatto di essere una persona normale, alla quale piace scrivere canzoni.
Ognuno trova il proprio modo di esprimersi. La musica è il mio. E mi sta regalando grandi soddisfazioni…
Parliamo degli artisti che hanno collaborato in quest’album.
Luca Donazzan dei “Lost”, band Meravigliosa, che ha suonato una parte di basso in “Tisana”; Reinaldo Anastacio, compositore brasiliano, che ha scritto una parte e ha cantato una parte in “Rio, e Riccardo Rossi di un’altra fantastica Band, “The Sun”, che invece ha fatto la parte ritmica in “Adesso è qui”
Piccolo spoiler: Ci sono canzoni nuove?
Sì, in realtà ho già iniziato prima dell’estate a lavorare con il mio team a un album nuovo. Tra qualche settimana torno in studio…
Giuliana Galasso
Tracklist di “Zero”
1) Tisana
2) Cerco Casa
3) Pancake
4) Vivere d’istanti
5) Banale
6) Un sorriso alla volta
7) Rio
8) Novantanove
9) Estate Spaziale
10) Adesso è qui
11) Bonsai
12) Non ho più nulla
Abbiamo incontrato Caffellatte, nome d’arte di Giorgia Groccia, cantautrice, scrittrice e speaker di origini pugliesi, classe ’94, per parlare del nuovo singolo “Sottovuoto” e di tutti i nuovi progetti.
Caffellatte
Giorgia, quando inizia il progetto Caffellatte?
In realtà questo nome ce l’ho da sempre, e quando ho iniziato a scrivere le prime canzoni e a pubblicare ufficialmente i primi singoli, ho voluto tenerlo.
Ho iniziato nel 2015 a scrivere canzoni, poi il resto è stato un divenire, una ricerca, soprattutto a livello di suoni, per capire quale sound mi piacesse di più. Con gli ultimi brani usciti, “Endorfine”, “Valium”, “Alcol Test” e “Carta Stagnola”, sono riuscita a trovare il mio vestito sonoro ideale. E’ stata davvero una evoluzione naturale.
Essendo anche una scrittrice, nasci in qualche modo dalle parole. Nel 2018 hai pubblicato il romanzo Blue Frammenti, in cui racconti, anche in modo crudo, il rapporto tra generazioni. Quanto è autobiografica quest’opera?
Il libro non è autobiografico. Racconto una storia totalmente inventata, ma essendo scritta in prima persona, mi sono immedesimata nel personaggio principale; ci sono degli spazi in cui ho utilizzato il “mio personaggio” per esprimere pensieri miei, ma la storia del romanzo, in cui si parla anche di violenza, di dinamiche familiari complesse e non belle, non è la mia. Il libro nasce comunque dall’esigenza di voler inventare qualcosa e di volermi raccontare in maniera allegorica. Scriverlo è stato divertente, e anche molto toccante ed emotivo…
Il singolo attualmente in promozione è “Sottovuoto”, canzone che racconta della sensazione di soffocamento provocato dall’essere tra la folla e al contempo della tristezza nel doverla rifuggire. Farà parte di un album?
Certo, “Sottovuoto” fa parte di un album che uscirà prossimamente. Ho iniziato a scrivere anche nuove canzoni, ma questa è una esigenza personale. Quando un’idea mi illumina e si accende “la lampadina”, io scrivo. La scrittura è una cosa libera; per fortuna in questo ultimo anno sono stata molto presa dalla scrittura, anche in maniera spontanea e naturale. Vedremo cosa salverò e cosa scarterò delle cose scritte in questi mesi, ma già solo il fatto di scrivere è una cosa positiva.
Tu sei anche una speaker radiofonica. In che modo la radio entra, se entra, nel tuo mondo musicale e nel processo di scrittura delle canzoni?
La radio e la scrittura non sono vasi comunicanti. La radio fa parte del mio essere versatile. Io amo in generale comunicare; per me, parlare al microfono, è una cosa bella. Ci sono persone che non riuscirebbero mai a stare davanti ad un microfono; io invece mi sento molto a mio agio.
Sono a mio agio sia nel parlare ad un interlocutore immaginario, non presente fisicamente, come accade in radio, sia quando devo parlare davanti ad un pubblico vasto. E’ una cosa che mi piace, che fa parte del mio lavoro di comunicazione. E’ una dimensione mia, che non interferisce, né in maniera positiva, né in maniera negativa con la scrittura dei brani…
Quali sono gli artisti che ti hanno formato umanamente e musicalmente?
Il primo è Franco Battiato, l’unico artista per il quale ho pianto quando è scomparso. Fa parte davvero della mia vita e del mio passato. Mio padre me lo faceva ascoltare sempre quando viaggiavamo in macchina. Insieme a Fabio Concato è davvero un pezzo del mio cuore.
Per il resto, essendo una persona curiosa, ho sempre ascoltato di tutto, anche generi musicali molto diversi tra loro. Una costante è stata sicuramente l’ascolto del Rap, italiano ed internazionale, sin da quando ero ragazzina. Ho amato Fabri Fibra, il Fedez degli inizi, Mecna, Guè Pequeno, Ghemon, Dargen D’Amico. Ho una lunga lista di artisti che mi hanno influenzato musicalmente.
Da speaker radiofonica e fruitrice di musica invece, cosa trovi di interessante attualmente nella musica italiana?
Mahmood e Blanco. Sono molto attratta dal sound e dalla metrica di Mahmood. Blanco invece sarà secondo me uno dei prossimi Big della musica italiana destinati a durare nel tempo. Ti dico senza ombra di dubbio loro due…
Quando Giorgia si sente “sottovuoto”, quale mezzo di “decompressione” utilizza oltre la scrittura?
Ultimamente una cosa che mi rilassa è il rumore bianco della Tv o dei Film. Anche se non sto seguendo un film su Netflix o in televisione, averlo in sottofondo mi calma tantissimo. Ti confesso che non riesco a dormire senza il rumore della Tv accesa. Anche correre mi piace, ed è un’abitudine che ho acquisito da pochi mesi. Spero che rimanga perche fa bene sia al corpo che alla mente.
Un sogno/progetto che speri di realizzare al più presto…
Beh, se devo sognare in grande, ti dico un concerto a Roma, all’Atlantico o al Palalottomatica. Non so se si realizzerà mai, ma sarebbe bellissimo. Una cosa più probabile invece sarà, dopo l’uscita dell’album, un Tour in diverse città d’Italia. Intanto incrocio le dita…
Un posto, oltre la città in cui vivi, che ti fa sentire a casa…
Sono romana d’adozione e considero Roma la mia città, ma un altro posto in cui mi sento a casa è Acri, in provincia di Cosenza, il paese di origine di mio padre. Lì ci sono tanti ricordi della mia vita, belli e brutti…
Abbiamo incontrato Il Pagante, il gruppo formato da Federica Napoli, Roberta Branchini e Eddy Veerus (Edoardo Cremona), in occasione dell’uscita del nuovo singolo “Open Bar”. Il trio milanese (e il collettivo di creativi e producer che li accompagna da sempre) ha festeggiato 10 anni dalla sua formazione e in questi 10 anni tra canzoni certificate ORO e PLATINO, due dischi d’Oro e un libro hanno raccontato vizi e virtù di una intera generazione, nata e cresciuta con i social network.
Il Pagante
Ragazzi prima di parlare del nuovo singolo “Open Bar”, torniamo piacevolmente al passato e raccontatemi come è nato il Progetto “Il Pagante”
Il Progetto nasce nel 2010, dalla Pagina Facebook omonima che raccontava della vita e dei comportamenti dei ragazzi prettamente milanesi. Io e Roberta (Branchini n.d.r.) ci conoscevamo già, perchè andavamo a scuola insieme, e abbiamo deciso, insieme a Federico del Duo Merk & Kremont di scrivere una canzone sul “Pagante”. Era stata pensata come una goliardata tra amici; non ci saremmo mai aspettati il successo che la canzone avrebbe poi ottenuto. Dopo il terzo singolo insieme, si è aggiunto Eddy Veerus, cugino di Kremont, e con questa formazione “familiare” abbiamo iniziato a spiccare il volo, nel senso che da lì è cominciato un percorso sempre in crescendo. Nessuno di noi si sarebbe comunque aspettato tutto ciò che è successo dopo.
Le vostre canzoni hanno sempre affondato le radici nella quotidianità, nella realtà circostante. E’ così anche per questo nuovo singolo “Open Bar”, un pò figlio del periodo di chiusura che abbiamo vissuto, e che ci stiamo lasciando alle spalle…
Sì assolutamente. La cosa bella è che “Open Bar” è nata come canzone circa due anni fa, ma vale lo stesso concetto di oggi: Raccontiamo di questo Open Bar nel quale può arrivare improvvisamente un evento, atmosferico e non, a “rovinare la festa”, e quindi bisogna godersi il momento, cogliere l’attimo.
Poi è successo ciò che è successo, una pandemia mondiale, e abbiamo deciso di uscire con il singolo proprio nel momento in cui si ricomincia gradualmente a tornare alla normalità, quella normalità che prima odiavamo tanto, alla quale non davamo importanza. Adesso invece non è cosa scontata, c’è tanta voglia di normalità, e questa canzone invita gli ascoltatori ad assaporare davvero il presente. L’Open Bar, tra l’altro, è il momento in cui si può bere liberamente, senza limiti. Questa è ovviamente una metafora. Il senso e la lezione è che bisogna vivere ogni momento della vita prima che arrivi qualcosa a rovinarlo…
Citate giustamente la metafora perchè l’Open Bar è anche un pò il momento liberatorio del quale abbiamo tutti bisogno…
Esatto. Ed esprime la voglia di riprenderci i nostri spazi e tornare alla libertà.
Il singolo è prodotto da ITACA, che fa parte della Famiglia “Merk & Kremont”
Sì, come ti dicevamo anche prima, con Merk & Kremont ci sentiamo un pò in famiglia; le produzioni dei nostri primi pezzi le hanno fatte tutte loro. Tornare a collaborare con ITACA è un pò come ritornare a casa. Ci sentiamo bene, c’è grande amicizia, e Merk & Kremont sono sicuramente tra i migliori produttori in Italia.
“Open Bar” farà parte di un nuovo album?
Sì. Il periodo di stop forzato ci ha dato la possibilità di concentrarci sull’album, che uscirà tra non molto, ma sicuramente dopo l’estate. Dietro ogni brano di un disco c’è sempre un grande lavoro. A noi piace fare lunghe riunioni nelle quali scegliere le tematiche dei brani e curarne ogni dettaglio…
Nel progetto “Il Pagante” portate le vostre individualità. Andate sempre d’accordo?
Di grandi litigate tra di noi non ce ne sono mai state. E’ un po’ come succede tra fratelli, nel senso che è normale discutere, ma alla fine abbiamo lo stesso traguardo, lo stesso obiettivo…
Quali sono le vostre influenze musicali individuali, che in qualche modo ritornano nella musica che fate insieme?
Ognuno di noi ha sicuramente gusti differenti, ma il nostro minimo comun denominatore sono il Rap italiano e la musica elettronica. Ognuno fa poi ascolti diversi; Federica, ad esempio, ascolta molto cantautorato italiano, è cresciuta con Battisti, Baglioni, De Gregori…
Nel vostro personale Open Bar cosa non può assolutamente mancare?
Dell’ottimo Gin Mare…
Ci saranno appuntamenti live prossimamente?
Sì, ci stiamo lavorando. I vostri lettori possono seguirci sui nostri Social, Facebook ed Instagram, ed essere aggiornati sugli appuntamenti dal vivo. Abbiamo voglia di tornare live nelle discoteche…
Nel nostro viaggio all’interno di “Amici 20″, abbiamo incontrato Raffaele Renda, il cantautore calabrese, tra i protagonisti di questa ultima edizione del Talent condotto da Maria De Filippi. Anche Raffaele ha risposto alle nostre domande, e a quelle inviate dai Fans in redazione.
Raffaele Renda
Raffaele partiamo proprio da “Amici”. Un bilancio umano e artistico di questa esperienza.
Beh, è stata una esperienza assurda. Io sognavo fin da piccolo di partecipare ad “Amici”. Ho provato diverse volte ad entrare nella scuola, e quest’anno mi è stata regalata questa opportunità. E’ stato esattamente il percorso che immaginavo. Prima di tutto non è stato semplice convivere in una casa con tante persone diverse tra loro per sei mesi, ma anche questo mi è servito, perchè ho stretto dei legami importanti; a livello artistico, è stata una bellissima vetrina, sia per presentare il mio progetto, sia perchè ho potuto mettermi in gioco davvero tanto. E’ stata una bella palestra.
Cosa rappresenta per te la musica?
E’ sempre difficile definire cosa sia per me la musica. Io la mattina mi sveglio con la musica e vado a dormire con la musica. Credo di ruotare intorno alla musica e non che la musica ruoti intorno a me. E’ un’amica che c’è sempre stata, e che nei momenti difficili mi ha sempre rimesso in riga.
La tua musica unisce al talento autoriale una grande tecnica vocale, che ti permette di interpretare al meglio sia canzoni di artisti uomini che di donne.
Sì, volevo chiarire la questione della tecnica vocale, perchè mi è stata spesso contestata. Avere una buona tecnica vocale ti permette di avere una stabilità quando devi veicolare delle emozioni; non è solo un modo per cantare bene, ma ti permette di gestire diversi lati del canto. Molte cose della mia tecnica vocale le ho apprese ascoltando, poi in un secondo momento sono arrivato a perfezionarla. Ho ascoltato davvero di tutto, mi sono contaminato di cose e artisti diversi, perchè poi ogni artista ha un modo personale di cantare. Ho ascoltato molta più musica internazionale che italiana, la musica indiana, la musica orientale, ecco perchè mi affascina anche quel mondo.
Quali sono i tuoi artisti di riferimento?
Tra gli internazionali Stevie Wonder, Ne-Yo, Bob Marley, Chris Brown, Rihanna, la musica R&B dei primi anni duemila. Per quanto riguarda la musica italiana, ho sempre ascoltato i Cantautori, perchè li ascoltavano i miei genitori, ma gli artisti che in qualche modo mi hanno segnato di più sono Mango ed Elisa. Apprezzo molto anche gli artisti della Scena Urban.
C’è molta curiosità da parte dei tuoi Fans sulla canzone “Focu Meu”. Sarà pubblicato come singolo?
Non mi aspettavo così tanto interesse su questo pezzo, e ne sono felice. E’ un pezzo al quale tengo tanto. Uscirà di certo come singolo…
Raffaele, il primo inedito presentato ad “Amici” è stato “Il sole alle finestre”. Questa canzone nasce da una storia vissuta in prima persona?
Sì, è un pezzo molto autobiografico. Sin dalla prima strofa racconta ciò che ho vissuto. E’ un viaggio nella mia vita, dall’infanzia, all’adolescenza, fino alla vita di oggi. E’ una canzone che parla anche del mio rapporto con la musica, e delle difficoltà che ho dovuto affrontare in questo mondo. Ho dovuto lottare tanto perchè le persone accanto a me accettassero che volevo fare questo nella vita. Il pezzo parla anche di tante cadute, di porte in faccia ricevute, e della speranza di andare avanti, nonostante tutto. Bisogna cercare la luce anche quando si vede tutto nero. Mi rendo sempre più conto che è un pezzo contestualizzabile anche al momento che stiamo vivendo. Molte persone mi scrivono proprio per dirmi questo. Che la storia che racconto appartiene anche alle loro vite. Credo che questa sia la cosa più bella che possa succedere con una canzone…
Video: Il sole alle finestre
Quando sei triste, preferisci scrivere o parlare con qualcuno?
Preferisco parlare con qualcuno. Quando sono giù, non riesco subito a scrivere qualcosa, devo prima metabolizzare il momento, la situazione, rendermi conto di quello che sta succedendo attorno a me, e di cosa fare per affrontare la situazione. Poi arriva la scrittura. Molte volte succede che mi chiuda in me stesso, ed è una cosa sbagliata, perchè comunque non riesco a trovare una soluzione. La cosa migliore è sempre parlare, condividere con un’altra persona…
Cosa rappresenta il tatuaggio che hai sul polso?
E’ un tatuaggio molto importante per me. E’ una parte dell’affresco di Michelangelo “La Creazione di Adamo”.
E’ la mano che lui tende a Dio, ma vista secondo la mia personale interpretazione. L’altra parte del dipinto ce l’ha tatuata mio fratello. E’ una sorta di promessa per lui, per dirgli che ci sarò sempre e per sempre, e ogni volta che avrà bisogno di una mano io sarò lì ad aiutarlo. E’ un tatuaggio che amo tantissimo.
Raffaele quale è stato l’insegnamento più prezioso della tua Coach Arisa?
Ce ne sono stati tanti di insegnamenti in sei mesi dentro la scuola. Lei è un’artista pazzesca. La stimavo già prima di entrare nella scuola, e lavorare a stretto contatto con lei non ha fatto altro che confermare e rafforzare la mia opinione. Mi ha trasmesso tanto, sia a livello artistico che a livello umano.
Una cosa che mi rimarrà impressa per sempre è un consiglio specifico che mi ha dato in una settimana particolarmente stancante, in un momento in cui non stavo bene fisicamente e avevo il morale a terra, ovvero quello di isolarmi, stendermi sul letto al mattino e alla sera, fare un reset di tutti i pensieri, e di concentrarmi solo sul respiro. L’ho fatto, ed effettivamente aveva ragione. E’ una sua tecnica di meditazione che mi ha aiutato e mi porterò per sempre.
Qual è la paura più grande di Raffaele?
La paura dell’incognito e del futuro (Oltre a quella per i ragni… ride n.d.r.)
Ho paura del futuro, di quello che magari succederà tra dieci anni, ma non ci penso. Mi vivo il presente e tutto quello che arriva.
Un messaggio arrivato in redazione recita: “Raffaele sei il nostro sole alle finestre”. Un pensiero a tutte le Pagine Dedicate e ai Fans che ogni giorno ti seguono con grande affetto…
Sono davvero carini. Non mi aspettavo questo affetto smisurato. E’ bellissimo avere attorno persone che ti sostengono al pari della tua famiglia, difendendoti a spada tratta. Non vedo l’ora di incontrare tutti i Fans in un concerto o da qualsiasi altra parte per poterli stringere tutti. La cosa che voglio dire a loro è di sognare sempre in grande perchè è un pò anche il mio motto, e di lottare, perchè prima o poi le cose arrivano.
La prima cosa che hai fatto appena tornato a casa?
Andare a vedere il mare e mangiare il mio piatto preferito, la Parmigiana di Melanzane.
E’ stato bellissimo anche rivedere i miei genitori. Quando sono andato al mare, mi sono seduto a guardare l’orizzonte, rimanendo in silenzio. Dopo tanto tempo in casetta, avevo bisogno delle piccole cose…
È uscito il 13 maggio, “PARADOSSALMENTE”(Label: Papa Musìque / Distribuzione: Believe Digital), il nuovo album del cantautore jazz “barisiliano” DARIO SKÈPISI. Il disco è inserito all’interno della “Programmazione Puglia Sounds Record 2020/2021 – REGIONE PUGLIA FSC 2014/2020 Patto per la Puglia – Investiamo nel vostro futuro”.
“Puglia e Brasile si incontrano nell’arte di Dario Skèpisi. Le dieci tracce del disco, che vedono la partecipazione di nomi d’eccezione del panorama jazz nazionale e internazionale, quali Gaetano Partipilo, Giuseppe Bassi, Agostino Marangolo, Mirko Signorile, Nando di Modugno, Pierluigi Balducci, Gianni Iorio, per citarne solo alcuni, porta a compimento un ciclo artistico che è riuscito a fondere perfettamente suoni e sonorità brasiliani alla lingua e alle storie baresi.
Dario Skèpisi
Intervista
Vorremmo subito entrare nel vivo del tuo nuovo album “Paradossalmente” per chiederti di raccontarci l’anima, la genesi e lo sviluppo di questo progetto.
I paradossi non seguono un percorso logico e “paradossalmente” mi è sembrato il titolo azzeccato per le diverse scelte letterarie, musicali e di produzione esecutiva che ho sempre ritenuto di inseguire in questo lavoro. Un esempio su tutti? Provate a girare l’immagine della copertina, vi ritroverete una foto, che, vista al contrario, paradossalmente, sembra un dipinto. E anche questo, paradossalmente, mi ha emozionato.
La tua arte si è sempre fregiata di importanti collaborazioni con musicisti di importante caratura. Anche stavolta il livello è alto e i nomi sono altisonanti. Ti va di raccontarci il lavoro in studio e gli incontri artistici che segnano gli arrangiamenti di questo lavoro?
Ci sarebbe tanto da raccontare, ogni collaborazione ha impreziosito il mio lavoro, e trovandomi in piena empatia con ognuno di questi grandi musicisti, con i quali ho condiviso anche diversi live, questo ha dato luogo a “soluzioni” armoniche su una pre-produzione da me creata con l’ausilio di un programma software (LOGIC PRO) che utilizzo da anni e mi permette di offrire arrangiamenti, scelte ritmiche e armoniche che nascono, ovviamente, da un’idea con la mia chitarra e la mia voce. Mi piace raccontare, per esempio, che sul brano Amambarà nel finale, ho messo in loop una frase del solo del tenorista Carrabba che mi aveva colpito molto.
Parliamo di lingue e di utilizzo del dialetto. Da dove nasce l’esigenza di scrivere e cantare in barese e come cambia secondo te, la veicolazione dei messaggi delle tue canzoni esprimendoti in dialetto?
È nata davvero per caso e quindi è un altro paradosso. Le parole tronche del barese lo rendono ritmico “e con un gioco di parole” come recita il testo di Barisiliano, il mio dialetto può sembrare, come il portoghese, in perfetta sintonia con le sonorità brasiliane. Questo mi ha permesso di “raccontare” in maniera più autentica la mia terra.
Raccontaci come affronti il processo di scrittura dei tuoi testi e quali sono tematiche che ti stanno più a cuore.
I miei testi nascono da stati d’animo o dalla voglia di conoscere e far conoscere storie interessanti. Soprattutto con i testi in dialetto ho avuto l’opportunità di riscoprire storie vere e incredibilmente sconosciute, come in U monde russe, brano che parla della scomparsa di un isolotto prima che un fenomeno di bradisismo lo facesse “inghiottire” dal mare e con lui tutte le meravigliose storie che racconto in questo testo.
Video: Paradossalmente
Come si è evoluto il tuo rapporto con il Brasile e la musica brasiliana nel tempo?
È stata un’evoluzione cadenzata da importanti incontri con artisti brasiliani e con musicisti e professionisti italiani legati all’universo musicale e culturale brasiliano. Uno su tutti il mio amico Max De Tomassi conduttore della mitica trasmissione Brasil di Rai Radio Uno, ora Stereonotte/Brasil, che ha sempre sostenuto con interesse la mia sperimentazione di contaminazione tra testi in dialetto e sonorità brasiliane. Diverse collaborazioni con musicisti brasiliani e il coinvolgimento a promozioni e connessioni dirette con radio, televisioni e manifestazioni in Brasile grazie alla preziosissima amica giornalista Sandra Bandeira, ha fatto il resto. Ma, paradossalmente, non sono mai stato in Brasile e il desiderio di andarci rientra, sicuramente, nei miei prossimi progetti live.
Quali sono i tuoi progetti paralleli in corso?
Ad ottobre, per il Festival Time Zones, porterò in scena “Caro Endrigo”, un omaggio al grande cantautore Sergio Endrigo che ci ha regalato brani meravigliosi. Ci sto lavorando in questi mesi e la considero una sfida non facile, per il rispetto che nutro verso di lui, la sua poetica e straordinaria musicalità. Arrangiare i suoi capolavori e ricercare contenuti letterari con il supporto narrativo dell’attore di Totò Onnis, non è impresa facile!
Cosa pensi dello scenario jazz italiano in questo momento e come pensi che si possa ripartire al meglio dopo lo stop dovuto alla pandemia?
Secondo me il Jazz italiano gode di ottima salute, i punti fermi della storia del Jazz d’oltre oceano rimangono riferimenti imprescindibili, ma trovano nuova linfa negli straordinari talenti che nascono in ogni parte del mondo. Ritengo che le “contaminazioni”, che fanno storcere il naso ai cosiddetti puristi, arricchiscono il linguaggio tradizionale Jazz, del quale bagaglio di ascolto e di conoscenza però non si può prescindere, poi il talento e il cuore di ogni musicista lo farà integrare nel proprio mood. Si deve ripartire dai live, dalle produzioni di qualità e dalle “offerte” musicali di ogni territorio. La Puglia, ad esempio, può offrire molto, e proprio con quel pensiero meridiano, di cui parlava il Sociologo Franco Cassano, si può realizzare l’opportunità di mettere al centro la nostra storia culturale e musicale rendendola protagonista grazie alla presenza di un collettivo di musicisti, artisti, professionisti della cultura e dello spettacolo pugliesi di straordinario talento.
Parlaci del brano “Cape Uastate”: come nasce, che messaggio racchiude e in che modo si colloca all’interno del disco?
Per alcuni ragazzi, cape uastate, la strada è stata cattiva maestra e ogni reato commesso è il risultato di una vita spesso condotta nel degrado socio culturale delle periferie e nell’abbandono. La società civile deve prendersi carico di queste realtà per “trovare una ragione vera per ricostruire”, con la musica ad esempio. Mi piace citare, a tal proposito, “El sistema” di José Antonio Abreu attuato in Venezuela che ha contribuito al recupero di migliaia di ragazzi attraverso un programma di didattica musicale pubblica. Il brano funk che ricorda volutamente il mood del grande Pino Daniele (con Agostino Marangolo alla batteria) rientra nel paradosso di un disco pensato ad avere più anime e diverse influenze che hanno accompagnato il mio percorso che non è solo rivolto alle sonorità carioca. E, paradossalmente, il brano è già in finale nel contest Nazionale “Je so pazz” edizione 2021 dedicato a Pino Daniele, che si terranno a fine Luglio.
Il tuo estro creativo regala una nuova veste a “Padrone mio”. Raccontaci di più di questa idea…
Si tratta di un omaggio al cantautore pugliese Matteo Salvatore. Questa è la sua versione, nel dialetto di Cerignola (Foggia), di un canto popolare di un anonimo siciliano che racconta la condizione di sfruttamento dei contadini nel sud Italia. Mi è sembrato giusto fare richiami corali afro e dare una veste nuova “progressive” a questo canto “popolare” che racconta di uno sfruttamento che ancora oggi è perpetrato nelle nostre campagne, e che, paradossalmente, ci vede come i nuovi carnefici di altri esseri umani.
Infine arriviamo a “Soli” brano strumentale che fa parte del lavoro teatrale, monologo musicato, “Binari Paralleli” tratto dal racconto di Italo Calvino “L’avventura di un soldato” portato in scena da te e dall’attore Maurizio De Vivo. Parlaci di questo progetto e di eventuali nuovi sviluppi in tal senso.
Ho voluto concludere con uno dei brani composti appositamente per musicare uno splendido testo di Calvino. Con la sua ineguagliabile capacità descrittiva lo scrittore italiano in questo racconto narra delle vicende che accadono nello scompartimento di un treno tra un giovane soldato di fanteria ed una misteriosa ed attraente vedova. Tutto ciò ha stimolato la mia creatività nel riportare quelle emozioni in musica. Di questo Monologo Musicato è stato da me realizzato un audio-racconto e spero possa avere al più presto la possibilità di essere pubblicato.
Lo spettacolo teatrale, come per tutti, ha avuto un fermo covid, ma presto rientrerà sicuramente in scena quanto prima, reduce da un responso positivo di pubblico e di critica già riscontrato nelle prime date.
Esce oggi Bingo (Island Records), il nuovo album di Margherita Vicario: 14 tracce che fotografano il variegato mondo di questa giovane artista a compendio di un percorso compositivo durato due anni.
Margherita Vicario cover album
Scritto tra Roma e Torino dalla stessa cantautrice, Bingo è un un progetto che scruta e legge il presente in maniera audace e mai banale, anche quando vuole esserlo. Alla produzione dell’intero progetto troviamo Davide ‘Dade’ Pavanello, “il padre stilistico di questo nuovo disco, che ha voluto trovare per me un suono che fosse riconoscibile e mio, senza incasellarmi in un solo genere ma permettendomi di sperimentare liberamente” racconta Margherita.
“Il nome Bingo è nato quasi per caso.” - racconta Margherita - “Due anni fa Dade mi chiese di raccogliere tutti gli spunti per la mia nuova musica in una cartella del computer. Senza pensarci troppo, la rinominai proprio Bingo e quasi subito capimmo che quello poteva già essere il titolo del mio nuovo lavoro. Il bingo è un luogo multiculturale” prosegue “mi piace pensare che persone di luoghi e tradizioni completamente diverse si ritrovino in uno stesso posto, uniti a divertirsi e tentare la fortuna. Bingo però è anche un’esclamazione che si ricollega solitamente a tutti quegli accadimenti totalmente casuali, di pura fortuna, quelli che non sai mai come va a finire: per me il progetto è stato invece la concreta realizzazione di un lavoro minuzioso, costante e attento in cui io e Dade abbiamo creduto fin dal primo giorno. E’ stato il frutto di una sana lotta gioiosa, che sono contenta di poter condividere ora con tutti i miei fan”.
Un viaggio quindi, quello di Bingo, attraverso mille atmosfere, sonorità e temi completamente diversi, legati dallo sguardo curioso e audace di un’artista che non si tira mai indietro.
A fianco di Margherita in questo nuovo lavoro anche cinque artisti legati a lei da un forte rapporto di stima, amicizia e da una comune visione della musica: Elodie e Davide Petrella, con cui Margherita ha rispettivamente cantato e composto XY, i rapper Izi e Speranza, a fianco di Margherita nelle già conosciute e apprezzatissime Romeo e PIÑA COLADA e Dardust, producer multiplatino, autore e compositore, che lavora alla produzione di Giubbottino insieme a Dade.
Durante l’estate Margherita sarà impegnata su due fronti: da una parte il tour di Bingo con la sua band, organizzato da Vivo Concerti (tutti i dettagli a breve su www.vivoconcerti.com), e dall’altra sarà ospite dell’Orchestra Multietnica di Arezzo per ii nuovo spettacolo ”Storie della buonanotte per bambine ribelli”, di cui abbiamo visto un assaggio al Concerto del Primo Maggio di Roma.
Video: Come va
Ciò che colpisce di Margherita Vicario è la predisposizione a mettersi in gioco sempre con grande energia e voglia di ricerca e sperimentazione. In questo percorso durato due anni e mezzo, la Vicario fotografa 14 mondi diversi e insieme a Dade ha dato vita e forma a idee, input, esperimenti, esperienze di vita.
“Per questo disco ho fatto proprio le cose per bene”- spiega Margherita in conferenza stampa- “Io e Dade siamo stati chiusi in studio, faccia a faccia e con i nostri esperimenti ma con mezzi diversi. Con l’ingresso in Island Records, dopo i primi tre singoli con Inri, ho avuto la possibilità di proseguire il mio modus operandi senza limitazioni di alcun tipo. Ci tenevamo a lavorare ad ogni traccia con grande cura, sono riuscita anche ad inserire tutta la parte visual con i video e questo ha fatto molto bene al progetto. Da donna, parlo dell’universo femminile basandomi sulla mia esperienza vissuta in prima persona. Il femminismo è un tema talmente gigante e scivoloso che il mio approccio non può essere ideologico bensì empirico. È tutta una questione di statistica, di dati e di specchio della società.
Parlo anche di soldi, proprio quelli che la mia generazione cerca sentendo molto da vicino il tema della precarietà e della mancanza di garanzie. Nelle mie canzoni si parla anche di religione ma senza toccare la spiritualità intima di ciascuno. Semplicemente ritengo che in uno stato laico non dovrebbero esserci ingerenze religiose e giudizi morali.
Prima di essere una cantautrice, sono cittadina di questo paese e partecipo attivamente alla vita sociale. Nel brano “Orango Tango”è come se il fumetto che è nella mia testa abbia preso vita in modo onirico. La politica è diventata pop, nel senso che i politici sono spesso associati a dei meme sui social network e la cosa grottesca è che certi messaggi violentissimi riescono addirittura a far ridere. Tutto questo mi lascia particolarmente perplessa ma sono terrorizzata dal peso dei grandi temi, detesto i detentori della verità, per questo parto sempre da esperienze personali e uso l’ironia caustica, questo è l’unico modo che conosco per affrontare cose di una certa rilevanza.
Di fronte al pregiudizio di alcuni che possono non guardare di buon occhio il fatto che io sia attrice oltre che cantautrice, rispondo che diversamente dal mondo anglosassone che ha un’altra concezione dell’intrattenimento, il vecchio continente è impostato sull’idea che chi fa tante cose insieme possa farle male. Dal mio canto, ho appena terminato una serie per Rai 1, lavoro per compartimenti stagni e do il massimo in ogni nuovo progetto. Se dal 2011 avessi fatto solo musica, magari adesso sarei in altro punto ma se non facessi anche l’attrice, non scriverei come scrivo. Per il futuro spero d collaborare con artisti stranieri, ascolto tanta musica francese e vorrei collaborare con qualcuno di loro. Non escludo di poterlo fare molto presto, intanto mi sono concentrata su “Bingo”, guardando la scena musicale da vicino, ho cercato un modo di evolvermi ma anche di semplificarmi e di essere divertente; la mia penna è rimasta la stessa ma con un po’ più di struttura e occhio verso l’esterno”.
Dal 7 maggio sarà disponibile PAESAGGIO DOPO LA BATTAGLIA, il primo album di Vasco Brondi dopo la conclusione del progetto artistico Le Luci Della Centrale Elettrica. Il disco è autoprodotto da Cara Catastrofe e distribuito da Sony Music. 10 tracce, scritte e prodotte tra Ferrara, Milano e New York, raccontano la nuova visione del cantautore tra battaglie intime e universali, battaglie di crescita e di ricerca, battaglie di perdite e di conquiste. Paesaggio dopo la battaglia è composto da racconti per voce e cori, per orchestra e sintetizzatori. In ogni canzone c’è qualcuno che ricerca fiduciosamente anche in tempi difficili, tra le leggi della città e quelle dell’universo. Dopo la battaglia c’è una pace incerta, piena di ferite o piena di sollievo. C’è qualcuno che chiama un nome tra le macerie, qualcuno che risponde. Nel suo nuovo lavoro Vasco Brondi rivela il suo modo di vedere le cose, la sua sensibilità e la profondità con cui analizza il mondo che lo circonda attraverso un cortocircuito tra atmosfere diverse, e un insieme di battaglie, intime e universali, tenute insieme da una voce narrante accompagnata da strumenti fantasma: un’orchestra di fiati, un pianoforte, un coro gospel e vari sintetizzatori. La cover del disco è una foto inedita di Luigi Ghirri, omaggio alla figura e all’opera del grande artista italiano, filosofo del silenzio.
Il disco, la cui produzione artistica è curata da Taketo Gohara, Vasco Brondi e Federico Dragogna, si arricchisce della partecipazione e la collaborazione di numerosi musicisti di importanza internazionale: da Mauro Refosco (Red Hot Chili Peppers, David Byrne) a Paul Frazier (David Byrne), fino ad arrivare ad Enrico Gabrielli e Alessandro “Asso” Stefana (PJ Harvey, Vinicio Capossela, Mike Patton).
Nella prima tiratura limitata, disponibile al link https://bit.ly/pdlbvb, il CD è accompagnato dal libro Note a margine e macerie, un diario on the road in una nazione deserta, racconto dei tragitti tra uno studio di registrazione e l’altro, di notti silenziosissime tra Milano, Ferrara e i ricordi di un viaggio in India, di un inverno a Lampedusa e dei paesi disabitati dell’Italia interna. È in queste pagine che Vasco ha voluto annotare tutto ciò che esonda dalle canzoni, che per natura, invece, richiedono una certa sintesi. Le sensazioni e i pensieri che l’hanno accompagnato nelle fasi di scrittura sono parte integrante di questo grande progetto. Gli eventi incontrollabili, l’evolversi del mondo, la storia e le circostanze del momento hanno fatto il resto.
L’ascolto si apre con 26000 giorni, un brano dalle liriche alte e dalle atmosfere sognanti, un canto libero che vuole ricordarci che siamo qui per rivelarci, non per nasconderci. 26000 giorni è l’età media mondiale degli esseri umani, settantun anni, che in termini di giorni suona diversa, rivela fragilità e diventa quasi un’emergenza: avere i giorni contati dà più valore a ogni cosa. A seguire troviamo Ci abbracciamo, brano dal titolo più evocativo del momento, che prende vita l’idea delle canzoni come richiami per gli esseri umani, forti grida alla libertà e all’amore in tutte le sue forme. Amate e fate quello che volete, uno dei versi chiave di questa poesia in musica, richiama il proposito di Sant’Agostino. Città aperta è una dichiarazione, ci sarò sempre per te attraverso le ere cosmiche da una vita all’altra infrangendo leggi fisiche. La title tracksi presenta, invece, come una fotografia attualissima ed estremamente chiara della nostra attuale situazione. Al suo interno si mischia l’Italia di varie epoche quella dei partigiani descritti da Fenoglio che corrono tra gli spari giù dalla montagna senza divisa e quella dei rider che corrono in bicicletta tra le macchine in missione per una multinazionale. All’interno di questo Paesaggio dopo la battaglia, Mezza nuda è il capitolo emotivo e ha il compito di ridare la giusta proporzione agli esseri umani. Questo brano è un romanzo di formazione che rivive una storia d’amore dai sedili di un treno interregionale per Milano e va a sfidare le dinamiche e lo stile di vita di una grande e caotica città, che sa offrire opportunità come nessun’altra ma anche mettere a dura prova legami e rapporti. Due animali in una stanza è un grande e ininterrotto sospiro. Due animali in una stanza è una canzone d’amore anomala perché è pieno di canzoni che parlano dell’inizio di un amore o della sua fine ma questa ci racconta della sua durata, tutta la parte in mezzo che di solito non viene cantata. Adriatico è un’ode all’omonimo mare visto come spazio poetico, un inno alla bassa marea e alle acque torbide, dove si può camminare centinaia di metri con l’acqua alle caviglie senza scorgere il fondo, un canto popolare per i lidi anni Sessanta, con i bar sulle spiagge e le distese di ombrelloni. Le sonorità sono quelle tipiche della banda di paese, fiati e percussioni in chiave tradizionale danno un’impronta eroica e leggendaria al brano. I cori e il clarinetto degli Extraliscio, tra cui Moreno il Biondo arrangiatore e capo banda da sempre dell’Orchestra di Casadei, si aprono maestosamente nel finale del pezzo rendendolo un inno profondo e liberatorio. Il protagonista di Luna crescente è partito per cercare qualcosa che non sa se troverà, qualcosa che risale a un passato che non smette di ardere, ha semplicemente fiducia nell’universo e gli va incontro. Chitarra nera è il primo estratto dal disco ed è un brano importante, un flusso di pensiero sereno e allo stesso tempo lancinante, che non rispetta nessuna regola musicale o di metrica, scritto senza pensare alla forma che dovrebbero avere le canzoni. L’ascolto si chiude con Il sentiero degli dei, l’ultima traccia del disco e l’unica in cui Vasco decide di suonare la chitarra acustica, pura e grezza, non addolcita. Il brano prende per mano l’ascoltatore e con l’ultimo verso ricorda la provvisorietà dell’uomo rispetto all’universo: siamo solo due forme di vita nel terzo pianeta del sistema solare.
Ecco cosa ci ha raccontato Vasco Brondi in occasione della presentazione del disco: Parlare di questo mio nuovo lavoro mi ha permesso di capire meglio e a posteriori tante decisioni che ho preso rispetto alle canzoni che ho scritto. Paesaggio dopo la battaglia è un buon contenitore per tutti gli altri brani e racchiude battaglie intime, collettive e universali. La foto di copertina rappresenta la capacità umana di risorgere nel momento in cui ci si mette d’impegno ed è anche la metafora dell’Italia, capace di uscire dall’apocalisse scollandosi la giacca e tirando dritta. Mi sono reso conto che la copertina fosse importante perché mi riportava al punto di partenza: il primo brano Chitarra Nera è uscito fuori dopo due anni che non scrivevo più niente. Sono tornato per raccontare il cerchio e continuarlo, non è una chiusura.
Video: Chitarra Nera
Mi sono accorto che la mia battaglia è stata proprio quella di scrivere il disco: un percorso fatto di allontanamento e inversione sfociato in una illuminazione: siamo qui per rivelarci e non per nasconderci. Questo è il mantra del disco. Chitarra nera segue un filo di verità che mi è servito per esprimermi e liberarmi. Questo è un disco in cui esco con il mio nome per la prima volta e ho reagito circondandomi di persone. Tra tutti mi sono confrontato con Mauro Refosco ed è stata un’esperienza forte, importante, travolgente. Mi sono accorto che fosse indispensabile seguire la mia direzione, senza sentirmi in obbligo di subire. Ho seguito la possibile di essere autentico, ho iniziato a scrivere un po’ prima del lockdown, poi la scrittura ha preso una eco importante durante la pandemia. Il tema del disco è rimettere gli esseri umani nella giusta proporzione rispetto al resto; da dominatori dell’universo, la pandemia ci ha ridimensionato e non poco.
Il processo di scrittura non è mai stato forzato, ho atteso che uscisse fuori la necessità di farlo, ho rispettato il tempo del silenzio e della riflessione, sì ci ho messo 4 anni, un tempo fuori luogo e controproducente ma questo era l’unico modo possibile per esprimermi. Ci vuole una certa fede per mettersi in cerca, guardarsi dentro e attorno e cercare di evolversi.
Chitarra nera mi ha fatto iniziare a scrivere il disco. Negli ultimi tre anni mi sono ripreso la musica e la scrittura come mio intimo strumento, questo mi metteva in soggezione rispetto al pensiero che questa musica sarebbe stata condivisa proprio perché si tratta di uno strumento di conoscenza di me stesso ma anche di conoscenza dell’esterno. L’ambizione espansionistica non mi corrisponde, la musica è il mio anticorpo, rafforza il sistema immunitario dell’anima. In base a questo presupposto ho iniziato a concepire la musica in modo verticale, ne ho studiata tanta, principalmente quella che non è fatta per essere venduta, bensì pensata per altri momenti della vita umana. Questo mi ha fatto capire di non sottovalutare il mistero che c’è dentro le canzoni e mi ha fatto riacquisire fiducia attraverso un meccanismo che non riesco a tradurre razionalmente. Per me è importante che nelle canzoni ci sia il soffio della vita, le canzoni sono fatte di dettagli che si contraddicono, questo è quello che siamo tutti noi: dei grandi cortocircuiti. Siamo governati dalle stesse leggi che governano la natura, non siamo macchine.
Vasco Brondi
Nell’uscire dalla città, ho ritrovato la necessità di scrivere, ho un file da centinaia di pagine in cui mi sono ripromesso che qualunque cosa uscirà, resterà per me. Mi autoproduco da sempre, faccio questo lavoro a contatto diretto, ci sono cose che non sono accettate come la timidezza, il distacco e la riservatezza, questi sono temi di riflessione costante per me. Non ho il controllo totale delle canzoni, temevo di scrivere per l’attualità ma non potevo ignorare qualcosa che ci toccava da vicino. Le canzoni non devono essere documenti storici ma lirici, credo che in ogni canzone ci sia la scintilla dell’eternità, la possibilità di trascendere e di andare nel profondo, di togliere la polvere ai giorni. Uso questo mezzo per custodire il fuoco, per aprirmo e non difendermi dagli altri, questa battaglia mi dà coraggio e tranquillità e fa passare la paura di esporsi. Quest’estate sarà rocambolesca, ci ritroveremo in luoghi intimi e cercerò di sfruttarli per guardare le persone negli occhi, sarà tutto in itinere ma spero di arrivare un po’ ovunque con un concerto minimale che ci permetterà di ritrovarci tutto nello stesso momento e nello stesso luogo.
Raffaella Sbrescia
Video: Ci Abbracciamo
È per il suo interesse per il mondo e per gli esseri umani e la sua profonda sensibilità, che Vasco, cantautore, musicista e scrittore, sarà protagonista di una serie di prestigiosi incontri organizzati presso alcuni importanti Atenei italiani con antropologi, filosofi, filologi, psicologi e scrittori. Questi dialoghi saranno anche occasione per presentare il suo nuovo progetto PAESAGGIO DOPO LA BATTAGLIA e svelarne retroscena e processi compositivi, aprendosi al confronto con docenti e nuove generazioni.
I primi cinque incontri di questa serie di appuntamenti, che continuerà fino alla fine dell’anno, sono:
10.05 – Università Statale di Milano Dipartimento di Filosofia dialogo con il Prof. Andrea Borghini 11.05 – Università degli Studi di Napoli Federico II Dipartimento di Studi Umanistici dialogo con la Prof.ssa Fortuna Procentese
14.05 – Università di Siena Dipartimento di Filologia e Critica delle letterature antiche e moderne dialogo con il Prof. Claudio Lagomarsini
18.05 – Università degli Studi di Trento Dipartimento di Psicologia e Scienze Cognitive dialogo con il Prof. Nicola De Pisapia
25.05 – Università di Bologna Dipartimento di Filosofia e Comunicazione e Dipartimento di Scienze per la Qualità della Vita dialogo con i Prof. Stefano Marino e Lucio Spaziante
Il NUOVO TOUR, organizzato da IMARTS International Music & Arts in collaborazione con Gibilterra Management, vedrà Vasco esibirsi in alcuni degli scenari più suggestivi e incantevoli d’Italia.
Queste le prime date annunciate, info e biglietti a breve vascobrondi.it:
28 GIUGNO – ESTATE SFORZESCA 2021 CASTELLO SFORZESCO, MILANO (MI)
30 GIUGNO – ESTATE FIESOLANA TEATRO ROMANO, FIESOLE (FI)
13 LUGLIO – SEQUOIE MUSIC PARK PARCO CASERME ROSSE, BOLOGNA (BO)
16 LUGLIO – FLOWERS FESTIVAL COLLEGNO (TO)
18 LUGLIO – FESTIVAL ESTATE AL CASTELLO VILLAFRANCA NON SI ARRENDE 2021 CASTELLO SCALIGERO, VILLAFRANCA DI VERONA (VE)
21 LUGLIO – VILLA OLMO FESTIVAL COMO (CO)
30 LUGLIO – TENER-A-MENTE FESTIVAL sezione “INDIECATIVAMENTE” VITTORIALE DEGLI ITALIANI, GARDONE RIVIERA (BS)
Esce su etichetta Sugar, “Semplice”, il nuovo album di Motta. Un disco che fin dalla traccia di apertura palesa l’ urgenza di Motta di crescere sia come persona, sia come artista, semplicemente accettandosi e riappacificandosi con le proprie contraddizioni attraverso un processo di semplificazione e di ritorno alle cose semplici. Per il suo nuovo disco Motta riparte dall’attenzione nei confronti delle piccole cose, dall’importanza di ogni attimo vissuto, dalla quotidianità in quanto dimensione che sfugge, ma sempre presente e fondamentale per quel che sarà. Il suo volto non compare in copertina: siamo a una sintesi che è in sé una nuova fase in cui l’autore compie un passo indietro per lasciare che a parlare siano le canzoni, parole e musica che cogliendo stati d’animo, emozioni, immagini fugaci, più che raccontare una storia tratteggiano un’interiorità che dialoga con se stessa e riflette sulle proprie incongruenze per accoglierle in un abbraccio.
Motta ph Claudia Pajewski
Musicalmente “Semplice”, prodotto dallo stesso Motta, nel suo studio di Roma, insieme a Taketo Gohara, è un disco suonato, energico e potente dietro al quale c’è stato un grande lavoro di produzione volto ad ottenere un suono stratificato, pieno e di respiro internazionale, con una grande cura per i dettagli e un modo originale di arrangiare attraverso gli archi curati da Carmine Iuvone.. Una produzione articolata nella quale emerge chiara, semplice ed in primo piano, la voce e che, rispetto ai due lavori precedenti, rispecchia la volontà di avvicinare sound e arrangiamenti alla dimensione live intesa come fondante. Tra i musicisti coinvolti, molto presenti nella registrazione, il percussionista brasiliano Mauro Refosco (David Byrne , Red Hot Chili Peppers, Atom For Peace,…) e il bassista Bobby Wooten (David Byrne) che han lavorato con Motta da remoto da New York.
Ecco cosa ci ha raccontato Motta in occasione della presentazione del disco:
“Semplice” è un lavoro iniziato a partire da 3 anni fa. Ci sono alcune canzoni che ho scritto mentre stavo scrivendo “Dov’è l’Italia”. Per la prima volta ho avuto tanto tempo per stare dietro a queste canzoni. Ci sono brani nati prima della pandemia che non hanno proprio retto il colpo. “Qualcosa di normale”, invece, pur essendo nata prima della pandemia, ha acquisito importanza con le vicende che sono successe dopo. Altre canzoni non ce l’hanno fatta non perché non fossero legate alla realtà ma perché c’è stato un acceleratore che mi ha portato a vedere e a scremare gli errori.
A gennaio 2020 sono andato a New York a vedere un concerto di David Byrne, l’ultimo suo progetto è stato una cosa incredibile. L’ ho reincontrato Mauro Refosco con cui avevo lavorato in “Vivere o morire”. Mi ero ripromesso di fare una jam session in studio con lui e Bobby Wooten.
Questo non è successo ma ha portato a un’organizzazione del disco di cui sono particolarmente contento. Con Mauro alla fine ho lavorato a distanza ma su tutte le canzoni, ci sono produzioni di elettronica e abbiamo avuto tempo di lavorare con il violoncellista Carmine Iuvone. Una delle prima cose che avevo in mente era proprio trovare un modo di concepire gli archi in un modo diverso da quanto fatto prima. Nel live del tour con Les Filles de Illighadad ci siamo trovati a fare rock con il violoncello, per questo abbiamo creato un modo di interagire che in questo disco ho voluto sviluppare con tutto il quartetto. Sugli arrangiamenti c’è stato tantissimo tempo dedicato, l’anno scorso ho sentito la mancanza delle persone e quindi, mentre su “Vivere o morire” mi sono sforzato per creare una situazione di vertigine, l’anno scorso la vertigine era dovuta non solo a quello che stava succedendo ma nel mio mettermi in gioco. Il lavoro in studio con la band è stato un punto focale rispetto al lavoro precedente. In questo lavoro le canzoni dal vivo e su disco si avvicinano molto ma non è un risultato facile da ottenere.
Sulla scrittura dell’album mi ha dato una mano Gino Pacifico. Per la prima volta ho continuato a lavorare con delle persone con cui avevo già lavorato, come è successo anche con Taketo Gohara. Questo ha creato una sensazione di divertimento nel fare musica da parte mia. Guardami intorno, a sto giro, non potevo davvero lamentarmi. Mi sono reso conto che sono fortunato a fare questo mestiere, a prescindere dalle pacche sulle spalle e dai live che per me sono dei festeggiamenti.
La verità è che ho fatto questo disco per me. Cito volentieri Colle Der Fomento: “Io faccio il mio e non lo faccio ne pe loro ne pe l’oro. Lo faccio solamente perché sinno me moro”. Ci sono stati dei momenti in cui mi sono chiesto perché faccio questo mestiere, ho vissuto per qualche mese in campagna e caitava che passavo davanti alla mia chitarra e a volte mi dava pure noia. Ho lavorato su me stesso, c’è stata una fase in cui non riuscivo più a stare in città perché stava diventando lo specchio di quello che non potevo fare. Io e mia moglie Carolina abbiamo vissuto dei mesi in campagna e mi sono fatto questo grande regalo di fare un percorso personale che sicuramente mi servirà. L’anno scorso ho sentito l’urgenza di far sì che ci fossero dei bei ricordi e non è stato facile. Ascoltavo poca musica nuova in quanto dal momento in cui ascolti una canzone, quella ti creerà un ricordo che ti poterai dietro. Ho quindi ascoltato musica fino al’75, a parte di il nuovo di Paul Mc Cartney, il disco di Bianconi. Per questi artisti è stato faticoso far uscire queste canzoni. L’ascoltatore era impaurito dal creare un ricordo. Per questo ho cercato queste cose altrove, solo piano piano sono tornato a riprendere il disco e a tornare con lucidità a concluderlo in un nuovo modo
Ecco perché in questo disco c’è un racconto a prescindere dal fatto che l’ascolteranno in quattro, per me è importante che ci sia un racconto. Un po’ come quando metti insieme la scaletta dei concerti: è fondamentale come inizia e come finisce. La conclusione del disco è molto nera, quello tribale è un mondo che sto esplorando e mi piace pensare che il prossimo disco ripartirà da lì. Sono veramente convinto che una traccia strumentale possa avere un racconto. “Quando guardiamo una rosa” l’ho scritta insieme a Dario Brunori con cui mi sono trovato benissimo. Siamo amici ma non avevamo mai lavorato insieme. Avevo il sogno di trovare un altro punto di vista. Dal mio canto sentivo l’urgenza di raccontare un periodo nero collettivo. Ho pensato che forse non c’erano le parole giuste per raccontarlo, perciò ho preferito il suono prendendo come esempio il Bolero di Ravel.
“Semplice” è nato come un cercare di arrivare all’essenziale ma non è minimale,anzi è molto corposo. La cosa più difficile da fare è stata andare ad eliminare il superfluo, cercare di concentrarsi sulle cose importanti. Questo lavoro alla fine mi ha fatto sentire contento del risultato ottenuto. Ci sono tante canzoni in cui accetto di dire che va tutto bene e non me ne vergogno. Sono molto attaccato alla cose che mi fanno stare bene, non sono tantissime ma ho finalmente capito quali sono.
Nel brano “Qualcosa di normale” canto con mia sorella Alice. Volevo che ci fosse accanto a me una persona scelta nel profondo. Questa cosa implica che a seconda di come e con chi canti, i significanti cambiano significato. La canzone ha cambiato volto e significato cantandola con lei.
MOTTA_ph claudia pajewski
Al titolo del disco, invece, sono arrivato alla fine. Mi sono accorto che la semplicità era il focus. Mi sono letto le lezioni di Calvino sulla leggerezza e ho capito che quello che ho sempre cercato di dire è che la leggerezza è una conquista, non un punto di partenza. Rispetto alle altre volte, sono partito concentrandomi sugli arrangiamenti e sulla musica. I testi sono stati faticosi come al solito ma mi sono sentito più libero nel processo. Prima avevo molta paura di fermarmi, nei due lavori precedenti c’era paura del tempo, ero legato al passato e mi giudicavo molto. Non capivo perché esistevano tante contraddizioni nelle cose che avevo fatto, adesso invece per la prima volta le accetto. Nel momento in cui rimani fermo a pensare, riesci a realizzare come stai, durante questo processo mi sono preso un momento per immaginarmi un futuro, per capire dove volessi andare, per accettare di essere presente in una città. Prima mettevo sempre la provincia nelle canzoni, mi sono accorto che Trastevere ha tante cose in comune con Pisa e finalmente ho preso coscienza del fatto che Roma sia la mia città. Prima c’era la sensazione di essere stato adottato, ad un certo punto, dopo dieci anni, mi sono resto conto che questa è la mia città. Non sono molto attaccato alla Toscana, anche nel brano “Qualcosa di normale” mai avrei pensato di usare la parola sanpietrini. In questo ha inciso avere uno studio di registrazione a Trastevere. In Via Ettore Giovenale avevo uno studio molto piccolo e tante percussioni, poi c’è stato il passaggio a Torpignattara. Ora questo studio mi ha permesso di dividere meglio la vita personale da quella artistica e riesco a far pesare di meno al mondo che mi circonda il fatto che io stia scrivendo un disco. Da questo punto di vista sono migliorato, più sopportabile e credo che anche musicalmente si senta molto che ci sia un luogo esterno che è diventato il mio centro focale.
Video: E poi finisco per amarti
Pensando al discorso dei live, egoisticamente dico che tutto ripartirà da noi, mi guarderò a destra e a sinistra, vedrò la mia band e tutto partirà da un sorriso. Questo non significa che ci si debba nascondere per forza dietro a un sorriso, penserò tanto alle persone che hanno lavorato con me e non avranno la fortuna di salire sul palco perché fanno un altro mestiere. Mi sento fortunato perciò farò un sorriso a metà, è tanto tempo che non vedo la gente, deve partire tutto da un grande senso di responsabilità. Le condizioni sono quelle che sono, ci saranno posti limitati ma ho deciso che andrò a presentare il disco con la band a prescindere. Non è stato facile mettere insieme il tour con tutta una produzione, magari non ci saranno tante luci ma era importante andare in giro con i musicisti. Avere iniziato a 18 anni e non avere posti per suonare, suonando per strada e cercare di avere sempre un modo di fare questo mestiere a ogni costo, mi ha aiutato. Non sarà facile ma senza il palco, muoio; quindi ci sarò.
Raffaella Sbrescia
Motta tornerà questa estate dal vivo con un tour estivo a supporto del nuovo lavoro discografico. I primi due concerti, annunciati oggi, faranno parte del tour estivo e saranno il 21 luglio a MILANO al CARROPONTE e il 10 settembre a ROMA all’AUDITORIUM PARCO DELLA MUSICA. Organizzato da Locusta Booking, i biglietti per i concerti sono disponibili in prevendita da oggi su www.mottasonoio.com.
Achille Lauro pubblica LAURO il sesto album di inediti in uscita oggi per Elektra Records/Warner Music Italy. Questo suo lavoro parla al mondo degli irrisolti, dei fuori rotta, dei falliti e fagocita vite, storie d’amore, riflessioni sul bene, sul male e ciò che sta nel mezzo. Ogni lettera del suo nome identifica un genere musicale mentre i testi danno voce a un vorticoso tormento interiore. L’immaginario estetico dipinge i tratti di una generazione fuori controllo, che non trova risposte nella violenza bensì nel desiderio di voler essere di più, di volersi superare, di raggiungere l’obiettivo velocemente e bene.
Achille Lauro
“Lauro”, title track dell’album, ripercorre le fasi della carriera dell’artista, citando alcuni dei momenti topici della sua storia. Specchietto del suo percorso accelerato, la traccia racconta come, nonostante tutti i cambiamenti che la musica ha comportato, Lauro sia rimasto legato alle sue origini e al suo vecchio mondo. “Noi siamo la nuova Generazione X. Non crediamo nella chiesa, nei genitori, nell’arte. Figli dei fiori del male, artisti del niente. Cristo ha smesso di porgerci la guancia. Ma a noi, esattamente come chi era venuto prima, sta bene così”, spiega Lauro nella scheda album, “Generazione X è un pezzo punk, fuori da qualsiasi schema discografico e legge di mercato. Si rifà al mondo degli irrisolti, dei fuori rotta, dei falliti. Siamo noi la nuova religione, la religione dell’irriverenza”.
Intervista:
“Sono una persona che scrive tanto. Quando ho qualcosa da dire, la dico e quando ho qualcosa da dare la do. Mi sono ritrovato con un centinaio di brani scritti scritti in maniera spontanea. Non scrivo solo canzoni, molte frasi le trovate anche nel libro uscito a inizio 2020. Sono riflessioni su di me, ogni sensazione fa parte di un tutto. Guardo al passato con malinconia, guardo al futuro da sognatore, sono spinto a scrivere e a immaginare quello che non c’è. Vi chiedo di avere cura di queste undici facce di me. Non mi interessa che le persone si rispecchino in ciò che scrivo ma voglio che sia preso per quello che è e che se ne abbia rispetto. Mi sono chiesto se il mio personaggio possa sovrastare il mio fare musica ma in quel caso sarei rimasto nella mia comfort zone, non avrei cambiato genere e non avrei sfruttato Sanremo per fare uno show nello show, non avrei pubblicato dischi side. Io porto avanti dei progetti artistici, dovrei quindi fare successo eliminando chi sono? Io sono questo e continuo a fare questo. Le persone che lavorano con me mi danno fiducia, le ho selezionate negli anni in base alla passione mostrata per il proprio lavoro. Non mi piace chiamare arte ciò che facciamo, siamo artigiani e lavoriamo concependo il fallimento come una possibilità. Quelli che hanno criticato le mie performance a Sanremo dicendo che eravamo sul palco a caso dovrebbero trascorrere sette giorni con me e il mio staff per capire quanto lavoro c’è dietro.
Quando scrivo non è mai nulla a caso, è difficile far capire i sottostrati di quello che c’è sotto ma sono felice di sapere che un po’ per volta sto riuscendo a farlo capire a un po’ più di persone. Anche il disco si divide in due macro aree: una parte più introspettiva che descrive le tempeste dentro di noi, e nello specifico la mia, che vivo in uno stato di tormento perenne. Sono figlio di gente onesta, mio padre ha fatto il professore universitario tutta la vita e non c’era appoggio economico. Forse la mia voglia di arrivare viene dal un lato caratteriale tipico di un sognatore punk rock grunge che ha investito in tutto quello che aveva a disposizione.
In “Generazione X” fotografo la mia generazione, non ho fatto un percorso scolastico ordinario. Amo sapere, amo conoscere e mi sono accorto che la mia generazione sia molto simile a quella del ‘60 e dell’80: non si crede nella Chiesa, nel matrimonio, in se stessi. Non sanno chi vorrebbero essere, vivono oggi e basta e non capiscono né chi vogliono essere né lavorarci su. In “Femmina” mi dissocio dal maschio che si nasconde pericolosamente dietro la virilità, che fa finta di niente e che vuole essere uomo ad ogni costo. Nella periferia da dove vengo, le persone non sono istruite al rispetto della figura femminile. Sono allergico a quel mondo lì, ho avuto la fortuna di capire presto chi volessi diventare e chi non volevo essere. Non rinnego nulla di chi sono stato e di dove sono cresciuto. A volte a Roma la gente vive un senso di abbandono, questa città decadente regala tanto e fa sì che tanti artisti riescano a veicolare queste emozioni nei loro brani. Ringrazio la periferia e la mia città, senza non sarei chi sono oggi. Rifarei tutto e non scambierei nulla con nient’altro.
Video: Marilù
Mi sento molto vicino alla difesa dei diritti umani in generale. Se vogliamo immaginare un futuro, è doveroso operare un cambiamento, siamo in un momento di transizione e imprigionare le persone dentro dei recinti, significa privarci della novità, di un futuro nuovo. Se non partiamo dai diritti umani, da dove vogliamo partire? Siamo figli di stereotipi pericolosi, se questi sono i presupposti non abbiamo imparato un bel niente. Nel mio piccolo, faccio parte di una generazione in continua ricerca. Il tormento interiore si attenua quando finisco una canzone che, l’attimo dopo diventa già vecchia. Questa continua ossessione per quel qualcosa in più permane, vivo cercando di costruire qualcosa di immaginato e in funzione di quello che voglio sia il mio futuro. Di momenti per me ce ne sono pochi, niente nasce dal niente, io sono il frullato di quello che sono stato. Le canzoni mi fanno tornare esattamente al momento in cui sono state scritte, fanno parte di miei momenti molto personali ed è forse per questo che definisco questo come il mio ultimo disco; ho bisogno di vivere. Nonostante io abbia già 30/40 pezzi molto a fuoco, voglio prima vivere e poi ritornare su quello che faccio per dare veramente me stesso”.
NOSTRALGIA è il nuovo album dei Coma_Cose in uscita per Asian Fake/Sony Music. Nuove canzoni per uscire da un tempo sospeso con rinnovate consapevolezze. Ogni nota è una pagina e ogni canzone un capitolo della storia di rivalsa di Francesca e Fausto; una storia che li ha visti passare dalla rassegnazione di dover rinunciare alla musica, al riuscire a renderla il centro della propria vita. La loro è una favola dai protagonisti improbabili che nel momento in cui si ritrovano a lavorare come commessi scelgono di non rinunciare alla propria fiamma, la loro passione per la musica e con un percorso umano ed artistico si sostengono l’un l’altro fino al palco dell’Ariston.
NOSTRALGIA, prodotto dai Mamakass, come Fiamme Negli Occhi e molti altri brani della band, è un viaggio alla scoperta di ambientazioni e temi nuovi, tradizionalmente assenti o trascurati dalla musica leggera. Meno spazio alla città, alla vita all’aria aperta, molto invece alla solitudine, alla periferia, all’introspezione e all’autoanalisi. Questi sei brani inediti sono l’installazione sonora cresciuta nel corso di un anno anomalo, l’occasione per fermarsi un attimo, scavare a fondo nei ricordi e nelle emozioni del passato per fissarle nel presente.
NOSTRALGIA è un punto tracciato sulla linea continua della vita, un bilancio che passa necessariamente per la parola Nostalgia -per le fasi della vita che non torneranno- e per la parola Perdono, perdonare sé stessi per lasciare andare tutto ciò è stato motivo di afflizione. L’ascolto inizia con “Mille tempeste”, track dalle atmosfere dark e a tratti psichedeliche. Francesca e Fausto sono qui testimoni e cantori di una realtà sottosopra, in attesa di un chiaro segnale di cambiamento, perché nonostante tutto rimane forte la speranza di non vivere più sospesi, sotto la volta celeste. Il racconto introspettivo di Nostralgia prosegue con “La canzone dei lupi”, scritto a quattro mani da Fausto Lama e California che, in un mondo in cui tutto si addomestica e tutto si disintegra, si difendono quella sfacciata libertà di cui solo i lupi sono fieri custodi. “Discoteche abbandonate” è invece un monologo dedicato alle cattedrali del divertimento, in cui oggi risuona una triste eco di serate non vissute e cocktail mai bevuti. “Fiamme negli occhi”, portata sul palco di Sanremo, è la piccola istantanea di una storia grandissima, d’amore e di rivalsa, quella dei Coma_Cose. La struttura di “Novantasei”poggia su un’impalcatura rock-alternative/grunge per un’annata che stravolto gli equilibri di molti. “Zombie al Carrefour” è il brano che chiude il disco ma anche un viaggio emotivamente impegnativo. Il congedo avviene con una passeggiata solitaria all’alba, tra gli scaffali che accolgono un amaro che finisce con il bis e una pastiglia che comincia con la x.
coma_cose ph Mattia Guolo
Intervista:
“Il disco si intitola “Nostralgia” perché parla di noi in modo molto intimo e racconta le nostre storie prima che ci conoscessimo. Per poter scrivere qualcosa che avesse un valore reale, siamo andati a scavare indietro nel tempo e ad analizzare la vita passata con gli occhi del presente. Questo disco si discosta dal nostro solto, le canzoni hanno un sound e un’anima che si differenzia dal passato. Siamo reduci dall’ esperienza del Festival di Sanremo, una bella deviazione dal nostro percorso. Siamo contenti di come sia andata questa avventura importante e gratificante. La canzone è stata accolta bene dal pubblico e dalle radio. Abbiamo un po’combattuto per portarla al Festival e siamo contenti che sia andata bene.
“Nostralgia” è un racconto pervaso dalla sensazione di sospensione che ha intriso la penna e l’ispirazione. Il contesto è la situazione di mezzo tra l’essere ragazzi e l’essere adulti. C’è fragilità e tanta intimità che abbiamo cercato di salvaguardare tra pensieri, pennellate e sensazioni. Anche il viaggio musicale è a sé stante mentre il file rouge è il fuoco: quello che infiamma l’infanzia che ci muove per cambiarci e metterci in gioco per costuire la vita da adulti. Il rischio è che questo fuoco possa essere in qualche modo circoscritto e si possa diventare disillusi, ecco perché in “Nostralgia” promettiamo a noi stessi di mantenerci integri, coerenti, puri e ispirati da quello che ci piace, ovvero il lato nascosto delle cose. Il brano sanremese trova una perfetta collocazione pop e solare all’interno di un quadro che racconta le fasi e le sensazioni che abbiamo vissuto nella nostra vita. Questo è un album vero e ci teniamo molto a difenderlo, ecco perché speriamo che il pubblico possa ritrovarcisi. Nel nostro lavoro ci sono dei chiaroscuri, questo è un tratto distintivo della nostra narrativa. Il nostro è un percorso fatto di cadute e risalite e questo elemento fa sempre capolino nei nostri brani. “La canzone dei lupi” racconta l’amore in un modo ancora più profondo e completo ed è forse l’unica, vera, canzone d’amore che abbiamo scritto. La più difficile da cantare è “Zombie al Carrefour”, tutte le volta che la sentiamo ci emozioniamo, ha un pathos che ci distrugge.
Video: Fiamme negli occhi
Siamo due persone molto diverse di base con opinioni contrastanti su tutto. Francesca è più impulsiva, Fausto è più riflessivo e pragmatico, queste caratteristiche ci portano a smussarci un po’ e a trovarci nel centro. Non ci piace ripeterci, né essere scontati. Del passato ci portiamo dietro tutto e niente, la scrittura del disco è un modo per mettere un punto a certe cose che abbiamo fatto per perdonarci un po’. Solitamente la mente cerca di ricordarti solo le cose belle, in realtà a noi succede di ricordare quelle brutte, la funzione del disco è quella di auto analizzarci e farci prendere coscienza del fatto che tutto ti fa crescere e serve per diventare quello che sei. Prima di una coppia, siamo una band, questo disco quindi non va a indorare la pillola, parla alla pancia e ha anche dei lati ruvidi. L’atmosfera di mezzo permea l’intero racconto e nel suo senso trova l’incertezza e il dubbio, ecco perché questo è anche un disco di passaggio. Abbiamo anche cambiato modo di cantare, abbiamo detto basta ai giochi di parole, non volevamo essere male interpretati. Ci siamo stancati di questo modo di scrivere e per questo il disco procede su altri mondi lessicali. Un’altra grande protagonista di questo lavoro è la provincia: entrambi siamo scappati ma, per quanto la si odi, la provincia alla fine rimane dentro di noi e non te la togli. Nascere in provincia è come nascere al mare. Prima o poi ci ritorni. Quest’anno non abbiamo vissuto la città e non volevamo ripeterci, siamo a Milano Sud e se passeggi dietro casa è facile ritrovarsi in un contesto simile a quello di provincia, quella che ti ricorda da dove arrivi.
Ci auguriamo che qualcuno possa approfondire la nostra conoscenza dopo aver visto il lato leggero sanremese e ricomporre il vaso Coma_Cose. Diciamo no a tante cose che non ci fanno sentire a nostro agio. Non è facile seguire questa via dove gli altri invece prendono corsie velocissime. Alla fine quando si spegne tutto e siamo noi due davanti al piatto di pasta asciutta, capiamo che stiamo facendo bene, siamo noi stessi e siamo felici. Ci vogliono nervi saldi e speriamo di mantenerli.
Per quanto riguarda i concerti dal vivo, aspettiamo risposte certe. Abbiamo una decina di date in calendario ma non abbiamo avuto ancora modo di prepararci. A breve cominceremo a mettere su lo spettacolo e, comunque vada, ci faremo trovare pronti. Possiamo suonare il disco anche in una dimensione meno festaiola perché si presta benissimo anche in una situazione più dimessa. Appena si potrà, sicuramente faremo la nostra parte”.
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