Uomo – Donna: i sentimenti raccontati da Andrea Laszlo De Simone

Andrea Laszlo De Simone

Andrea Laszlo De Simone

Tempo di riflessioni. Meglio farle come si deve con “Uomo Donna”, l’album solista di Andrea Laszlo De Simone pubblicato per 42 records. Un disco libero: da preconcetti, da strutture, da convenzioni. Un lavoro che mette insieme pensieri intimi costruiti in modo assolutamente personale e avulso da tendenze e obiettivi di mestiere. Un saliscendi tra esplosioni e implosioni, una narrazione che sposta di continuo il punto di vista tra soggettività e oggettività; un insieme di dettagli che fotografano impietosamente la natura umana tra passato, presente e futuro. “Uomo Donna” è stato autoprodotto e registrato in presa diretta e successivamente post-prodotto e mixato utilizzando tecniche sperimentali a cavallo tra l’analogico e il digitale fino a creare una sorta di paradosso sonoro che parte dalla canzone italiana anni ’70 per arrivare a oggi.

Video: Vieni a salvarmi

 

Il mondo sonoro di Andrea Laszlo De Simone nasce da produzioni casalinghe a metà strada tra la canzone d’autore italiana, la psichedelia e la sperimentazione con la prospettiva di cercare, indagare e capire il nostro modo di intendere i sentimenti e la vita. L’aspetto ludico di questo lavoro sta nel tentativo di descrivere la forza delle sensazioni più forti che siamo capaci di provare, sarà per questo che l’immaginazione è il vero punto di forza della poetica di Andrea Laszlo De Simone. La gentilezza rude di un cantato che profuma di passato ma che è lucidamente abbracciato al presente fa di questo uomo affamato di pensieri, un cantautore capace di saziare l’uomo perduto.

Raffaella Sbrescia

Ascolta qui l’album:

Everything now: la sfida pop degli Arcade Fire per dire tutto e il contrario di tutto

Everything Now - Arcade Fire

Everything Now – Arcade Fire

Con “Everything Now” gli Arcade Fire elaborano l’inno dei danzatori nell’oscurità, quelli che scelgono di muoversi (magari annaspando) in questo liquido e pazzo mondo. La band canadese abbraccia il pop a petto pieno, lo critica dall’interno, incarnandone lo spirito immediato e ballabile, senza rinunciare a vette di puro kitsch. Per completare l’operazione, che ha già fatto storcere parecchi nasi, la band canadese ha collaborato con i produttori Thomas Bangalter (Daft Punk), Steve Mackey (Pulp), Geoff Barrow (Portishead), Markus Dravs. Ad un primo ascolto, saranno in tanti a chiedersi che fine hanno fatto i primi Arcade Fire poi però subentrerà la voglia di capire cosa è successo. Sarà dunque allora che si apriranno i varchi dei livelli su cui si erge l’impalcatura di un album pensato per essere assolutamente contemporaneo. Il fascino del ritmo cela in realtà l’agghiacciante capacità di parlare della morte come qualcosa che è a un passo da noi. Tutto e il contrario di tutto è quello che gli Arcade Fire concentrano in questo album intriso di contraddizioni e ripetizioni. Il concetto che fa da fulcro al progetto è quello di sovraccarico: sonoro, emozionale, informativo. Brano bandiera è “Infinite content”, proposto prima in chiave rock e più in stile country. L’elemento che vi farà percepire una sensazione di incompletezza e mancanza è la privazione dell’emotività. Lo scintillìo di “Signs of life”, la carnalità di “Good God Damn”, la luminosità di “Electric Blue” vengono surclassati da “We don’t deserve love”, il brano in cui gli Arcade Fire giocano a carte scoperte dissacrando il materialismo impersonificandolo con autorevolezza e coraggio. Infine la celebrazione dell’infinito con la riproposizione in versione psycho-onrica di Everything Now (Continued): «I’m in the black againNot coming back again, We can just pretendWe’ll make it home againFrom everything now». Una promessa che vale il sacrificio.

Raffaella Sbrescia

Video: Everything Now

 

S.P.O.T (Senza perdere ‘o tiempo) di Giovanni Block: quando il cantautorato è artigianato di qualità

Giovanni Block ph Sabrina Cirillo

Giovanni Block ph Sabrina Cirillo

Con imperdonabile ritardo ma con encomiabile entusiasmo vi presento S.P.O.T (Senza perdere ‘o tiempo) di Giovanni Block. Figlio dell’arte compositiva, immaginifico/letteraria di questo sorprendente cantautore, l’album rappresenta una boccata d’aria fresca per chi intende la musica come baluardo di artigianalità. Le 11 (10 più una) canzoni che compongono la tracklist del disco racchiudono i tratti somatici di un modo di intendere la vita, l’amore, il sogno, il dolore. Ironia, fatalismo, sagacia, disillusione, romanticismo convivono nell’anima, nella voce e negli strumenti di Giovanni regalandoci una dolce sensazione di benessere e completezza. Il dialetto è il plus ultra, è la chiave di lettura di un modus vivendi veramente comprensibile solo a chi ha l’anima forgiata da una vita vissuta alle falde del Vesuvio.

L’album si apre con “‘O mare va truann’ ‘e forte”: il mare cerca i forti di cuore, di spirito, di braccia per lottare, per vivere e barcamenarsi con destrezza durante le tante tempeste a cui siamo esposti. Dio, prenditi le mani e dammi le ali, canta BLOCK, allora sì che sarebbe tutto più semplice. Accattivante e ben strutturata l’impalcatura ritmica basata su un tipo di chitarrismo professionale e sapientemente calibrato. L’ascolto prosegue con “Tiempo ‘e viento”, realizzata con Alessio Arena e Batà: il vento è patrigno, il tempo è arcigno e indifferente al rovente ritmo latino che soffia dal sud del mondo. Si va avanti con “Sule” la ballad, riproposta più avanti in una versione con Epo, vince per il fascino regalatole dai versi blues di una chitarra che parla chiaro: guardare in faccia la gente ci rende nudi, ci spoglia, mostra la nostra paura di vivere e di parlare. Scarti di paradiso, soli tra soli, siamo destinati a sopravvivere a noi stessi.

Geniale, viscerale, irriverente è “Adda venì baffone”: attesa e invocazione di un riscatto esistenziale. Il brano è figlio della scuola di Pino Daniele; un blues rugginoso, scomodo, autentico, sporco di organico.  Struggente e dolorosa la trama di “E va fernì semp accussì”: un uomo è solo sul suo letto, sordo al mondo se non a un amore non corrisposto; il ritratto dell’infelicità. Si arriva poi al rendiconto professione con “Dint all’underground”: una vita vissuta in mezzo al sound, con la vera passione per la musica nelle vene, con l’adrenalina e la consapevolezza di avere gli strumenti e i compagni di viaggio giusti per costruire qualcosa che prenderà tutte le proprie energie ma che sarà valsa la pena aver prodotto. Bella la collaborazione con Francesco Di Bella in “Senza dicere niente”, più bella e più intensa quella con la bravissima Flo in “Core mio”: due anime cantano un stream of consciousness dal messaggio preciso ed inequivocabile: lascia la paura, scendi dalla croce che ti sei costruito. Immancabile il rimando alla tradizione antica con la tammurriata di “Storia di un antico tradimento”. Onirico il finale con “Palomme ‘e notte”: una serenata fresca e gentile, un inatteso massaggio alla nostra anima tormentata.

Raffaella Sbrescia

Ascolta qui l’album;

Evolve: il trip fatalista degli Imagine Dragons

 

Imagine dragons ph Eliot Lee Hazel

Imagine dragons ph Eliot Lee Hazel

“EVOLVE” è il nuovo album degli IMAGINE DRAGONS. Dopo aver vinto un Grammy, due American Music Awards e aver venduto 9 milioni di album, la band di Dan Reynolds, il chitarrista Wayne Sermon, il bassista Ben McKee e il batterista Daniel Platzman torna in scena con un’evoluzione nei contenuti, nei termini di intesa e nella scelta di un format sonoro incentrato sul minimalismo. La visione degli Imagine Dragons è sempre stata controversa, la loro musica caratterizzata da suoni freschi e da ritmiche pregnanti. Ad oggi il loro obiettivo è ben preciso: portare avanti la ricerca di un posto dove trovare pace e sicurezza in se stessi. Affrontare se stessi è la cosa più difficile da fare. Ecco perché nei nuovi testi della band il punto focale è la leggerezza mentale, quella necessaria per liberarsi dai demoni del passato e fare un nuovo passo in avanti. Ottima anche la qualità del suono curato nei minimi dettagli. L’ascolto inizia con “I don’t know why”: la trama è quella di un amore adrenalinico tra due sconosciuti nella notte. Un’apertura elettro-ritmica esalta la dannazione e il pathos. Il cantato ritmico di “Whatever it takes” narra un sentimento incondizionato. “Believer”, primo singolo estratto dall’album, è il brano perfetto. Imperiosamente lussureggiante, il pezzo è caratterizzato da una struttura ritmica irresistibile. Lo stesso Reynolds ha spiegato: “Questa canzone intende racchiudere i momenti più significativi che hanno scandito questa lunga fase di transizione esistenziale. Oggi riesco a sentirmi in in pace con me stesso, con la mia vita, con quello che sono. Provo a godermi questo nuovo approdo con maggiore disinvoltura”. “Walking the Wire” ripete a piè sospinto un mantra preciso: take what comes. I nuovi Imagine Dragons sono fatalisti.

Imagine Dragons (incontro stampa Milano @ Universal Music)

Imagine Dragons (incontro stampa Milano @ Universal Music)

Il ritmo altalenante di “Rise up” è sorprendente e il messaggio è chiaro: ferma tutto e ricomincia. “I’ll make it up to you” propone, invece, un’elettronica di tipo reminiscente di stampo neoromantico. Ben riuscito il riferimento vintage ai Queen in “Yesterday”. La ritmica underground di “Mouth of the river” irretisce l’ascoltatore attraverso una nervatura sonora vibrante. Molto bello anche il nuovo singolo “Thunder”: ritmiche da club e r’n’b si fondono in un trip ad immersione. “Start over” è una delle tracce più deboli del disco ma il finale vale doppio: quel “join me baby” di “Dancing in the dark” è l’irrrinunciabile invito a prendere parte a questa danza onirico-psichedelica. La band sarà in Italia per due appuntamenti live: il 4 luglio a Lucca (Lucca Summer Festival, http://www.dalessandroegalli.com/events/438/imagine-dragons/ www.luccasummerfestival.ite il 10 luglio a Verona (Arena di Verona/ http://www.vertigo.co.it/it/imagine-dragons).

Video: Thunder

Questa la tracklist: “I Don’t Know Why”, “Whatever It Takes”, “Believer”, “Walking The Wire”, “Rise Up”, “Make It Up To You”, “Yesterday”, “Mouth of the River”, “Thunder”, “Start Over”, “Dancing In The Dark”.

LA versione deluxe contiene inoltre I brani: “Levitate”, “Not Today” e il  Kaskade Remix di “Believer”.

Ascolta qui l’album

Filippo Graziani: la recensione del nuovo album “Sala Giochi”

cover disco_Sala Giochi_crediti Fabrizio Fenucci

cover disco_Sala Giochi_crediti Fabrizio Fenucci

Quant’è bello prendersi il lusso di ritagliarsi tempo per investire energie, attenzione e ispirazione in un proprio progetto. Ancora più bello è constatare che c’è ancora chi riesce a farlo all’insegna della tranquillità e della consapevolezza. Questo è il caso di Filippo Graziani, un cantautore di 35 anni e con un cognome importante che è tornato sul mercato discografico nazionale con “Sala Giochi”, il suo secondo album nato a tre anni di distanza da “Le cose belle”. Nell’anno che osanna i dorati anni ’80, le relative sonorità e le sognanti atmosfere, Filippo decide di integrarsi in questo amalgama nostalgico utilizzando un tipo di approccio individualistico. L’estetica è quella comune ma le tematiche, figlie di sessioni di scrittura ambientate nelle colline romagnole, suonano anacronistiche con l’obiettivo di raccontare il presente in modo intenso e verace. Il pop elettronico si intreccia al cantautorato regalando un fascino casalingo a tutto il lavoro che, in effetti, profuma di artigianalità. In “Vero o no”, Graziani canta a scrive che l’amore trova sempre una strada, anche per chi non ci crede. Un punto di partenza che, in realtà, è anche quello di arrivo ma arriviamoci per gradi.

Video: Esplodere

Filippo offre molto di sé al suo pubblico e si sente. “Appartiene a te”, ad esempio, è il brano in cui il cantautore sceglie di mettersi a nudo senza perdere tempo a ragionare sui dettagli della vita. Bellissima la similitudine proposta in “Tutto mi tocca”: tutto mi tocca troppo come un nervo scoperto, scrive. Ecco: immaginatevi questa persona così sensibile da sentirsi urtata, schiacciata, manipolata, turbata, usurpata dal mondo circostante. Come vi sentireste al suo posto? Provate a fare questo esercizio, potrebbe regalarvi nuove preziose intuizioni. Questo discorso vale anche per “Mettici vita”: in ogni istante, in ogni nota, in ogni gesto. Ed ecco sopraggiungere l’amore nella parte finale del disco: quello travolgente de “La parte migliore”, quello urgente di “Esplodere”, quello indebolito dai dubbi di “Credi in me” ma soprattutto quello di “Vicini e lontani”. E poi c’’è “Vorrei”, così spontanea e trasparente, così piena di desiderio di vita e di condivisione, così autentica e reale. Infine il quesito che apre uno squarcio in tutti noi: “Dov’ è il mio posto”, un finale psichedelico per un disco che intende reagire alla frustrazione e che scava nel passato per ridare grinta al presente.

 Raffaella Sbrescia

TRACKLIST

1. Vero O No

2. Appartiene A Te
3. Il Mondo Che Verrà
4. Tutto Mi Tocca
5. Mettici Vita
6. La Parte Migliore
7. Esploder

8. Credi In Me

9. Vicini E Lontani
10. Vorrei

11. Dov’è Il Mio Posto

Ascolta qui l’album:

Fake Sugar: la potenza solista di Beth Ditto

Beth Ditto - Fire

Beth Ditto – Fake Sugar

Vulcanica e travolgente. Questa è la Beth Ditto che per 17 anni ha capitanato i Gossip. Oggi ritroviamo la cantante in veste di solista. L’occasione è l’uscita dell’album “Fake Sugar”, pubblicato su etichetta Virgin Records. Frutto della collaborazione con Jennifer Decilveo, questo lavoro mette in risalto la vocalità di Beth ponendo l’accento su variegate sfumature di suono. Nelle dodici tracce che compongono la tracklist, Beth Ditto si muove tra passato e presente con disinvoltura e carisma. Il graffio, la sensualità, il piglio glamour del suo tocco rivestono le trame delle sue canzoni tessendo le fila di un caleidoscopico insieme di blues, pop, rock e soul. Il disco si apre con la fortissima “Fire”: cruda, carnale, innervata di “sporche” spruzzate underground. Infuocata anche “In And Out”: un’aura anni ’70 avvolge un clubbing d’èlite. Il calore del sud fa capolino nella title track “Fake Sugar” mentre la ritmica definita e avvolgente di “Savoir Faire” apre la strada a “We could run”, il brano che forse più di altri racchiude l’essenza della Beth Ditto di oggi. Calda e pulsante l’anima di “Oo la la”, superfluo “Go Baby Go”, il tributo ad Alan Vega dei Suicide. Non mancano un paio di ballate, rispettivamente intitolate “Love in real life” e “Lover”. Il brano più interessante dell’ultima parte del disco è “Do you want Me To” in cui Beth Ditto si apre al conflitto interiore esternandolo servendosi di una cornice sonora molto corposa e variegata. La tracklist si chiude con  l’onirica “Clouds” (Song for John); un modo per offrire l’ultima pennellata artigianale ad un lavoro che si presenta come un modo per scoprire i lati di Beth Ditto che fino a oggi erano rimasti un po’ in ombra.

Video: Fire

Dopo i concerti sold out della scorsa primavera a Berlino, Parigi e Londra, e la partecipazione ad alcuni Festival come il  Montreux Jazz Festival, è stato già annunciato il tour americano. L’artista farà tappa anche in Italia per un’unica data al Fabrique di Milano sabato 30 settembre.

Raffaella Sbrescia

Ascolta qui l’album:

Prehension: il minimalismo confortevole di Joep Beving

Joep Beving

Joep Beving

Malinconia intesa come protensione ricettiva dell’anima. Questa è l’essenza di “Prehension”, il nuovo lavoro del pianista olandese Joep Beving il cui suono si muove con disinvoltura tra neoclassicismo e minimalismo. Musica alta ma fruibile è quella composta dal musicista dal tocco gentile. Senza l’ausilio dell’elettronica, l’artista si destreggia tra titoli ispirati ad un repertorio classico ma si rivolge ad un pubblico semplice. Il suo suono intende essere confortevole in modo essenziale: Beving pesca a piene mani dall’impressionismo classico ma anche dalla più contemporanea new age, alterna note rapide a note complesse creando un’atmosfera di tipo meditativo. Si comincia con “Ab ovo” in cui tutto il discorso viene racchiuso in momento unico e definitivo. Si continua con il flusso lunare con “Kawakaari” che ci immette nell’evanescente inconsistenza di “Impermanence”. Il nucleo dell’album si annida in “A heartfelt silence”, “Le souvenir des temps gracieux” e “Pippa’s theme”: la triade in oggetto spicca per delicatezza ed eleganza mai troppo forzata. Il piglio malinconico e solitario s’interseca con la solarità propositiva di “432” e la conclusiva “Every ending is a new beginning”, brano con cui Joep Beving porta a compimento un discorso strumentale di tipo circolare, capace di trovare una propria collocazione semantica in tanti contesti diversi.

Raffaella Sbrescia

Ascolta qui l’album:

Relaxer: il nuovo album degli Alt J è pronto a confondervi le idee

alt-J-Relaxer

alt-J-Relaxer

Che cosa vuol dire saper conquistare i premi della sfera “alta” e la scena “mainstream” quando nel frattempo si continua a produrre musica che non segue correnti, mode e generi? La risposta la conoscono gli Alt J che, con il nuovo album “Relaxer” piazzano un altro bel colpo all’interno della propria discografia attraverso una elegante commistione di progressioni ritmiche, chitarre e fiati che lasciano l’ascoltatore incerto sul pronunciarsi. Diversi ascolti sono necessari per poter cogliere le sfumature, gli accenni e gli stravolgimenti di alcuni classici ma anche le progressioni proposte negli inediti. Gli Alt J lavorano per sottrazione ma sempre con l’intento di sorprendere: questo è quanto avviene in “3WW”, uno dei brani più interessanti del disco. Il piglio classic rock insito in “Hit me like that snare” conquista l’ascoltatore con la sua energia profumata di grunge. Due i rifacimenti: uno è “House of the rising sun” in cui tastiere, chitarre e melodia vengono solo accennate, l’altro è “The auld triangle”, incorporato all’interno di “Adeline”. L’ipnotico fascino di “Deadcrush” funge da spartiacque prima che il sipario cali con il sopraggiungere di “Pleader” che, nel sancire l’indefinibilità del  progetto in essere, ne decreta il pieno valore artistico.

Raffaella Sbrescia

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Harry Styles: quando la fama non sazia la fame di arte. La recensione del disco da solista

Harry Styles- cover album

Harry Styles- cover album

Che cosa può portare un giovane cantante come Harry Styles che, con gli One Direction ha conosciuto il successo planetario, ad avere il coraggio, e forse il buon senso, di fare una grossa marcia indietro e ripartire da zero in veste di solista? Due cose: la saggezza e la stanchezza. In un mini-ecosistema protetto dove tutto andava studiato a tavolino, la sensazione di libertà deve essersi ridotta proprio ai minimi termini. Ecco perché Harry Styles, così come Zayn Malik, ha sposato la pausa “a tempo indeterminato” del gruppo per mettersi a scrivere con calma soppesando i tempi ma anche i suoni per un lavoro che ha sorpreso un po’ tutti, detrattori compresi. “Non volevo fare errori ma soprattutto non volevo avere fretta perché negli ultimi tempi la fretta la faceva da padrona. Ci capitava spesso di scrivere mentre eravamo in tour. Stavolta volevo godermi il piacere di realizzare un album senza pressioni, non mi è mai capitato di sentirmi così libero”, ha dichiarato il giovane cantante e, a giudicare dal risultato, l’intento è stato più che rispettato.

Registrato tra Inghilterra, California e Giamaica sotto l’egida del noto produttore Jeff Bhasker (già con Ed Sheeran, Alicia Keys, Bruno Mars, P!nk e molti altri), cui si sono affiancati alla produzione Alex Salibian, Tyler Johnson and Kid Harpoon, l’omonimo disco del 23enne (Columbia Records) si presenta ricco di riferimenti ai suoni tipicamente britannici: si va dai beat beatlesiani degli anni ’60 (Carolina) al britpop più vicino ai millenials (Meet Me in the Hallway) passando per ampie manciate di glam rock cosparso di vibranti chitarre elettriche (Only Angel e Kiwi). No ai dj producer, no all’elettronica, no alla dance, no ai tormentoni, Harry Styles intende raccontarsi lasciando il giusto spazio alla manualità. Forte del contributo dei musicisti che hanno suonato nel disco e che saliranno sul palco insieme a lui nel corso del tour che avrà inizio a settembre ( il 10 novembre all’Alcatraz di Milano), il cantante modula la voce, riuscendo ad avvicinarsi anche alle atmosfere folk, così come avviene in “Tho Ghosts” e “Sweet creature” ma anche e soprattutto alle corde del cuore come in “Sign of the Times”, il brano che ha fatto da apripista al disco e che segna lo spartiacque tra il passato del cantante e questo promettente presente.

 Raffaella Sbrescia

Video: Sign of the Times

TRACKLIST

Meet Me in the Hallway

Sign of the Times

Carolina
Two Ghosts

Sweet Creature
Only Angel
Kiwi

Ever Since New York

Woman
From the Dining Table

In nome dell’amore Volume 2: il nuovo Alex Britti

IN NOME DELL'AMORE volume 2 ALEX BRITTI

IN NOME DELL’AMORE volume 2 ALEX BRITTI

Cosa succede se un virtuoso della chitarra come Alex Britti decide di incidere un nuovo album incentrandone i testi sul tema dell’amore? Il risultato lo si può ascoltare ne “In nome dell’amore – volume 2” che segue il ‘volume 1′ del 2015. Declinato secondo diverse angolature, l’argomento visto dalla prospettiva del cantautore romano assume una forma liquida, libera. Le fotografie trasformate in testi tratteggiano a grandi linee un percorso umano e musicale iniziato due anni fa. Nel ‘volume 1′ di questo progetto, Britti raccontava, infatti, la parte più oscura, introversa, drammatica dell’amore. Oggi il cantautore passa all’aspetto più leggero del tema lasciandolo percepire anche da un uso diverso delle sonorità. L’album si apre con “Senza guardare indietro”, ovvero il racconto di una piccola epopea individuale a metà strada tra sogno e realtà in cui il suono, vicino a certe atmosfere eighties, risulta oltremodo artefatto. L’ascolto prosegue con “… e basta”, un brano senza particolari pretese che celebra la complicità di coppia. Il sound spento di “Speciale” inficia il testo immediato e scorrevole, finalmente torna il blues in “Tanti anni fa”, uno dei brani più interessanti e più riflessivi di questo disco. Britti quadra i conti con il passato ma lo fa con disimpegnata leggerezza. L’approccio semplice e spensierato traspare anche dalle note di “Stringimi forte amore”, molto più interessante il filone rock’n’roll seguito nelle trame di “Libero”, in cui Britti omaggia Chuck Berry. L’album si chiude con una versione acustica de “In nome dell’amore”, la migliore espressione dell’artigianalità di un suono tanto inconfondibile, quanto necessario per comprendere bene l’essenza artistica di Alex Britti.

Raffaella Sbrescia

Alex Britti – Speciale

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