Io sono Mia: Serena Rossi ci fà rivivere il mito di Mia Martini al cinema

Io sono Mia

Io sono Mia

Sarà distribuito nelle sale cinematografiche per 3 giorni il 14, 15 e 16 gennaio il film “Io sono Mia” il film che ripercorre la vita artistica e personale di Mia Martini. La pellicola è stata proiettata in anteprima al Cinema Anteo di Milano e a Roma. Distribuita da Nexo Digital e prodotta da Luca Barbareschi per Eliseo Fiction, l’opera sarà poi trasmessa in tv su Rai Uno a febbraio.

Protagonista di questo progetto è l’attrice e cantante Serena Rossi, la cui interpretazione intende omaggiare l’anima, lo spirito e la vicenda di un’artista unica e di una donna costantemente in bilico fra mille emozioni contrastanti. Il quid in più è stato dato dalla consulenza speciale di Loredana Bertè, sorella di Mimì.

Il risultato è un racconto dal taglio narrativo avvincente, il film offre l’opportunità di conoscere non solo la storia di un grande talento ma anche il modo di affrontare la vita negli anni ‘70. I primi traguardi per l’emancipazione femminile, il successo, il mondo delle case discografiche, l’esilio, l’amore, il pregiudizio, la sofferenza, il riscatto.

La risposta a tutto questo sta nel coraggio di Serena Rossi di ridare vita all’eleganza, alla forza, allo spirito con cui Mimì Bertè, in arte Mia Martini, ha lasciato una traccia indelebile nella storia della musica italiana. Il filo conduttore è la sua vita, certo, ma i messaggi che fanno capolino mettono in evidenza temi fondamentali come l’esclusione, la calunnia, la violenza sulle donne. Ridare nome e memoria alla storia di Mia riaccende i riflettori su fatti e avvenimenti di grande attualità. Grazie all’esperienza e alla passione del regista Riccardo Donna, “Io sono mia” ci riporta agli anni ‘70 con una particolare attenzione ai dettaglio, tutto è stato studiato per essere verosimile e autentico. Tutti i volti di Mimì sono stati ricreati identici agli originali, la stessa Serena Rossi ha ricantato dal vivo tutti i brani che sono stati registrati con strumenti dell’epoca e tecnologia analogica. Tutto il mondo di Mimì è stato fedelmente ricostruito. Questo film non è solo un grande omaggio alla Martini, è la preziosa occasione di chiederle scusa.

Raffaella Sbrescia

 

 

PUNK: la recensione del nuovo album di Gazzelle

GAZZELLE foto di Sara Pellegrino

GAZZELLE foto di Sara Pellegrino

Esce oggi “Punk”, il nuovo album di Flavio Pardini, in arte Gazzelle, prodotto da Federico Nadelli per Maciste Dischi. Quello di Gazzelle è un nome che si è fatto subito ampio spazio all’interno dello scenario indie nazionale. La sua attitudine prende vita da una malinconia beffarda, di quelle che riescono a fotografare i momenti più intimi e più indelebili per poi congelarli e tirarli fuori all’occorrenza lasciando una sensazione di smarrimento emotivo. Gazzelle fa leva su fotogrammi e sonorità sicuramente ispirate alla classiche ballate britpop dei punti di riferimento di sempre: Oasis, Coldplay. Con il suo muoversi a metà strada tra Roma e Milano cattura e impregna i suoi testi di tutti gli elementi che in questo momento fanno leva sull’hype dei trend topics.
Video: Scintille

Il disagio esistenziale di cui è pregna una generazione sempre pronta a rimettersi in discussione e mai veramente appagata, si fa largo tra i versi e i suoni proposti in “Punk”, un album che non ha niente di questo genere se non il modo di concepire la vita stessa. Un connubio di contasti emotivi, di saliscendi e di ripensamenti, di svelamenti poi celati da un’ironia acida e nebulosa.
L’elemento che salta subito all’orecchio è la solitudine, quello status quo che leva il respiro, che rende incerti i passi, che rende sfumati e surreali i sogni e i sentimenti a cavallo tra tradizione cantautorale anni ‘70 e puro itpop. A scandire la tracklist , c sono arrangiamenti di un livello finalmente superiore a quello del disco di esordio: pianoforte, chitarre, batterie e archi volteggiano, sorprendono, scardinano certezze e schemi mentali.
“E coprimi le spalle che fuori si gela e la notte non copre gli sbagli ma gli dà tregua. E che ho scoperto che le cose belle appassiscono e che i sogni dentro ai cassetti marciscono e che la gente non crede mai troppo e le parole trovano il tempo che possono, che non puoi morire due volte di seguito e che se fuori piove io dentro nevico”, scrive Gazzelle in “Coprimi le spalle”, uno dei testi più sinceri e più veritieri del disco. Il consiglio che vorremmo dare a chi ascolterà questo album è di leggere bene i testi prima di ascoltarlo, i messaggi saranno molto più intensi, la realtà molto più sparata in faccia senza il filtro di arrangiamenti che certe volte creano contrasti fuorvianti. Il quadro vi sembrerà molto più intellegibile e completo e avrete la sensazione di capire meglio perché Gazzelle in poco più di un anno ha già conquistato i palazzetti italiani.
Raffaella Sbrescia
Al via da oggi l’instore tour durante il quale l’artista presenterà il nuovo disco al pubblico con un breve showcase. Questi gli appuntamenti:
30 NOVEMBRE - TORINO - Mondadori Bookstore via Monte Di Pietà (ore 18.00)
1 DICEMBRE - MILANO - Mondadori Megastore Duomo (ore 15.00)
2 DICEMBRE - ROMA - Feltrinelli via Appia Nuova (ore 17.00)
3 DICEMBRE - NAPOLI - Feltrinelli Piazza dei Martiri (ore 18.30)
4 DICEMBRE - BARI - Feltrinelli via Melo (ore 18.30)
Questa la tracklist del disco, prodotto da Federico Nardelli:
1. Smpp
2. Punk
3. Sopra
4. Tutta la vita
5. Sbatti
6. Non c’è niente
7. OMG
8. Scintille
9. Coprimi le spalle
GAZZELLE è pronto a tornare sul palco nel 2019 con due date nei palazzetti più importanti d’Italia, venerdì 1 marzo 2019 al Mediolanum Forum di Milano e domenica 3 marzo 2019 al Palazzo dello Sport di Roma! Ad accompagnare i due appuntamenti, il “Punk Tour” nei più importanti club italiani in partenza giovedì 7 marzo dall’Obihall di Firenze, per poi proseguire con i live di Venaria Reale (09/03), Napoli (15/03), Modugno (16/03), Bologna (21/03), Brescia (24/03), Senigallia (30/03), Perugia (31/03) e infine Padova (07/04).
Biglietti disponibili su Ticketone.it e in tutte le rivendite autorizzate.

L’Infinito: Roberto Vecchioni ci insegna il valore della parola in un’opera d’arte. La recensione del nuovo album

Ph. Oliviero Toscani - Vecchioni

Roberto Vecchioni torna in scena con un un nuovo album intitolato “L’infinito”. Non troverete questo lavoro sulle piattaforme streaming e il perché è davvero facile da immaginare. Vecchioni è un Maestro, un cantautore, un poeta, un professore. Le sue canzoni sono preziose e rare. Non è neanche pensabile metterlo al confronto con gli album usa e getta che solitamente troviamo in giro. A cinque anni di distanza da “Io non appartengo più” del 2013), Roberto Vecchioni torna dunque a dire la sua con un lavoro prodotto da Danilo Mancuso per DME e distribuito da Artist First.
Il lavoro racchiude 12 brani inediti e inizia subito in modo speciale. “Una notte, un viaggiatore” ci porta in un luogo, non luogo. Una dimensione spazio-temporale indefinita, una stazione fantasma che ci lascia perdere e confondere in una fuga onirica. Il concetto di malinconia ricorre spesso anche se Vecchioni declina questo sentimento sempre in un’accezione positiva e costruttiva.
I gloriosi anni ‘70, quelli in cui la cultura era davvero considerata, rieccheggiano in “Formidabili quegli anni”: “Noi ci siamo fatti il culo, a voi tocca mostrare i denti”, canta Vecchioni, ai pochi cavalieri sulle nuvole incoscienti rimasti a difendere la causa della cultura, sempre più spauracchio per la massa inebedita dalla superficialità e dall’effimero.
L’album prosegue con una gradita sorpresa: l’eccezionale ritorno sulla scena musicale di Francesco Guccini che, per la prima volta, duetta con Roberto Vecchioni nel singolo “Ti Insegnerò a volare”, ispirato alla storia personale del campione Alex Zanardi, che diventa emblema di un leit motiv importante: “la passione per la vita è più forte del destino”. I ritmi folk del brano mettono in luce un team di musicisti di tutto rispetto: Lucio Fabbri (produzione artistica): pianoforte, piano elettrico, organo Hammond, violino, viola,fisarmonica,basso elettrico e chitarra elettrica; Massimo Germini: chitarra classica e acustica,chitarra 12 corde, mandolino, bouzouki, ukulele, liuto cantabile; Marco Mangelli: basso fretless; Roberto Gualdi: batteria  epercussioni.
L’ascolto prosegue con il commovente brano “Giulio”, ispirato alla storia di Giulio Regeni, sulla cui morte vige ancora il mistero. A cantare è una madre che non ne accetta la dipartita.
La title track “L’Infinito” è il brano più bello. Il protagonista è il Giacomo Leopardi degli ultimi anni, quello che ha imparato a lasciarsi conquistare dal canto di vicoli e quartieri e dall’orda di piccirilli di Napoli. Il suo cadere in sogno, l’ammissione del fatto che tutto passa e non resta. Il mantra è: “Vattene via dolore, l’infinito è al di qua della siepe”. In “Vai, ragazzo” echi di passione per il greco vibrano in una danza sonora irresistibile. In “Ogni canzone d’amore”, invece, Vecchioni si diverte a immaginare che tutti i poeti scrivano per sua moglie. In “Com’è lunga la notte” il Maestro incontra Morgan in un brano ironico, fuori dagli schemi e autobiografico. La poesia vibra in “Ma tu”: l’amore non è tempesta e furore, è la donna che aspetta sulla porta di casa”, canta Vecchioni che aggiunge: “Che strano posto è il cuore, le cose che entrano non escono più”. Dedicata alla guerrigliera curda Ayse, “Cappuccio Rosso” racconta una resistenza al femminile. “Non c’è niente di così grande nella vita, niente di così infinito come il perdono” è il messaggio de “La canzone del perdono”. L’ultimo brano è “Parola”: un testamento, un manifesto, un irrinunciabile elogio alla parola: dono prezioso sempre più bistrattato e svilito. Vecchioni scrive un testo che è impossibile commentare, solo ascoltandolo si può capire come possa essere innato e inestricabile l’amore profondo del Maestro nei confronti della parola stessa. Un finale felliniano alleggerisce la tensione dopo la fatidica domanda: “Amore mio chi t’ha ferita a morte?”. La risposta è avvolta dalla lugubre consapevolezza che ognuno di noi ne ha fatto un uso spesso improprio ma la speranza, così come la parola, come sempre, sarà l’ultima a morire.
Raffaella Sbrescia

Rosalìa is the next big thing. Il suo album El Mal Querer è tutto da assaporare. La recensione

 

 

Rosalìa - El Mal Querer

Rosalìa – El Mal Querer

The next big thing is Rosalía. Il segreto del suo dilagante successo è un suadente mix tra tradizione e innovazione. Il suo essere semplicemente sul pezzo con senno, logica e furbizia. Lo scorso 2 novembre l’artista ha pubblicato “El Mal Querer”, un concept album diviso in capitoli in cui il protagonista è un amore tossico, tormentato e sviscerato da una protagonista femmile forte, disincatata, travolgente. Il cardine su cui si fonda il lavoro è la potente voce di Rosalía, a cui si aggiungono elementi di suggestione quali i suoni primari di palmas (il battito di mani) e pitos (schiocco delle dita) uniti a sampler e musica elettronica. Rosalía è di Barcellona, il suo piglio è fresco e cosmopolita, il prodotto che propone è figlio di studio e tecnologia ma quello che la differenzia dalle meteore one hit shot, è l’intensità e la passione che lascia trasparire dal suo canto intenso e particolare. Questo suo secondo album è stato strategicamente introdotto dal singolo “Malamente” che, in più passaggi, ricorda la famosissima “Malo” di Bebe. Il brano rientra nel capitolo 1 “Augurio” e rappresenta il biglietto da visita di un progetto costruito senza fretta, figlio di un percorso d’esordio che ha letteralmente bruciato le tappe.

Video: Malamente

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Lo scorso settembre Rosalía ha ricevuto 5 nomination ai Latin Grammy, diventando l’artista donna con più nomination alla 19esima Latin Grammy Edition: Song of the Year, Recording of the Year, Best Music Video (short form), Best Alternative Song e Best Urban Fusion/Performance. Uno dei suoi grandi meriti risiede nella ferma volontà di rivoluzionare l’idea di flamenco attraverso una combinazione sonora che ne evidenzi la peculiarità storica e che al contempo la renda trendy e fruibile anche da chi segue la wave del momento. La sua vocalità vellutata si evolve spesso in un lamento fuori dal mondo, la sua eco di dolore e passione permea l’aere circostante creando un’ovattata atmosfera ipnotica. Di base il latin pop è quasi sempre sinonimo di trash e scarsa qualità, qui invece il discorso si evolve semplicemente perché il contenuto fa leva sul vissuto, sull’emotività, sulla qualità della materia prima. Non c’è solo artificio: ascoltate “Reniego” con i suoi archi, i suoi acuti. La sua intensità arabo-spagnoleggiante eccheggia di interculturalità, di passato e di futuro imminente. Bellezza struggente che prosegue, convincente, in “Nana” e soprattutto in “Maldiciòn”. E per finire, una perla fiammante, il primo atto di un testamento femminista, l’ultimo capitolo di un’avvincente storia artistica appena nata: “A Ningún Hombre”.

Raffaella Sbrescia

LA TRACKLIST DI EL MAL QUERER

 

CAP 1 – AUGURIO – Malamente con Antòn Alvarez

CAP 2 – BODA – Que no salga la luna con Las Negris, Nani Cortes, Lin Cortes, Los mellis, Pablo Diaz Reixa y Juan Mateo

CAP 3 – CELOS – Pienso en tu mirà con Milagros y Los Mellis

CAP 4 – DISPUTA – De aquì no sales

CAP 5 – LAMENTO – Reniego con Jesus Bola

CAP 6 – CLAUSURA – Preso con Rossy de Palma

CAP 7 – LITURGIA – Bagdad con el Cor de l’orfeò Català y Joan Albert Amargòs

CAP 8 – EXTASIS – Di mi nombre con Las Negris, Los Mellis, Pablo Diaz Reixa y Laura Boschetti

CAP 9 – CONCEPCION – Nana

CAP 10 – CORDURA – Maldiciòn

CAP 11 – PODER – A ningùn hombre

Calcutta: l’estetica decadente è l’arma vincente di “Evergreen”. La recensione

Calcutta-EVERGREEN

Calcutta-EVERGREEN

“Evergreen” è il titolo del nuovo lavoro di Edoardo D’Erme, in arte Calcutta. Un titolo che è già esemplicativo di una precisa intenzione. Il cantautore originario di Latina, fautore, si dice, dell’evoluzione della corrente indie in itPop, porta avanti il proprio personalissimo discorso con un capitolo che un nuovo importante paragrafo all’interno di una parabola artistica degna di nota. Quello che emerge nell’album è la chiara intenzione di declinare in maniera più dettagliata uno stile disegnato sui margini di distinzione tra l’assurdo e il geniale. Il disincanto, la sregolatezza, la ricerca melodica, la cura per la scelta degli arrangiamenti cesellano ritmiche e testi intrisi di malinconia, smarrimento, solitudine. I dilemmi sono i cardini su cui si muovono strofe e ritornelli cosparsi di ironia naïf. Calcutta è crudo ed è amaro, è vintage e innovativo, è melenso e destrutturato, è semplice ma efficace. Nelle sue canzoni descrive l’amore che non si può ammettere, la noia che smarrisce, l’annichilimento che toglie le aspettative, lo spunto di creatività, il barlume di speranza, la dolcezza dei momenti amarcord. La sua musica è italiana in ogni singolo aspetto, gli arrangiamenti sono curati nel dettaglio e lasciano trasparire in modo mai pesante tutta l’allure dell’artigianalità Made in Italy. Quando ci piace il sing along, del tipo “cosa ne potete sapere voi altri”. Quelle metriche che hanno già fatto scuola in pochi mesi rieccheggiano tra i sospiri di “Pesto”, nella visione notturna e ibrida di “Dateo”.
“Quello che voglio è farmi pungicare”, canta Calcutta, in “Kiwi” tra inquietudini e strette al cuore. Tra i picchi emotivi di “Paracetamolo” e l’isolamento spirituale di “Hubner”. Le canzoni di Calcutta sono agrodolci, a tratti distorte e fuorvianti. L’inadeguatezza cantata di “Rai” si trasforma in ipocondria nelle strofe di “Nuda nudissima”, per poi evolversi tra le memorabili ammissioni di intima rassegnazione in “Orgasmo” . La bellezza del repertorio di Calcutta sta forse nella sua estetica decadente, quasi post-apocalittica in cui si passeggia tra i ricordi e si finisce per cedere ad una irresItitibile scioglievolezza dei sensi.

Raffaella Sbrescia

TRACKLIST
01. Briciole
02. Paracetamolo
03. Pesto
04. Kiwi
05. Saliva
06. Dateo
07. Hübner
08. Nuda nudissima
09. Rai
10. Orgasmo

“Volevo scriverti da tanto”: Mina torna ad emozionare come una volta

Mina-Maeba

Mina-Maeba

Che dolce il tepore di una voce calda, potente, vicina. Una voce inconfondibile come quella di Mina. Una voce che regala vita ad un flusso di coscienza rimasto quiescente per chissà quanto tempo. Questo è quanto accade in “Volevo scriverti da tanto”, il nuovo singolo che preannuncia l’uscita di “MAEBA”, il nuovo album di inediti della cantante. Il testo è di Maria Francesca Polli e le musiche di Moreno Ferrara, il pathos interpretativo è 100% Mina.

Quante volte ci siamo fermati, incantati, ad ascoltare le sue canzoni più famose?
Ecco, questo è quello che succedo ascoltando questo nuovo brano così cupo, intenso, struggente. Una lettera mai scritta, una dialogo destinato a non avere mai luogo, l’occasione per fare pace con se stessi e perdonarsi dopo un lungo personalissimo patimento emotivo.
La ballad è di chiaro stampo mediterraneo, amabilmente agèe, ed è in grado di creare un’atmosfera intima, personale, inviolabile. L’arrangiamento è a cura di Massimiliano Pani ma la diva qui è solo Mina, maestra nell’esaltare tutte le sfumature più dolorose di un’ammissione privata.
“Canto ancora di te, non so più a chi credere, ho litigato con Dio che non mi parla da un po’, ci sono notti in cui la notte è troppo lunga anche per me, sciolgo dentro un caffèlatte ogni mio stupido perchè” e poi, ancora, “volevo scriverti ma lo faccio adesso se vuoi, volevo dirti che io canto ancora di te, e pure se a modo mio ho fatto pace con me”, canta Mina fino all’atto conclusivo: “Volevo scriverti da tanto, scusa se non l’ho fatto mai”. Ci piace immaginare che questo effluvio di intime dichiarazioni possa aver trovato un interlocutore, presente o figurato, pronto a regalare un abbraccio scalda-anima.

Raffaella Sbrescia

Wrongonyou: la recensione dell’album d’esordio “Rebirth”

Rebirth

Il folk americano, la natura, l’inglese e l’autenticità sono il poker d’assi che Marco Zitelli, in arte Wrongonyou, cala per il suo album d’esordio “Rebirth” (Carosello Records), giunto dopo l’ep “Mountain Man”. La rinascita di cui si intende parlare è di tipo mentale e mette in luce la ritrovata capacità da parte di Wrongonyou di focalizzarsi sull’uso della voce e sulle vibrazioni dettate da un’interpretazione verace e senza filtri. Al centro delle 11 tracce c’è madre terra, lo si percepisce dai suoni che rimandano a grandi distese di boschi Canadesi e selvaggie brughiere. La forza immaginifica delle parole di Wrongonyou solca i confini tra i generi, distende i nervi, regala nuove e inedite prospettive. “Tree”, “Son of winter”, “Green river”, “The lake”, ‘I don’t want to get down’ sondano anche le vicende più personali del cantautore che si destreggia agilmente tra canzoni nuove, che lo hanno portato a collaborare con Michele Canova a Los Angeles, e canzoni meno recenti che lo hanno condotto a una presa di coscienza matura e consapevole. L’originalità della formula proposta da Wrongonyou sta nella squisitezza dell’artigianalità Made in Italy, coniugata ad un più organizzato metodo di selezione e rielaborazione di sonorità dalla bellezza senza tempo. Wrongonyou è un ragazzo che macina chilometri da sempre, la malinconia e l’intimismo sono parte integrante del suo linguaggio comunicativo eppure il risultato non è affatto cupo anzi, è fresco e delicato. Just “Prove It”.

Raffaella Sbrescia

Video: Prove it

Wrongonyou si esibirà in tre concerti al South by Southwest festival di Austin, in Texas, dal 12 al 17 marzo, poi in tour in Italia dal 21 marzo a Roma.
TRACKLIST
1. Tree
2. Prove it
3. Rebirth
4. Family of the Year
5. Son of Winter
6. Green River
7. Sweet Marianne
8. The Lake
9. I Don’t Want To Get Down
10. Shoulders
11. Killer

The Martinez Brothers: il tour mondiale fa tappa al Fabrique di Milano

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Non solo neve a Milano. La scorsa notte la consolle del Fabrique ha vibrato con il sound dei The Martinez Brothers, in Italia per l’unico appuntamento tricolore del tour mondiale in corso. Forti del grande seguito della loro label Cuttin’ Headz, l’etichetta nata nel 2014 dopo anni trascorsi seguendo le orme del padre, assiduo frequentatore di locali di culto quali il Paradise Garage, i due hanno chiamato a raccolta gli appassionati del genere da tutta la Lombardia. Lo stile dei fratelli Martinez riassume l’anima underground di New York senza perdersi le sfumature di un ambiente quanto mai contaminato da decine di culture diverse. Il richiamo della techno più dura trascina il subconscio in aree remote della percezione del suono. Richiami orientali e arabeggianti hanno riempito le intercapedini creando una sinergia sonora vorticosa. Dopo aver composto musiche insieme a Nile Rodgers e colonne sonore per le sfilate di Givenchy, i Martinez sono tornani a Milano insieme a Argy, produttore più vicino alla dance world e Sita Abellán, la technoprincess scoperta sui social, per rinvigorire l’attitudine di approccio alla vita notturna tipica dei sobborghi urbani degli anni ’90. Non solo il DC10 di Ibiza e l’Output di New York, Chris e Stevie Jr Martinez sono approdati nella Milano by night per lanciare un messaggio preciso e diretto: la metropoli meneghina assurge allo status di punto di riferimento per clubbers senza frontiere.

Raffaella Sbrescia

Video: The Martinez Brothers @ Fabrique – Milano

Video: The Martinez Brothers in consolle – Fabrique

 

Bianco: incontri, storie, generi, persone in libertà dentro il suo nuovo album “Quattro”

bianco - quattro

bianco – quattro

Un disco fatto di posti, di incontri, di suoni. Profuma di vita, di esperienza, di maturità il nuovo album di Bianco, intitolato “Quattro” e pubblicato per Inri lo scorso 19 gennaio. Scritto in solitudine nell’isola di Ortigia, questo lavoro mette in risalto un’ambientazione quasi onirica, molto vicina agli anni ’70, in cui Alberto Bianco mette in gioco tutto il suo background da musicista e cantautore. Seguendo la sua cifra stilistica delicata e mai sparata in faccia all’ascoltare, Bianco si prende la libertà di giocare con i generi rivolgendosi ad interlocutori specifici quasi senza rendersene conto. Il nucleo emotivo del disco, dicevamo, sono i rapporti interpersonali. Più nello specifico, si parla di amicizia ad ampio raggio.

Queste canzoni sono lettere aperte in cui si raccontano persone, storie, visioni di fasi di vita passata, presente, futura. Foto di altri che finiscono per riflettere irrimediabilmente l’anima stessa di Bianco, un artista placido ma concreto. Un macina chilometri, un fruitore della musica in grado di riassemblarla con cura, garbo e dedizione. Le 11 tracce che compongono il disco sono simili a delle brevi favole ma il vero romanzo è racchiuso nel brano che chiude la tracklist, intitolato “Organo amante”. Un viaggio nel viaggio, una decina di minuti per capire fino in fondo chi è Bianco, come e con chi lavora.

Raffaella Sbrescia

Video: 30-40-50

Per chi vuole avere un’idea reale di quello di cui stiamo parlando ecco le date del tour in cui Bianco si esibirà insieme a Filippo Cornaglia, Damir Nefat e Matteo Giai.

LIVE
15.02.18 Locomotiv – Bologna prevendite
17.02.18 Soul Kitchen – Sulmona
23.02.18 Smav – Santa Maria a Vico – Caserta
24.02.18 Monk – Roma prevendite
28.02.18 Salumeria della Musica – Milano prevendite
03.03.18 Capanno Black out – Prato prevendite
09.03.18 Hiroshima Mon Amour -Torino prevendite
10.03.2018 Latteria Molloy – Brescia – Ronzinante Festival

TRACKLIST
01. 30 40 50
02. Felice
03. In un attimo
04. Fiat
05. La persona innamorata
06. Ultimo chilometro
07. Punk Rock con le ali
08. Tutti gli uomini
09. Padre
10. Filastrocca sui tetti di Ortigia
11. Organo amante

Siberia: il nuovo album “Si vuole scappare” fotografa e rivela la viltà di gente a cui manca il fiato per osare

Siberia - Si vuole scappare

Siberia – Si vuole scappare

Con “Si vuole scappare” i Siberia, band livornese, inaugurano un nuovo felice capitolo della loro giovane vita artistica. Prodotto da Federico Nardelli per Maciste Dischi, questo album prende vita da una lucida fotografia della contemporaneità. Con la frase “si vuole scappare” i Siberia sigillano per iscritto l’ideologia che accompagna e scandisce il nostro presente. Un disco spudorato, senza filtri e con un lessico semplice coniuga il dark pop, la new wave e il sintetizzatore ad un buon cantautorato (ispirato a Interpol ed Editors da una parte, Baustelle, Giovanni Lindo Ferretti dall’altra) che intende dar voce ad una stanchezza di fondo, alla sospensione esistenziale di cui non riusciamo a liberarci.

Come si fa a mettere nero su bianco la nostra voglia di evadere, di rifuggire le complicazioni, la nostra arte di vivere delle piccole cose? Il mosaico di note e parole messo insieme dai Siberia è credibile e fruibile nei termini in cui riesce ad esserlo un pop consapevole. “Eccomi misurando a passi lenti il mio destino”, canta Eugenio Sournia nel brano più emblematico del disco, intitolato “Nuovo pop italiano”. Pesano le nostre feste inutili, i nostri alibi, i nostri cuori tiepidi, le nostre violenze in “Cuore di rovo”. Il monito “Svegliati” è urlato, straziato, emozionato, vero, autentico, spiazzante. Fitto è il testo di “Yamamoto”, ispirato all’incontro folgorante con una ragazza giapponese. Un imprinting che riporta alle pendici della vita.
Si muove per fotogrammi scenici la trama della track british influenced “Strangers in the field of love”. Quant’è profonda la viltà di chi ha smesso di sperare, dicono i Siberia in “Ginevra”, lanciando un bel messaggio in: “Fammi vedere che se il mondo muore, nei tuoi occhi è sempre primavera”. Il nucleo testuale più efficace è quello inserito nel brano “Epica del dolore”: rifuggire la sofferenza non è sempre la strategia più efficace, soffrire significa crescere, capire, metabolizzare, temprarsi e a volte vincere.
In questa sospensione tra impegno e disimpegno, tra sogno e mistificazione della realtà, i Siberia escono dal guscio prendendosi dei rischi che hanno il diritto e dovere di correre. Con questo potenziale espressivo, con la voglia di raccontarsi e raccontare un vasto spaccato sociale, questo nuovo album segnerà un momento importante per la loro avventura artistica.

Raffaella Sbrescia

Video: Nuovo pop italiano

TRACKLIST
01. Nuovo pop italiano
02. Cuore di rovo
03. Yamamoto
04. Strangers in the field of love
05. Ginevra
06. Epica del dolore
07. Chiusi nell’hotel
08. Tramonto per sempre
09. Ritornerà l’estate

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