Motta in concerto all’Alcatraz: quante cose possono cambiare in un anno.

Motta

Motta

“La voglia di non dimenticare e il coraggio di lasciarsi andare” sintetizzano il fulcro della nuova fase artistica di Francesco Motta. A un anno esatto di distanza da quel nervosissimo 31 maggio 2017, Motta torna sul palco dell’Alcatraz di Milano con un nuovo album sulle spalle e tanta esperienza di vita in più. La transizione tra “La fine dei vent’anni” e “Vivere o morire” è stata scandita da una maturazione personale e artistica che trasuda dallo sguardo fiero dell’artista. Ruvido fuori e assolutamente romantico all’interno dei suoi testi, Motta seziona i suoi brani, ne mette solo 17 in scaletta e li arricchisce di vibranti innesti strumentali in un concerto vivo, concreto, suonato, sentito. Il biglietto da visita parla subito chiaro: “Ed è quasi come essere felice”, introdotto da una lunga e psichedelica premessa. L’aspetto di Motta è di quelli che trasmettono inquietudine ma la sua voce e il suo sguardo catalizzano l’attenzione verso parole cercate, studiate, riposte, riprese, scelte, volute, tramandate. Il viaggio di Motta è un andirivieni tra il presente e il passato, è un gioco di tasselli che convergono in una scarica adrenalinica che non può essere arginata. Va ascoltato tutto d’un fiato Motta, Prima o Poi Ci Passerà a Sei Bella Davvero, La Fine Dei Vent’Anni, Abbiamo Vinto Un’Altra Guerra, Roma Stasera, Del Tempo Che Passa La Felicità, La Nostra Ultima Canzone, l’inaspettata “Fango”, testimoninanza degli anni con i Criminal Jokers e quella struggente “Mi parli di te”, che rivela in tutto il suo splendore la sensibilità di un rocker non più maledetto.

 Raffaella Sbrescia

Scaletta:

Ed è quasi come essere felice
La fine dei vent’anni
Quello che siamo diventati
Vivere o morire
Chissà dove sarai
La prima volta
Per amore e basta
Prima o poi ci passerà
Del tempo che passa la felicità
E poi ci pensi un po’
Prenditi quello che vuoi
Roma stasera
Encore:
Se continuiamo a correre
Abbiamo vinto un’altra guerra
Sei bella davvero
La nostra ultima canzone
Fango (Criminal Jokers)
Mi parli di te

J-Ax e Fedez: la coppia di platino riempie San Siro per “La Finale”. Il racconto della serata

Foto-concerto-jax-fedez-prandoni

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Una storia di amicizia in musica. Un connubio di platino quello tra J-AX e Fedez che sigillano il loro successo portando 79500 persone allo stadio San Siro di Milano per “La Finale”. Da un’idea nata con la doppia data a Taormina, un po’ per gioco e un po’ per bulleria goliardica, il concerto ha pian piano preso vita e lo ha fatto senza badare a spese sotto la guida del giovane e intraprendente figlio d’arte Clemente Zard e sotto l’egida del patron di Rtl 102.5 Lorenzo Suraci. Con un palco centrale, aperto alla visione del pubblico a 360 gradi, l’evento si propone tra i più spettacolari del momento. A darsi man forte l’uno con l’altro J-Ax e Fedez ottimizzano sentimentalismo e cinico da business men creando una sorta di corto circuito che funziona e che, bene o male, li ha portati nelle case di tutti gli italiani. Meriti e celebrazioni non sono troppo a fuoco per i due, che quasi inconsapevolmente macinano traguardi da record, ponendo a più riprese l’attenzione su quello che accadrà da domani.

Foto-concerto-jax-fedez-prandoni

Foto-concerto-jax-fedez-prandoni

Quel che è certo è che J-Ax ha intenzione di ritirarsi per un po’ a fare il papà a tempo pieno (anche se ha in serbo la pubblicazione di un best of “Il bello di essere J-AX”), Fedez invece si mantiene sul pezzo, dichiarandosi nel pieno dei lavori per il nuovo album da solista. A chi pensava ad una super collaborazione con Diplo, il sedicente non rapper risponde che sono solo amici d’America ma, conoscendo il soggetto, mai dire mai. Sul palco con i due, tanti amici in veste di ospiti: Levante, Malika Ayane, Noemi, Nina Zilli, Guè Pequeno, Grido, ll Cile, Sergio Sylvestre, Stash e la sorpresa Cris Brave.
Ad aprire lo show la discussa Dark Polo Gang, poi un susseguirsi di sali scendi tra i più grandi successi della discografia di J -Ax e Fedez che hanno scelto di alternare fluidamente momenti singoli e di coppia. L’Italia non perdona il successo, si sa, ma bisogna dare merito a questi due che, venendo dal basso, hanno saputo creare non solo un’alchimia tra loro ma anche una realtà indipendente come Newtopia che, in termini di numeri, rappresenta in maniera tangibile la validità del loro metodo di lavoro.

Video: J-AX e Fedez @ San Siro

Tornando alla festa, due ore e mezza di concerto, il massimo consentito dalle regole vigenti, trasmesso in radiovisione, hanno messo in evidenza le personalità di ciascuno: J-Ax più idealista e hardcore, si è preso la sua rivincita, ha invitato suo fratello Grido sul palco, ha dimostrato che le sue vecchie rime profumano di verità, ha ritrovato l’ambizione sì, ma resta sempre Alessandro Aleotti, il fantozzi di serie A; come si è scherzosamente definito sul palco. Dall’altro lato troviamo Fedez, il più giovane artista ad esibirsi a San Siro. Paranoico, perfezionista, cinico e vanitoso, sceglie di cambiare abito e camicia quasi a ogni canzone, resta spesso a petto nudo ma alla fine si scioglie nel presentare il suo amico Cris Brave, un ragazzo nato con problemi respiratori post-parto che, seppur costretto sulla sedia a rotelle, ha cantato live “La panchina”; un testo carico di significato e di realismo.
Sarà anche solo musica del cazzo ma questo pop-rap fresco, spesso basa le sue rime nazional-popolari su fatti, usi e costumi che appartengono alla nuova attitudine esistenziale degli italiani. Probabilmente da soli non riusciranno a rifare questi stessi numeri ma la sostanza di questi anni trascorsi in coppia, dimostrano che insieme si può fare la differenza.

Raffaella Sbrescia

Valentina De Giovanni fa sua Gabriella Ferri in “Sono Partita di Sera”

“Signora…….non mi sento signora….”

E così Gabriella Ferri comincia a raccontare la sua storia sul palco del Teatro Lo Spazio. Una storia fatta di musica, parole, ricordi e sentimenti. Passioni. Questo è Gabriella Ferri. Passione.

Ragazzina di strada, di una Testaccio che portava in sé le caratteristiche di una romanità che, ai tempi, era peculiare ed individuabile. ”La mia vita è balorda. Balorda come ‘na canzona che nun t’esce…..” In una scenografia semplice, che si sviluppa in fiumi e fiumi di parole che cadono dall’alto al basso: parole, versi, emozioni. In questo percorso poetico, accompagnata dalle note delicate della chitarra di Gabriele Elliott Parrini, Gabriella canta. Canta e Racconta. Canta e racconta subito dell’amore per Vittorio. Il grande amore della sua vita. Bello come un angelo “coll’occhi azzuri”…..come i suoi. Bello e scapestrato, ambulante “co poca voja de lavora’”, e tante canzoni da vendere a cappello, per un pubblico di strada, quello di Testaccio, che di quelle canzoni era il protagonista.

Valentina De Giovanni - Sono Partita di sera ph. G.R.

Valentina De Giovanni – Sono Partita di sera ph. G.R.

Una specie di cantastorie, guitto alla Zamapano’, Vittorio se la portava dietro. E lei, piccola, bionda, innamorata, lo seguiva facendogli il controcanto. Passava col cappello ed era terrorizzata dalla gente. Vittorio, l’angelo biondo, che la riempiva di coccole, di abbracci, baci e carezze “quanno ce stava, quer fijo de…….quanno nun stava in galera”. Vittorio che con lei condivideva il cognome. E una piccola e fragile donna, con la voce di un usignolo, e i modi di una regina. Una donna che lo amo’ al punto da mettersi contro la ricca famiglia, pur di sposarlo. Vittorio. Suo Padre. Una figura che segnerà in maniera indelebile le sue scelte di vita.

Anche con gli uomini.

Valentina De Giovanni - Sono Partita di sera ph. G.R.

Valentina De Giovanni – Sono Partita di sera ph. G.R.

E il racconto, che parte dalle vie de Testaccio, quelle della Toppa che Pasolini scrisse per Lei, e arriva alle luci della ribalta. Alla notorietà, al successo, ai personaggi famosi che l’hanno artisticamente corteggiata, passando attraverso le note delle canzoni che ha cantato. Cucite su di lei come abiti di sartoria, anche quando non scritte per lei. Lei, ragazzina di testaccio, figlia del popolo, questuante a cappello. Già, perché quando diciamo “Grazie alla Vita”, è a lei che pensiamo. E’ a lei che pensiamo quando cerchiamo “Remedios”, e in pochissimi sappiamo che quel “Sinno’ me moro” lo strappo’ alla Rustichelli come una malandrina. E lo ha donato al mondo come un “pezzo unico”. Va avanti per un’oretta e mezza, Gabriella, nel racconto e negli accordi. E quando, alla fine, il pubblico entusiasta, chiede il bis, lei, ancora Gabriella, ringrazia, fa un inchino e se ne va.

Ritrovo Valentina de Giovanni solo in camerino, quando vado a salutarla. Fino a quando non si spengono le luci, è Gabriella. E’ Gabriella perché non la interpreta, la vive. Sicuramente avvantaggiata da una somiglianza fisica impressionante, ma profondamente coinvolta, in ogni gesto, in ogni piccola piccola frase, in ogni nota che le sfiora le labbra. Lo racconterei tutto, lo spettacolo. Ma vi toglierei il gusto. E quindi mi fermo qui. C’è una cosa che quasi tutte le interpreti di canzoni romanesche patiscono. La difficoltà di staccarsi dalle interpretazioni della Ferri. E difficile cantare quello che ha cantato lei, non facendosi condizionare dalle sue flessioni, dai suoi ghigni, dalle sue pause, dalla sua sonorità. La straordinarietà di questo spettacolo sta proprio in questo. Valentina de Giovanni è riuscita nell’impresa. Ci ha ridato Gabriella, così, come se fosse li. Ma in tutto quello che interpreta, non la scimmiotta, la vive. E così le canzoni non sono “cover”. Non sono scimmiottamenti, né riproduzioni forzate. Valentina canta con la sua voce, le sue pause, il suo sentimento.

Valentina De Giovanni - Sono Partita di sera ph. G.R.

Valentina De Giovanni – Sono Partita di sera ph. G.R.

E questa la è magia. Gabriella è lì. Puoi vederla, annusarla, sentirla. Gabriella è lì. Ma dentro c’è l’anima di Valentina.

Grazie a Valentina de Giovanni, a Betta Cianchini per i testi, e a Camilla Piccioni per la sensibile e attenta regia, e per una scenografia che rimarrà per sempre impressa negli occhi, in quello sfumare di luci alternate, dal caldo al freddo dal calore della felicità al freddo della depressione, della confusione, dell’irrequietezza. Uno sfumare che porta all’applauso finale, all’uscita di scena, al mancato bis.  Perché non è uno spettacolo di canzoni. E’ Gabriella che si racconta attraverso Valentina. Uno spettacolo che ho amato, e che spero abbia tutta la fortuna ed il successo che merita.

G.R.

MI AMI Festival 2018: non solo nuovo che avanza. Tre Allegri Ragazzi Morti e Prozac + gran mattatori

Tre Allegri Ragazzi Morti - MI AMI FESTIVAL

Tre Allegri Ragazzi Morti – MI AMI FESTIVAL

Il bilancio della prima serata del MI AMI festival è stato molto positivo ma, nulla di inaspettato, visto il sold out annunciato su carta, diversi giorni prima dell’evento. La vera sorpresa è stata l’affluenza della seconda serata che ha visto cambiare anche l’età media dei presenti all’evento. In scaletta nomi di band e artisti di più lungo corso.
Su tutti i Tre Allegri ragazzi Morti, sul palco Pertini per l’unica data estiva in programma per quest’anno. Non hanno deluso le aspettative nemmeno i Prozac+, protagonisti di una reunion avvenuta dopo diversi anni di vie parallele. Coinvolgente il live di Colapesce, tra i più intensi della serata. Agguerrita Maria Antonietta, il cui nuovo album “Deluderti” deve ancora far strada. Allegri e scanzonati i Selton, sempre più amati dai Nolers di Piazzale Loreto a Milano.
Se non avete mai avuto modo o voglia di partecipare al MI AMI, vi consiglio di fare una puntatina prima o poi, se non altro avrete modo di capire e farvi un’idea più precisa di come si evolva il gusto e l’interazione dei più giovani amanti della musica indipendente in Italia.

Raffaella Sbrescia

MI AMI Festival 2018: il trionfo del popolo indie

Cosmo - MI AMI Festival

Ex Otago – MI AMI Festival

Quattordici anni di musica, 14 anni di storie, di giovani diventati adulti, di giovani che cominciano a scoprire il mondo dei grandi. Un percorso di crescita, di evoluzione e di conferma racchiude l’evoluzione del MI AMI Festival che, anche quest’anno, ha segnato un momento importante per la nuova musica italiana. Record di presenze all’Idroscalo di Segrate. Il Circolo Magnolia addobbato a festa è più suggestivo che mai. Organizzato da Rockit e dall’agenzia creativa Better Days, il MI AMI rappresenta a tutti gli effetti lo specchio dei gusti dei giovani italiani in fatto di musica. L’invito che ha fatto da motto a questa edizione è “Laggiù, tutto è ordine e bellezza, lusso, calma e voluttà”. E allora avanti così, spazio al popolo dell’indie, gli occhi pieni di muri di persone e le orecchie colme di ritornelli che profumano di giovinezza, sentimento e scoperta. Un continuo via vai e andirivieni tra il Palco Pertini e il Palco Havaianas per cercare di perdere poco o nulla del massiccio programma messo su da Carlo Pastore e Stefano Bottura.

Cosmo - MI AMI Festival

Cosmo – MI AMI Festival

Tra le sorprese della prima serata: il boom dei Coma Cose, duo milanese che, hit dopo hit, si sta ritagliando un ruolo sempre più solido e l’arrivo a sorpresa di Calcutta, reduce dalla freschissima pubblicazione del nuovo album “Evergreen”. On stage anche gli Ex-Otago, per l’unica data estiva in programma per quest’anno e l’attesissimo Cosmo, sempre più sulla cresta dell’onda. Non si contano più ormai i sold out seminati dal pop dj di Ivrea. Il successo è dilagante.

Coma Cose - MI AMI Festival

Raffaella Sbrescia

Renzo Rubino porta in scena la sua Rubinoland: a Milano torna la magia

renzo rubino

renzo rubino

Partiamo da un presupposto: decidere deliberatamente di andare al concerto di un cantautore oggi come oggi viene percepito come un fatto demodè. La questione è che non si tratta di stile ma di qualità. Al momento c’è bisogno di ascoltare artisti che la musica la scrivono e la suonano con le proprie mani. Per questa ragione c’è necessità di ascoltare persone come Renzo Rubino. Stavolta ancora di più, non fosse altro per il nuovissimo viaggio che il cantautore ha organizzato per il proprio pubblico, denominandolo Rubinoland. Nella sala di solito dedicata ai Pomeriggi Musicali del Teatro dal Verme di Milano ha avuto luogo un concerto speciale, diverso da qualunque altro, più simile ad una montagna russa che a un dolce calesse. Renzo accoglie il pubblico ancora prima che il concerto abbia inizio, si intrattiene con alcuni fan, spizzica patatine e non nega qualche foto ricordo. Un attimo dopo diventa il mattatore assoluto di un concerto- varietà divertente e commovente al contempo. Testa, pancia e cuore collaborano all’unisono tra attimi di pura ilarità, ironia e profondo intimismo. In scaletta ogni pezzo trova magicamente il proprio posto fuoriuscendo da quel caos creativo che in alcune occasioni ha spinto Renzo a farsi più di qualche domanda sulla sua permanenza in questo mondo di carta che è la musica. Combattere le paure, misurarsi con il gusto del pubblico, capire l’essenza della propria arte, acquisirne consapevolezza per riuscire a convivere con i discografici diventa un fluire liquido di emozioni. Renzo sceglie di far da sè, si muove libero e leggiadro tra canzoni sue e dei suoi amati maestri, su tutti Lucio Dalla. Abbatte muri e barriere tra sè e il proprio pubblico, trasforma i suoi musicisti in spassosi compagni di giochi, spazia tra musica impegnata e toni scanzonati. Si muove disinvolto tra racconti personali sia legati alla vita privata che a quella artistica e quando non lo fa attraverso i monologhi, continua comunque attraverso le canzoni. Il segno della croce, Giungla, Custodire, Ridere, Lulù, Pop, Paghi al kg, Ora, Per sempre e poi basta, Il postino vivono una nuova vita con arrangiamenti particolari, completamente rinnovati, pensati in ottica di incanto audio-visivo. Renzo Rubino non ha più nulla da dimostrare a se stesso, deve semplicemente continuare a fare del proprio meglio esattamente come adesso. Noi cultori della qualità gli saremo sempre grati.

Raffaella Sbrescia

Boosta presenta Davide Dileo al Piano City Milano

Ricchezza, varietà, scoperta, aggregazione. Il Piano City Milano rinnova ogni anno la sua promessa di bellezza e ogni volta riesce ad alzare sempre di una tacca l’asticella di un programma pensato per rispettare e spesso superare le aspettative.
Tantissimi concerti sono tutt’oggi in corso per le vie di Milano e dintorni, per il programma basta fare una veloce puntatina qui: https://www.pianocitymilano.it/programma

Boosta @ Piano City Milano

Boosta @ Piano City Milano

Tra i tanti eventi, ho scelto di andare al Volvo Studio Milano per seguire la micro suite proposta da Davide Dileo, meglio noto come Boosta, membro cardine dei Subsonica. Solo nel 2016 usciva “La stanza intelligente”, primo album solista del poliedrico musicista, a due anni di distanza e, a ridosso del nuovissimo progetto discografico dello storico gruppo torinese, Davide sceglie di mostrarsi in una veste intima e per tanti versi diversa da quella che abbiamo imparato a conoscere in questi 20 anni. In 60 minuti di tempo Boosta ha cercato di coniugare e convergere in un unico flusso musicale le sue influenze, il suo metodo compositivo, la sua attitudine sperimentale. Echi di Olafur Arnalds e Radiohead, atmosfere rarefatte, e-bow tra le corde del piano, distorsioni, riverberi e modulatori si sono alternati tra melodie, ora dolci e suadenti, ora ritmate e conturbanti. La propensione naturale di Davide Dileo dirige le sue dita verso una dimensione oscura, intrisa di mistero. L’epitelio delle melodie proposte è ricco di substrati, figli di infinite letture, infiniti viaggi tra le nuvole, centinaia di dj set e concerti. Di tutte le vesti che ci ha mostrato, questa è di gran lunga la migliore. Il privilegio di assistere ad una perfomance one shot sta nel poter fotografare l’anima più intima di un artista e goderne.

Raffaella Sbrescia

Qui il finale del concerto:

Cosmotronic tour: una cascata di sold out per Cosmo. Se non c’eri, organizzati per recuperare!

Cosmo live - Fabrique Milano

Cosmo live – Fabrique Milano

Il pop è fake, essere popolare non lo è. Cosmo rivisita un linguaggio musicale edulcorato per raggiungere il fulcro di ciò che solitamente ricerchiamo: il divertimento. Il suo Cosmotronic tour, figlio diretto di un album che ha segnato uno spartiacque importante in termini di distinzioni di genere, commistiona l’idea di testualità privata alla musica elettronica. La ricerca di Cosmo è agli inizi ma il risultato mostra capacità creative avanzate. Lo dimostrano i sold out che Marco Jacopo Bianchi sta mietendo in giro per l’Italia e per l’Europa. Non ultimo quello al Fabrique di Milano, lo scorso 12 aprile. Cosmo è un fenomeno, resistergli è impossibile. Il motivo risiede nella sua completa rilassatezza, la disinvoltura con cui ama osare e travolgere il pubblico. I suoi show sono dei minifestival, ogni data rappresenta l’occasione per scoprire nuovi volti della musica elettronica made in Italy e non solo. Fiore all’occhiello dell’operazione sono gli esponenti del collettivo, ormai etichetta discografica IVREA TRONIC. Sintetizzatori, campionatori, tastiere si susseguono tra raggi laser con l’obiettivo di farci saltare, ballare, sudare e lasciarci andare. Un concerto di Cosmo è quell’appuntamento a cui vai per far festa, sennò è davvero inutile andarci. Techno, abstract-house, post-dubstep e dreambeat incrociano il cantautorato senza mai scavallare i 4/4.

Accompagnato dai batteristi Roberto Grosso Sategna e Mattia Boscolo, Cosmo ha messo in piedi un potente viaggio sonoro e percettivo. La scaletta prende ovviamente vita da COSMOTRONIC, l’ultimo doppio album di inediti pubblicato lo scorso 12 gennaio per 42 Records/Believe. Il concerto inizia con “Bentornato”: “Vorrei cantare bene al primo colpo, vorrei scrivere una canzone in un minuto, fare tutto in un unico concerto”, canta Cosmo. A seguire “Le voci”, tratto dal precedente album “L’ultima festa”. I ritmi s’infiammano con “Tutto bene”, “Quando ho incontrato te”, “Tristan Zarra” e “Ho vinto”. La seconda parte dello show prevede ampio spazio per i brani strumentali “Ivrea/Bangkok”, “Barbara”, “Attraverso lo specchio”, “La notte farà il resto”, “Le cose più rare”, “Tu non sei tu”. Il finale è di quelli tiratissimi e tutti da cantare con “Sei la mia città”, “L’amore”, “Animali”, “Turbo” e la conclusiva “L’ultima festa” con tanto di doppio stage diving da brivido. Il popolo di Cosmo sentitamente ringrazia, a presto rivederci nei migliori festival dell’estate che verrà.

Raffaella Sbrescia

Video: Cosmo live – Fabrique Milano

L’Impero crollerà: Milano canta Roma con Mannarino che sfida e supera se stesso

Mannarino live Milano ph Francesco Prandoni

Mannarino live Milano ph Francesco Prandoni

“L’impero crollerà” è il titolo del nuovo tour di Alessandro Mannarino. Reduce dai suoi viaggi reali e visionari, il cantautore romano ha riempito il Teatro degli Arcimboldi di Milano con un doppio concerto ricco sotto tanti punti di vista (Vivo concerti). “Questo concerto è dedicato a chiunque in questo momento stia viaggiando: verso un futuro migliore, verso terre nuove, verso una nuova dimensione interiore. Questo mio live parte dal concetto di movimento ed è questo che io e la mia band vi auguriamo: un grande movimento”. Questo è l’augurio che Mannarino fa a se stesso e al pubblico e lo fa in un momento di particolare forma artistica e umana. “Neanche nei miei sogni avrei mai immaginato o creduto di arrivare a questo punto. Ho attraversato momenti difficili ma ho avuto il coraggio di cambiare, la fortuna di poter lavorare con le persone giuste. Poi ho cambiato la faccia e oggi sono un po’ come Rocky che ricomincia a star bene dopo aver preso tante botte”.

E sta bene Alessandro, fidatevi. Il suo nuovo concerto è un’esperienza completa e appagante. Le canzoni del suo repertorio, per quanto già dotate di luce propria, sono state impreziosite da nuovi arrangiamenti curati e pensati per creare un’atmosfera cosmopolita.
Le suggestioni sono subito potenti in apertura: Mannarino sceglie tonalità scure, basse, intrise di pathos interpretativo. La texture sonora è finemente cesellata su misura di ciascun brano in scaletta, la voce dell’unica donna sul palco Lavinia Mancusi è una garanzia di trasversalità e potenza evocativa. Com’è noto Mannarino ha sviluppato un’ampia conoscenza delle percussioni latine e brasiliane in particolare. Il risultato è un crogiuolo di parole, di store, di emozioni. Mannarino si sa, predilige le storie degli ultimi, porta agli estremi i suoi racconti metaforici e non perde mai occasione per lanciare spunti di riflessione. L’uso che fa dell’ironia è a tratti tagliente, a tratti commovente. C’è spazio per le lacrime, per i sorrisi, per il disincanto e per la pura gioia di vivere. Il suo è un concerto lento, Alessandro e la sua band si prendono il tempo per gustarsi ogni attimo di un viaggio libero e senza una meta precisa. Gli inserti jazz con ampio spazio al pianoforte e al sax, regalano una veste ulteriormente ricercata a brani già molto strutturati nella loro veste originale. “Babalù” diventa un canto mistico africano, le ingiustizie urlate in “Deija” diventano uno squarcio nella notte, l’inquietudine conturbante di “Al Monte” diventa conquista guardando quell’unica grande bandiera nera sventolante sullo sfondo di un palco volutamente privo di scenografia.

“Siamo figli del positivismo, del logos occidentale, siamo diventati razionali e ci siamo persi il sogno. Questo è quello che cerco di ritrovare quando sono sul palco, quando suono, quando sono in giro. Questo è cerco di fare anche qui insieme a voi, se vorrete farlo insieme a me, ne sarò molto felice” – dice Mannarino al pubblico sempre più social addicted.
“Di questo tour sapevo solo il titolo “L’impero crollerà”. Il senso l’ho capito solo dopo. Mi sono reso conto del fatto che l’impero più grosso che dovevo far crollare era quello che mi portavo dentro. Dopo il primo album , si tende a pensare di aver raggiunto una certa cifra stilistca , che quella sia la direzione giusta. Invece è anche giusto cambiare. Io stesso ho cercato di farlo con un gesto forse banale ma per me importante: ho finalmente tolto il mio cappello nero. Il più grande gesto d’amore è mettersi in crisi e cercare di cambiare, mostrandosi per quello che si è davvero, solo così gli altri saranno liberi di scegliere se stare insieme a noi oppure no”.

Alla luce di quanto sopra, cinque minuti di standing ovation e scrosci di applausi sono anche pochi per due ore e un quarto di concerto. Se non conoscete Mannarino, potrei stare qui per ore a raccontarvi e a convincervi della sua bravura. Quello che farò, invece, è invitarvi ad andare subito a cercarvi qualcosa di suo e a chiudere gli occhi. Sarò curiosa di sapere dove sarete catapultati.

Raffaella Sbrescia

Toquinho inaugura il wall of fame del Blue Note Milano e ripristina il Blue Note Award

Blue Note - Wall of Fame

Blue Note – Wall of Fame

Tutto inizia dalla chitarra. Il fulcro e lo strumento attraverso il quale Toquinho, chitarrista e cantante brasiliano, ha dedicato cinquant’anni della propria vita allo sviluppo di una carriera incentrata sul concetto di interazione e collaborazione. Una formazione musicale che farebbe impressione a chiunque: Noqueira, Gianullo Leo Peracchi gli hanno dato le basi per essere un eccellente strumentista, Joào Gilberto, Chico Buarque o Tom Jobim i maestri che hanno dato il là all’idea di musica senza frontiere. Alla luce di quanto sopra, il Blue Note Milano ha voluto ultimare i festeggiamenti per il quindicesimo anniversario di attività scegliendo proprio Toquinho per l’inaugurazione del “Wall of Fame”: un muro che, seguendo il proposito holliwoodiano, lascerà uno spazio perpetuo dedicato ai più grandi musicisti che saliranno sul suo palco.

Toquinho Live @ Blue Note Milano

Toquinho Live @ Blue Note Milano

Il caso di Toquinho è stato peculiare perchè, per lui si è trattato dell’esordio sul palco del Blue Note, avvenuto nel bel mezzo del tour che celebra i suoi cinquant’anni di carriera. Il suo doppio concerto sold out ha rappresentato l’occasione per incontrare e conoscere da vicino un artista che a 71 anni suonati, lascia trasparire energia e desiderio di condivisione. Amore e passione per lo strumento, gratitudine per i suoi maestri, sincero affetto per i suoi amici. Sul palco con lui anche Ornella Vanoni, sua stimata amica e collega con cui nel 1976 pubblicò ‘La voglia la pazzia l’incoscienza l’allegria’. Titolo, questo, che sintetizza un po’ tutto il modo d’intendere la musica da parte di un uomo che non ha mai smesso di tenere concerti in tutto il mondo, mosso dall’autentica passione per la sua musica carioca. A completare una serata speciale, il ripristino del Blue Note Award, il riconoscimento alla carriera è stato consegna a Toquinho dal direttore artistico Nick the Nightfy con l’intento di rendere omaggio a una scuola di composizione e di pensiero lontana anni luce da quella attuale, lontana da logiche di successo ma tanto tanto vicina al cuore.

Raffaella Sbrescia

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