I Kasabian sono pronti a tornare in pista con un nuovo album ispirato al classic rock. “For Crying Out Loud” è il titolo del disco in uscita il 5 maggio, preceduto dal singolo che ha fatto da apripista “You’re In Love With A Psycho”. Il sesto album della band composta da Sergio Pizzorno (voce e chitarra), Tom Meighan (voce), Chris Edwards (basso), Ian Matthews (batteria) and Tim Carter (chitarre) è stato scritto e prodotto da Pizzorno (cantante e chitarrista del gruppo) e registrato al Sergery, il suo studio a Leicester, nel giro di sei settimane. Descritto come un disco istintivo, felice e particolarmente ispirato, “For Crying Out Loud!” è figlio di una mentalità creativa old school ma tiene conto del ricambio generazionale e delle evoluzioni linguistiche che ormai hanno acquisito la quasi totalità dell’ utilizzo corrente. In attesa di ascoltarli in Italia il 19 luglio al Teatro Antico di Taormina, il 21 luglio al PostePay Sound Rock’in Roma Ippodromo delle Capannelle (Roma), il 22 luglio, all’Anfiteatro Camerini, Piazzola sul Brenta (Pd) e il 23 luglio al Lucca Summer Festival Piazza Napoleone (Lucca), abbiamo incontrato i Kasabian negli uffici della Sony Music a Milano. Ecco cosa ci hanno raccontato.
Intervista
Bentrovati ragazzi, qual è lo spirito che attraversa questo vostro nuovo lavoro?
L’intento era quello di mettere a punto un album in grado di trasmettere benessere. In questo disco speranza e felicità la fanno da padrone. La struttura delle canzoni è quella classica tuttavia ci siamo divertiti a fondere tra loro stili e generi diversi.
In effetti si nota un certo lavorìo. Come è andata nel dettaglio?
Ci siamo ispirati al rock, quello classico degli anni ’70, ma abbiamo scelto di reinterpretarlo alla nostra maniera. Ci siamo riavvicinati alle radici prediligendo l’uso delle chitarre e mantenendo l’uso dell’elettronica che c’è sempre stata nei nostri lavori.
Da dove nasce il singolo “You’re in Love with a Psycho”?
Questa è una canzone in cui tutti possono rispecchiarsi, un brano in cui amore e follia convivono nello stesso momento.
Come mai avete deciso di incidere un disco in controtendenza rispetto ai tempi che corrono?
La nostra musica intende portare gioia a chi l’ascolta. Nel nostro lavoro precedente ci siamo abbondantemente dedicati alle tematiche relative all’attualità e, dato che questi contenuti ricorrono nei lavori di tanti altri artisti, stavolta ci siamo concentrati nel fare del sano rock’n’roll.
Come è avvenuta la scelta del titolo “For Crying Out Loud”?
Il titolo riprende l’espressione “For Fuck Safe”. Questa è musica che viene dal cuore, che fa urlare ma anche piangere e ridere.
Chi c’è in copertina?
Si tratta di uno dei tecnici che ci seguono quando siamo in tour!
Uno dei brani con la personalità più spiccata è “Are You Looking For Action”…
Ogni disco classico che si rispetti ha bisogno di momenti in cui si rielabora un po’ tutto il discorso. Questo brano è uno di quei momenti. Siamo partiti con un brano di tre minuti ed è diventato di otto; un bellissimo risultato per noi.
Quali ascolti confluiscono in questo disco?
Tra gli altri citiamo Ramones, Blondie, Sex Pistols, The Stooges.
Cosa è accaduto durante le sei settimane di gestazione di questo album?
Ci siamo affidati all’istinto senza fare nessun ragionamento particolare. “Bless this Acid House” e “Ill Ray (the King)” sono i pezzi “killer” che abbiamo aggiunto alla fine.
Video: You’re in Love With a Psycho
A proposito chi è III Ray?
Il padre di Sergio è solito chiamarlo “King”, il titolo del brano s’ispira ad un’opera italiana.
Da dove salta fuori tutta questa dirompente ironia?
Ce l’abbiamo sempre avuta, forse ora è più evidente.
Nei testi si evince la voglia di stare al passo dei tempi con un relativo adeguamento del vostro linguaggio, è così?
Il tipo di linguaggio che usiamo traspare sin dalla copertina, quello che cerchiamo di fare è proprio quello di tenere conto dei cambiamenti del linguaggio nelle nuove generazioni.
Cosa pensate del fatto che siete una delle ultime rock band rimaste indenni nel 2017?
Una ballad come “Goodbye Kiss” ci ha resi famosi ma questo è il nostro bello: siamo imprevedibili. Il passaggio allo streaming ha condizionato irrimediabilmente l’ascolto della musica ma anche il modo di pensare agli album. Noi non siamo fissati col passato, consideriamo il disco come un’opera d’arte da prendere nel suo insieme ma non pensiamo ai singoli. Di solito la musica contemporanea prende vita nel corso di estenuanti riunioni in cui si riuniscono 12 autori che pensano ai prodotti da studio. Noi invece facciamo musica con il cuore, questo è un disco vero e sentito ed è questo che lo renderà potente facendo la differenza.
Esce oggi “Nel caos di stanze stupefacenti” (Carosello Records) il nuovo album di inediti scritti e interpretati da Levante, la cantautrice siciliana che con il suo stile unico è riuscita a ritagliarsi un ruolo di primo piano all’interno dello scenario pop nazionale. “Nel caos di stanze stupefacenti” segna il suo ritorno discografico, a distanza di due anni da “Abbi cura di te”. Un disco interamente scritto da Levante che ha avuto un ruolo attivo nella realizzazione di ogni dettaglio di questo progetto. Attraverso dodici canzoni che raccontano di tanti stati emotivi diversi, l’artista ha scelto di raccontarsi in un album energico, ironico, libero ed emozionante.
Intervista
Bentrovata Levante, cosa dobbiamo aspettarci da “Nel caos di stanze stupefacenti”?
In questo disco ci sono 12 storie racchiuse in 12 stanze rumorose. Il caos di cui racconto nasce da un profondo silenzio in cui mi sono ritrovata nell’ultimo anno. Un silenzio che mi ha dato modo di raccontarmi, un silenzio che ha fatto davvero molto rumore. Anche nella scelta del titolo ho voluto giocare con i contrasti. Quando scrivo mi metto a nudo, racconto della mia vita senza tralasciare anche cose scomode. Scrivo canzoni perché non voglio parlare, a volte mi sento una “pesantona”, sono molto legata ai giochi di parole. Entrare nelle stanze, ad esempio, implica l’allontanarsi da tutto il resto.
Come mai hai scelto questo tipo di copertina
La cover del disco è strettamente correlata a quella dei miei due precedenti dischi. In “Manuale distruzione” indossavo l’abito da sposa di mia madre, ero appoggiata ad un muro scrostato, quello della casa in cui vivevo con i miei genitori e in cui è mancato mio padre. Sulla copertina di “Abbi cura di te”, invece pugnalavo un cervello salvando il cuore e i sentimenti. In entrambe i casi ero stata immortalata in una posa molto composta, qui invece, la persona composta cade sullo specchio, sul suo doppio, sulle sue riflessioni. In molti l’hanno critica ma non avrei potuto indossare nient’altro che le mie mutande e la mia canottiera perché mi sono messa davvero a nudo.
Quali sono i caratteri dell’impianto musicale di questo disco?
Questo è sicuramente un album più rumoroso degli altri due, il concetto di base è che avevo bisogno di fare rumore. La batteria è la protagonista insieme ai timpani, ho voluto che si esagerasse con la ritmica e con l’elettronica.
Che apporto ti hanno dato Antonio Filippelli e Dario Faini?
Quando ho portato i brani a Filippelli e a Dario, ho portato i miei riferimenti, i miei spunti, le mie idee. Quindi hanno scelto le tracce e messo ordine. Ogni brano si ispira a un mondo diverso e ha visto la partecipazione della mia band composta da: Alessio Sanfilippo (batteria), Giovanni “Giuvazza” Maggiore (chitarre), Mattia Bonifacino (basso) e Alessandro Orefice (piano, organo, synth, rhodes). Il lavoro in studio è stato pazzesco, per la prima volta ho davvero partecipato a ogni dettaglio, questo risultato mi gratifica molto. “Nel caos di stanze stupefacenti” è disco del 2017 e lo si percepisce subito.
Come hai vissuto la collaborazione con J-Ax e Fedez in “Assenzio?
L’incontro con loro due mi ha stupito. Arrivo da un percorso musicale diverso dal loro, prima che mi arrivasse la chiamata, J –Ax mi aveva già detto in tempi non sospetti che avrebbe voluto fare qualcosa con me. In questo caso ho potuto scegliere la canzone, ho scelto “Assenzio” perché ero in linea con il messaggio contenuto nel testo. A questo aggiungo che sono entrambe delle persone molto carine che mi hanno dato la possibilità di parlare ad un pubblico molto più ampio.
Cosa ci dici del brano “Pezzo di me” con Max Gazzè?
Max Gazzè è il mio padrino, con lui c’è un bellissimo rapporto, a tratti paterno. Ho aperto molti dei suoi concerti del Sotto Casa tour nel 2013. Quando ho scritto questa canzone ho pensato subito a lui per un possibile featuring, ci siamo divertiti molto, il brano era perfetto per lui.
Come mai non ti abbiamo vista a Sanremo quest’anno?
Ambisco al Festival anche se la porta non si è ancora aperta per me. Sono cresciuta con i Sanremo di Pippo Baudo, non escludo di provarci il prossimo anno anche se, nel caso partecipassi, lo vivrei in modo leggero, non sono brava a gareggiare.
Cosa racconti nel brano “Gesù Cristo sono io”?
Poche volte mi sono guardata attorno, scrivo spesso delle mie tristezze, dei miei dolori. Qui senza grandi pretese ho voluto raccontare la storia di chi vive violenze da parte dei propri compagni prendendo spunto da fatti biblici. La protagonista è una donna che crede di essere una regina ma sulla testa ha soltanto delle spine. Si tratta di un testo molto chiaro, con ampi riferimenti all’attualità.
Qual è il fulcro del brano “Santa Rosalia”?
Il brano cerca di spiegare l’omosessualità ai bambini. Mi piace l’idea di affrontare l’argomento in modo molto semplice e l’ho fatto.
Video: Non me ne frega niente
Cosa pensi dei talent show?
Nel 2010 fui contattata da X Factor ma ho scelto di dormire per due mesi sul pavimento di un appartamento a Leeds. Non giudico chi partecipa ai talent, si tratta pur sempre di strade rischiose. Con il mio percorso, la strada è lunga e faticosa e tante cose tardano ad arrivare ma è anche vero che ci vuole coraggio anche a fare la tv. Il rischio è quello di essere subito dimenticati, a molti è capitato. Diciamo che se sei pronto con dei materiali ed una progettualità allora la scelta può essere vincente, in caso contrario appena spenti i riflettori potresti ritrovarti con un nulla di fatto in mano.
Come descriveresti il tuo linguaggio?
Non saprei esprimermi in altro modo, la mia scrittura è spigolosa. Amo dipingere le parole, ho bisogno di raccontare e mostrare al contempo un immagine. Adoro la lingua italiana, amo la scrittura. Mi piace poter raccontare un amore come hanno fatto in milioni di persone, però lo faccio a modo mio, attraverso i miei filtri e il mio modo di vedere il mondo. So di essere un po’ maschiaccio, forse è questo che mi distingue dal cantautorato femminile eppure esiste un mondo di donne che non riesce a farsi spazio in classifica e che sa parlare in modo più concreto e meno vaporoso.
Come si combatte la superficialità all’ascolto?
La colpa è la velocità con cui si fa e si ascolta musica. Io stessa ho fatto tre dischi in tre anni. Tutto sta correndo e chissà dove si va. I miei primi dischi li consumavo, oggi non saprei come si potrebbe invertire la rotta. Al momento i dischi si fanno per il live, di certo non per le vendite.
Questo tema del caos lo ritroviamo anche nel tuo romanzo. Che legame c’è tra il libro e questo album?
Il libro e l’album sono strettamente connessi perché ho cominciato a scriverli esattamente nello stesso momento. Il mio mondo musicale è entrato inevitabilmente nel romanzo un po’ come accade tra due persone che si frequentano. Anche il personaggio del libro mi somiglia molto.
Levante presenta Nel Caos di Stanze Stupefacenti
A chi dedichi questo disco?
A chi è caduto e ha avuto il coraggio di rialzarsi. Lo dedico a tutti loro ma alla fine lo dedico a me, c’è tantissimo ego in questo disco, quindi lo dedico al coraggio che ho avuto di rialzarmi con una certa facilità e con il sorriso sulle labbra.
E il live come sarà?
Prepotente ed esplosivo. Vorrei che fosse non solo un buon concerto ma anche un bello show, i preparativi sono in corso!
Raffaella Sbrescia
Ascolta qui l’album
In-store tour
07 APRILE – h 18.30 MILANO @ FELTRINELLI (Piazza Piemonte) UNICO SHOWCASE LIVE
08 APRILE – h 17.00 TORINO @ FELTRINELLI (Stazione Porta Nuova)
09 APRILE – h 17.00 NAPOLI @ MONDADORI BOOKSTORE (Piazza Vanvitelli)
10 APRILE – h 15.00 BARI @ FELTRINELLI (via Melo)
10 APRILE – h 18.30 LECCE @ FELTRINELLI (via Templari)
11 APRILE – h 14.00 CATANIA @ FELTRINELLI
11 APRILE – h 18.30 PALERMO @ MONDADORI MEGASTORE
12 APRILE – h 18.00 ROMA @ DISCOTECA LAZIALE
13 APRILE – h 18.00 BOLOGNA @ FELTRINELLI (piazza Ravegnana)
A maggio Levante sarà live con la sua nuova tournée “Nel caos tour 2017” organizzata da OTRlive. Si parte il 4 maggio dall’Atlantico di Roma e si prosegue il 5 maggio a Perugia all’Afterlife Live Club, il 6 all’Estragon Club di Bologna, il 12 al New Age Club di Roncade (TV), il 13 maggio al Teatro della Concordia di Venaria Reale (TO) e si concluderà il 16 maggio all’Alcatraz di Milano (NUOVA DATA). Prevendite disponibili su Ticketone: http://bit.ly/nelcaosLEVANTE
“StraMarassi” è un’evoluzione di Marassi, un po’ come mettere il 70 o la Malossi sul cinquantino. Stramarassi è Marassi più ricco e vario”. Così i genovesi Ex-Otago presentano la nuova versione deluxe del fortunato album “Marassi”. Nato dopo la prima collaborazione con Jake La Furia per il singolo “Gli Occhi della Luna”, il progetto continua a compiere passi in avanti. Sarà, infatti, in radio dal 7 Aprile il nuovo singolo “Ci vuole molto coraggio” feat. Caparezza, uno dei tanti featuring che arricchiscono “Stramarassi”.
Intervista
“Stramarassi” si presenta come qualcosa che è tutt’altro che un repack del vostro ultimo progetto. Nuovi linguaggi integrano e modificano i contenuti del l’album originario. Da dove arriva questa idea?
In effetti è proprio così, le collaborazioni presenti nel disco sono tutte autentiche e questo si percepisce. Proprio per questo motivo, il progetto ha un peso specifico molto importante rispetto al disco originario.
Qual è stato l’apporto nell’uso di diversi linguaggi? L’avvicinamento al rap apre nuovi spiragli nella vostra scrittura?
I linguaggi pop e rap non sono poi così distanti anzi sono spesso molto complementari, forse è una cosa un po’ italiana pensarli come distanti, in America ci sono continuamente interazioni tra artisti pop e rap. L’idea che accomuna il nostro “Marassi” al linguaggio del rap è la voglia di voler raccontare la contemporaneità attraverso un’urgenza espressiva.
Come è venuta fuori una rosa di collaborazioni tanto variegata?
Jake La Furia ci ha offerto il pretesto giusto per iniziare questa cosa. Fu lui a contattarci dicendoci che gli piaceva molto “Marassi” e che avrebbe voluto fare qualcosa con noi. Dopo il featuring in “Occhi della luna” abbiamo gettato sul tavolo un mazzo di carte con i possibili artisti con cui avremmo voluto collaborare e che stimiamo; tutto è avvenuto in modo molto naturale.
Poi ci sono i remix… ci sarà la possibilità che vengano riproposti anche dal vivo?
Sì, lavoreremo affinchè gli artisti possano intervenire nei nostri live. Per quanto riguarda i remix, abbiamo avuto un sacco di buone sensazioni, ne suoneremo qualcuno a palla per tutta l’estate.
Ex – Otago
Il tour sta andando benissimo, qual è stata la risposta del pubblico finora?
Abbiamo lavorato duro per arrivare fino a questo punto, il successo di questo tour è stata una piacevolissima conferma per noi, il pubblico vive il concerto con partecipazione assoluta e noi amiamo cibarci dell’inesauribile energia delle prime file.
Come si svolte una vostra giornata tipo mentre siete in tour?
Ci si sveglia tendenzialmente annebbiati e con un filo di mal di testa, si va a fare colazione con scarso entusiasmo, ci si ringalluzzisce se la coazione è buona e si guardano gli hashtag sui social per guardare foto, video e commenti relativi al live della sera precedente. Successivamente si fa l’itinerario della giornata, si cerca una buona trattoria a pranzo (cercando di evitare gli autogrill), poi si parte e si viaggia in furgone, si arriva nel posto, si fa il soundcheck (un momento sempre molto emozionante) e abbiamo sempre un pallone in furgone con cui improvvisiamo dei palleggi nei parcheggi dei locali. Tendenzialmente ce la viviamo sempre come se fossimo 7-8 amici che vanno a farsi un bel giro senza mai trascurare tutti gli aspetti professionali del caso.
E in studio?
Lì c’è bisogno di tempo e concentrazione. Bisogna stare lì a suonare, riascoltare, criticarsi, avere la lucidità, il coraggio e la bravura di capire cosa è venuto bene e cosa invece no. Quando abbiamo scritto l’ultimo disco eravamo in una casetta a Marassi, andavamo lì ogni mattina, qualcuno portava la focaccia e il caffè ed eravamo lì tutti insieme a lavorare.
In questi ultimi periodi avete avuto il tempo di mettere da parte qualche bozza per dei nuovi brani?
Finora no però siamo pronti a scrivere qualcosa di nuovo perché ne abbiamo voglia e perché qualche idea comincia a bollire in pentola. Probabilmente scriveremo in furgone, in qualche albergo o nei backstage di qualche Festival estivo dove andremo a suonare.
Quali sono le cose a cui pensare più spesso? Ci stupiamo sempre di tutto questo successo che stiamo avendo, ci domandiamo sempre cosa succederà dopo, come andrà il prossimo disco e se avremo le spalle abbastanza larghe; insomma i contrasti non mancano!
Raffaella Sbrescia
Tra le varie collaborazioni sono presenti: Eugenio Finardi su “I giovani d’oggi”, Caparezza su “Ci vuole molto Coraggio”,Dardust su “Cinghiali Incazzati”, Willie Peyote su “La Nostra Pelle”, Mecna su “Stai tranquillo”,Marianne Mirage su “Mare”,Levante su “Quando sono con te”, España Circo Este su “Non molto lontano” e Bianco su “Sognavo di Fare l’Indiano”.
Ad arricchire ulteriormente il contenuto, sono presenti i remix di: Mare (Lemandorle remix), Gli Occhi Della Luna (Keaton remix), Quando Sono Con Te (Godblesscomputers remix), Cinghiali Incazzati (c.o.c.c.o detox remix), Non Molto Lontano (Herald Clawe Yakitori remix), Sognavo di fare l’Indiano (Cowboy Remix).
“Il secondo cuore” è il nuovo album di inediti di Paola Turci. Prodotto da Luca Chiaravalli su etichetta Warner Music Italy, il nuovo progetto discografico della cantautrice romana arriva dopo la trionfale partecipazione della cantautrice romana al 67esimo Festival di Sanremo e rispecchia un momento molto bello della sua vita. Le 11 tracce realizzate in co-scrittura con Giulia Ananìa, Marta Venturini, Fabio Ilacqua, Niccolò Agliardi, Enzo Avitabile, lo stesso Chiaravalli e Fink testimoniano una lavorazione fatta di incontri felici e ispirati. Paola Turci fa pace con la parte più inquieta di sé, si lascia finalmente andare e ce lo racconta lei stessa.
Intervista Ciao Paola, il tuo ritorno discografico è tra i più attesi di questa stagione. Come ti senti?
Questo è il disco che non ho mai fatto, è il frutto della realizzazione di me stessa. La musica mi riappacifica con me stessa, mi dà stimoli nuovi. Questo è un album di co-scrittura, un ‘esperienza che mi fa sentire forte, che mi ha permesso di avere un confronto affermando anche me stessa al contempo. Prima avevo difficoltà nell’affrontare persone, pensieri, caratteri, personalità diverse da me. Qui ho avuto la fortuna di avere confronti molto aperti, gentili, costruttivi con persone che mi amano e che mi vogliono bene. Uscita dal limbo e presa di coscienza sono i movimenti che fanno da filo conduttore un po’ a tutti i brani di questo album. In ogni canzone c’è la mia storia, mi sono finalmente lasciata andare, ho riaperto le chiusure, ho superato le paure che avevo nello scrivere. Insomma questo è un disco felice che afferma il mio stato d’animo, la mia situazione attuale.
Tutto nasce dalla tua prima canzone in dialetto “Ma dimme te”
Sì, questa è la prima canzone che ho realizzato per questo disco ed è anche la miccia che ha acceso il tutto. Quando ho ritrovato la Warner Chapell, mi sono stati fatti i nomi di alcuni autori con cui poter lavorare e mi sono scoperta subito entusiasta di lavorare in co-scrittura. Nello specifico ho lavorato con Giulia Ananìa e Marta Venturini. Visto che Giulia abita vicino a casa mia, un giorno mi è venuta a prendere a casa e, mentre ero in macchina con lei per andare in studio, abbiamo cominciato a parlare dell’idea di scrivere una canzone in romanesco, si trattava di una cosa che volevo fare da diverso tempo. Ho pensato a Gabriella Ferri, Anna Magnani, Chavela Vargas, quindi ci siamo messe a scrivere. Io ero con la mia chitarra, lei era al pc e in un paio d’ore è venuta fuori questa canzone che ho subito cantato e registrato. Ero un fiume in piena, sono partita da un semplice la minore, così come si sente nel disco. Questa canzone rappresenta un po’ quello che è per me la musica: impatto emotivo fortissimo, un rapporto viscerale con le mie radici. Scriverla è stato facile perché ho attinto alla vita, ad un’icona che mi ricorda mia nonna, a quel tipo di donna forte che ha sofferto nella vita. La canzone è nata da una poesia di Giulia Anania, intitolata “L’amore è un accollo” e subito mi sono immaginata un interlocutore, ho pensato a un rappresentante della romanità con un fascino di quelli da playboy e ho subito contattato Marco Giallini perché secondo me era perfetto.
Un ruolo chiave l’ha svolto Luca Chiaravalli…
Luca Chiaravalli è stata la scoperta della mia vita, ha una vitalità, un’energia, una gioia di vivere che mi hanno contagiata. Ci siamo parlati tantissimo e ci siamo sentiti molto uniti. Ho sempre amato le persone che hanno fatto delle loro difficoltà un punto di forza, le persone grate alla vita, Luca è così e anche io sono così. Penso che tutto quello che arriverà da adesso in poi sarà un grande regalo. Per ora aver fatto pace con la me più inquieta è un grande regalo. In questo disco ho cantato come non ho mai cantato, ci siamo emozionati insieme, è stato un incanto dopo l’altro, non smettevamo di sorprenderci di come stessero venendo fuori queste canzoni dirompenti anche per noi.
In che senso hai cantato come non hai mai fatto?
Luca ha messo in evidenza quella parte di me che è emersa quando ho cantato “Ma dimme te”. La prima volta che ho cantato “Fatti bella per te” nella tonalità che ha scelto lui temevo mi andasse via la voce, il giorno dopo in uno studio affittato al volo di domenica a Roma, ho cantato con poca voce ma Luca era felicissimo e quella voce è rimasta. Nel disco ci sono molte take che hanno una voce alla buona la prima.
Paola Turci ph Luisa Carcavale
Cosa ci racconti di “Ci siamo fatti tanti sogni” scritta insieme a Diego Calvetti?
Questa canzone mi ha sorpreso molto perché voleva raccontare una cosa ma ha finito per raccontarne un’altra. Il fulcro è una storia che non riusciva a risolversi e che ho vissuto in prima persona. Con Calvetti l’idea iniziale era più legata al sociale.
Come mai hai scelto di inserire la cover di “Un’emozione da poco” anche nell’album?
Questa canzone mi è venuta in mente dopo “Fatti bella per te”, ho pensato a una canzone che avesse grinta, che fosse struggente ma che mi permettesse anche di esprimere le mie capacità interpretative. Canto spesso certe canzoni che uno non si aspetta che io canti.
Sfrecciano i ricordi tra grovigli di emozioni nel testo de “La vita che ho deciso”…
Questa canzone è dedicata alla musica e ripercorre un po’ delle immagini di me piccola, di me in crescita. Man mano che scorrono le immagini il cuore e fulcro di tutto rimane sempre la musica. La musica davanti al mare di Porto Ercole, la spiaggia dove sono sempre andata, dove ho cominciato a suonare è un’immagine che mi porto dentro ed è la più bella che ho, quella che mi fa sognare davvero.
Una delle canzoni più vicine alla tua storia è “Combinazioni”
Dopo anni io e Niccolò Agliardi siamo riusciti a scrivere insieme. Lo conosco fin dai miei esordi, veniva ai miei concerti e poi diventato un grande autore. Stavolta ha fatto centro probabilmente grazie al libro che ho scritto e alla storia che ho reso pubblica. Nel testo ci sono dei precisi rimandi alla mia vita tra imprevisti, coincidenze e sliding doors.
Come è nata la collaborazione con Fink?
Questa è l’ultima canzone che abbiamo scritto in questo disco. Anche qui c’è stata una combinazione felice: ho conosciuto Fink un paio di anni fa, l’ho visto in concerto a Roma, sono andata a salutarlo in camerino e in quell’occasione mi ha proposto anche di fare qualcosa insieme chiedendomi se cantavo anche in inglese. Successivamente ho fatto un disco antologico quindi ho lasciato stare fino a quando un giorno in studio Luca Chiaravalli mi ha parlato proprio di lui. Un attimo dopo ho scritto a Fink proponendogli di venire a Roma per un paio di giorni per provare a fare qualcosa insieme liberamente. Lui ha subito accettato, è arrivato in studio e abbiamo cominciato a scrivere il pezzo firmandolo in 4. Sublime è un aggettivo altissimo che a me fa molto effetto.
A proposito di incontri, molto importante è stato quello con Enzo Avitabile
L’incontro con Avitabile è stato determinante perché ha fatto sì la mia più grande passione diventasse il titolo del disco che è tratto proprio dal suo testo “Nel mio secondo cuore”. Dopo i miei esordi, io ed Enzo ci eravamo persi, gli scrissi un tweet quando ascoltai “Lotto infinito”, lui lo lesse e mi cercò dichiarandomi la sua stima; un fatto reciproco che ci ha dato la voglia di fare le cose insieme. Questo, per noi, è un anello di congiunzione.
Cosa è cambiato all’interno del tuo percorso?
Tutto è successo in un breve lasso di tempo che a me è sembrato lunghissimo. La scrittura del libro “Mi amerò lo stesso” mi ha aperto una nuova prospettiva. Poi il ritorno in scena con il monologo ha segnato l’avvio di un vero e proprio percorso.
Qual è stato l’ostacolo più grande per te?
Togliermi i capelli dalla faccia. Nascondermi mi ha fatto soffrire fino a quando non ho trovato il coraggio di dichiararlo.
Come hai vissuto questo Festival di Sanremo?
Quando scrivi una canzone è inevitabile che il punto di partenza sia l’autoriferimento. “Fatti bella per te” contiene un messaggio preciso, mostra il mio sentire e il mio essere. Sarà per questo che il pubblico ha recepito in maniera forte la mia credibilità, la mia storia sostiene la canzone, in ogni caso non mi aspettavo una reazione così forte e così bella. A Sanremo ero molto concentrata. Ho voluto godermi il momento e fare le cose al meglio per poter trasmettere questo mio momento di equilibrio. A 53 anni mi sento più a fuoco, più forte e più leggera di prima.
Il prossimo 11 aprile ti esibirai sul palco del Teatro Manzoni a Bologna, a favore della Fondazione Francesca Rava NPH Italia insieme a Paolo Fresu. Cosa stai preparando?
Ho incontrato la Fondazione grazie a mia sorella Francesca che opera da anni al suo interno. Mi ha portato 3 volte ad Haiti e ogni volta che mi chiede di fare qualcosa, rispondo sempre con grande slancio. Stavolta abbiamo coinvolto anche Fresu. Mentre 4 anni fa facemmo un concerto a Firenze improvvisando tutto il tempo, questa volta faremo qualcosa di più strutturato. Paolo ha un grande cuore, è venuto anche lui ad Haiti e faremo qualcosa di molto speciale.
Come ti trovi a cantare senza chitarra?
La chitarra è sempre stata la mia coperta di Linus. Ai primi tempi della mia carriera quando suonavo senza strumento mi sentivo agitata, mi muovevo in continuazione, oggi invece sento tanta forza e, anche da ferma, percepisco una carica che mi travolge e che mi spinge verso il pubblico. Non vedo l’ora di suonare sul palco e sprigionare tutta questa intensità.
Raffaella Sbrescia
Dal 31 marzo Paola Turci incontrerà i fan negli store delle principali città italiane : il31 Marzo a ROMA (Feltrinelli, Via Appia Nuova, 427 – h. 18.00), l’1 Aprile a FIRENZE (Feltrinelli Red, Piazza della Repubblica – h. 17.00); il 2 Aprile a BOLOGNA (Mondadori, Via Massimo D’Azeglio, 34,a – h. 18.00), il3 Aprile a TORINO (Mondadori, Via Monte di Pietà, 2 ang. Via Roma – h. 18.00); il 4 Aprile a MILANO(Feltrinelli, Piazza Piemonte, 2 – h. 18.30); il 5 Aprile a NAPOLI (Feltrinelli, Piazza dei Martiri – h. 18.00); il 6 Aprile a BARI (Feltrinelli, Via Melo, 119 – h. 18.30); e il 7 Aprile a PALERMO (Mondadori – Via Ruggero Settimo, 16 -h. 18.00).
Da maggio Paola Turci sarà in tour per importanti eventi live:
SABATO 6 MAGGIO – TODI – Teatro Comunale (data zero)
MARTEDI’ 9 MAGGIO – Roma, Auditorium Parco della Musica
MARTEDI’ 16 MAGGIO – Fermo, Teatro Dell’Aquila
MERCOLEDI’ 17 MAGGIO – Trento, Auditorium Santa Chiara
LUNEDI’ 22 MAGGIO – Milano, Auditorium La Verdi -Fondazione Cariplo
MARTEDI’ 23 MAGGIO – Reggio Emilia, Teatro Valli
MERCOLEDI’ 24 MAGGIO – Vicenza, Teatro Comunale
DOMENICA 2 LUGLIO – Torino, Festival d’Estate c/o Piazzetta Reale
VENERDI’ 11 AGOSTO – Marina di Pietrasanta (LU), Teatro La Versiliana
“JAZZ&REMO IL FESTIVAL è il progetto discografico di BRUNO SANTORI musicista, pianista, direttore d’orchestra, arrangiatore e compositore italiano. Nato dalla volontà di accorciare le distanze tra due generi musicali (jazz e pop), l’album rappresenta un omaggio alla grande tradizione musicale sanremese ottenuto rielaborando in chiave jazz i più grandi successi della kermesse. Prodotto da BRUNO SANTORI e Zenart, pubblicato da Solomusicaitaliana (etichetta discografica di Radio Italia) e distribuito da Sony Music, il disco vede la partecipazione di Fabio Crespiatico (basso elettrico), Stefano Bertoli (batteria) e Giulia Pugliese (voce) giovane scoperta che nel 2015 ha partecipato a “The Voice of Italy”.
Intervista
Maestro, da cosa nasce l’idea di questo progetto e con quali prospettive l’album si colloca all’interno del panorama musicale nazionale?
All’interno del panorama nazionale toccherà farci spazio perché la rielaborazione musicale non è poi cosa così diffusa. Per quanto mi riguarda, si tratta di un aspetto da sempre insito in me. Anche nel 2009, quando sono stato direttore musicale del Festival insieme a Bonolis, ho realizzato delle aperture che lasciavano convivere un requiem di Mozart con “Another brick in the Wall” dei Pink Floyd. Ho sempre voluto andare verso qualcosa che ancora non era stato fatto ma è anche vero che da sempre sono arrangiatore di musica pop. Visto che da diversi anni coltivo anche la passione il jazz, mi sono preso un periodo per poterla sviluppare. L’anno scorso festeggiavo i 40 anni dal mio primo Festival di Sanremo quindi ho pensato di ricordare questa ricorrenza facendo un tributo al festival in jazz.
Come ha lavorato al progetto?
Mi sono messo al pianoforte per 4 mesi, ho rielaborato una ventina di brani dal festival, da lì è stata fatta un’accurata selezione insieme a Fabio Caspiatico, Stefano Bertoli e Giulia Pugliese. Per quanto riguarda la scelta della cantante, all’inizio cercavo una voce più matura perché pensavo che nel jazz servisse una vocalità diversa, la presenza del pop invece mi ha spinto a fare in un altro modo. I primi quattro mesi di lavoro li ho passati modificando le strutture armoniche e ritmiche dei brani cercando di non perdere l’originalità della canzone stessa, rispettandone la linea melodica e la riconoscibilità.
Che rapporto ha con il jazz?
Il jazz per me è la musica classica contemporanea. Se ripensiamo a Beethoven o Bach, capiamo subito quale possa essere il senso e il valore di un componimento estemporaneo non etichettabile. Sicuramente non avrò il plauso dei jazzisti puristi eppure credo di essere riuscito a portare la musica colta in un contesto più ampio. Ho voluto aggiungere un po’ di eleganza in un momento in cui ce n’è sempre più bisogno. Nel mio piccolo credo di avere dato un piccolo contributo affinchè si aprano nuovi scenari, anche Mario Biondi sta facendo musica pop con un piglio jazz.
E con il Festival di Sanremo?
In questo caso si parla di un rapporto di odio-amore. Non lo sto più cercando, l’ho un po’ allontanato dalla mia vita. Ad oggi credo che il Festival si stia macchiando del peccato della televisione, penso che si debba riportare all’attenzione del pubblico il valore artistico non solo di chi partecipa ma di chi in realtà produce questo evento. Al momento è un pò come portare un quadro di Van Gogh in un grande magazzino. Sono le strutture televisive a soffocare il valore artistico delle canzoni, anni fa poteva accadere che l’ultimo classificato potesse essere Vasco Rossi, oggi l’ultimo classificato non se lo fila più nessuno, a questo punto quello che ne esce suona molto come musica di regime; questo è quello che mi preoccupa del Festival.
JAZZ&REMO_M° Bruno Santori
Si ritiene un fautore del ritorno alla qualità?
La mia vita è stata soprattutto all’insegna dello studio della musica, non potrò mai essere quel musicista che cerca di colpire un bersaglio che rientra nell’ambito del marketing, per me la musica è l’espressione dell’umanità, un levare in alto sia per chi la fa che per chi l’ascolta, non mi interessa quanti dischi venderò, non mi interessa il successo ottenuto con atti di furbizia o fine a se stesso.
Il ministro del turismo dell’isola, Dr. Edward Zammit Lewis le ha conferito il titolo di “TOURISM AMBASSADOR OF MALTA”. Come vive questa nuova veste?
Sto lavorando alla valorizzazione del patrimonio storico, artistico e culturale di una piccola grande nazione che da sempre è crocevia strategico del Mediterraneo. A questo proposito ho proposto alle più alte cariche dello Stato di intraprendere un percorso di interculturalità musicale mirato all’integrazione bilaterale tra i popoli e ho subito riscontrato una grande disponibilità. Malta rappresenta una grande opportunità per un nuovo modo di intendere la musica e mi spenderò molto per far sì che questo possa accadere.
Considerando la sua lunga e prestigiosa esperienza, come pensa sia cambiata nel tempo la figura del direttore d’Orchestra e cosa pensa del nuovo trend che vede tanti nuovi giovani maestri a dirigere sul podio?
Spesso vedo giovani direttori d’Orchestra dirigere orchestre storiche e, sebbene io rispetti molto i giovani e li sostenga da sempre, ritengo che il ruolo di direttore d’orchestra sia quello di una persona matura che con la propria esperienza possa impostare il suono dell’orchestra attraverso il proprio spessore personale. Sinceramente non posso pensare che questo possa accadere con un giovane di 20 anni, l’orchestra ha bisogno di qualcuno che produca un pensiero alto, altamente professionale e di grande esperienza. Il ruolo del direttore d’orchestra non va ripensato, penso piuttosto che vada capito il significato del suo ruolo e quali sono i motivi per cui debba essere scelta una persona invece di un’altra.
Raffaella Sbrescia
BRUNO SANTORI presenterà live “JAZZ&REMO IL FESTIVAL” nel corso del Kaz Jazz Fest 2017che si terrà tra il 7 e il 17 settembre a Bodrum (Turchia) e il 14 ottobre durante il Candle Festival di Birgu a Malta.
Questa la tracklist del disco: “E non finisce mica il cielo”; “Quello che le donne non dicono; “E poi”; “Cambiare”; “Ancora”; “Adesso tu”; “Luce”; “Vacanze Romane”; “Il cuore è uno zingaro”; “Volare”; “Le mille bolle blu”.
Esce oggi “Vulcano”, il nuovo album d’inediti di Clementino, il quinto da solista. Il disco contiene 13 tracce e rappresenta una precisa fase artistica del rapper che in questo lavoro ha voluto mettere a fuoco se stesso e la propria carica adrenalinica senza alcun featuring e con l’ausilio di tante nuove sonorità.
Intervista
Qual è il filo conduttore che lega le tracce di questo tuo nuovo lavoro?
Mi circondo sempre di tanta napoletanità. La cosa è testimoniata dal titolo dell’album: “Vulcano”. Il legame non è solo con il Vesuvio ma anche con la mia dirompente personalità. Con questo album ho cercato di riprendere il discorso di “Napoli Manicomio”. Negli ultimi 10 anni ho dato le mie strofe praticamente a tutti. Ho fatto decine di featuring ma ora ho detto basta, adesso è il momento di concentrarmi solo su di me. Un po’ come facevano gli umanisti: ci sono io al centro di tutto (ride ndr).
In queste nuove canzoni c’è tanto dialetto, non temi di perdere del potenziale pubblico?
Nelle mie canzoni mi muovo alternando italiano e dialetto cercando di creare il giusto equilibrio. In ogni caso anche se vado a cantare a Treviso, il pubblico vuole “Clementino ca spacc’ e vetrine”. Tra l’altro con il grande successo di alcune serie tv, il napoletano è stato ormai sdoganato ovunque.
Come ti approcci alla scrittura?
Non scrivo mai senza base, non ci riesco. A seconda dell’atmosfera, scrivo cose diverse.
In questo album ci sono dei suoni molto variegati con ampi riferimenti alla tradizione napoletana…
A differenza dei miei lavori precedenti in cui cercavo di fare le cose che piacevano agli altri, stavolta ho cercato le cose che piacevano a me. “Vulcano” rappresenta me stesso: ci sono beats anni ’90, beats napoletani, un pizzico di trap e una manciata di richiami alla West Coast dove sono stato di recente.
Nelle tue canzoni parli spesso dei più giovani, che tipo di responsabilità senti di avere?
Non mi sono autonominato voce di una città o dei giovani. Sono il rapper che è ascoltato dalla mamma e dalla fidanzata. Ho fatto l’animatore turistico per 12 anni, ero l’outsider che copriva tutti i ruoli, lo sono anche nel rap perché abbraccio tutti i temi. D’altronde le mie iniziali parlano chiaro: MC sta per maestro di cerimonie. Da bambino salivo sul tavolo con la penna a mò di microfono e facevo lo show di Clemente, i miei genitori recitano fin da quando ero piccolo ed è forse anche per questo che ho sempre sognato il palco. Mi faccio portavoce di un genere ben definito: il black pulcinella, un tipo di musica che unisce l’eredità lasciata da Pino Daniele al mondo hip hop. Mi sento un vero Pulcinella: allegro fuori e triste dentro. Il disagio psicologico lo tiro fuori attraverso la musica. Vengo dalla terra dei fuochi, un posto dove i ragazzi hanno pochissime possibilità e anche se qualcosa si sta iniziando a muovere, ci vorranno anni prima che la gente possa smettere di morire per mano della criminalità. A Cimitile ho aperto una scuola calcio per bambini, la “Iena Soccer Academy”, con il ricavato di ogni torneo compriamo defibrillatori e macchinari per gli ospedali; cerco di muovermi il più possibile per il sociale. C’è il Corriere della Iena, poi c’è l’iniziativa denominata “I messaggeri del Vesuvio” in cui invito i giovani emergenti a rappare con me.
Com’eri da adolescente?
Sono sempre stato molto disordinato e con la testa per aria. A scuola venivo continuamente ripreso perché mi perdevo in una sorta di torpore da sognatore incallito. Ho viaggiato molto, con la testa e non. Quando ho cominciato a fare le gare di freestyle affrontavo lunghissimi viaggi ma non mi sono mai fermato. Ho fatto tante comparse in teatro e qualcosa anche al cinema poi, però, le cose si sono ribaltate da un momento all’altro.
Sfizioso il video del nuovo singolo “Tutti scienziati”…
L’idea è di mio fratello Paolo. Abbiamo pensato dapprima a Emmett Brown di “Ritorno al futuro”, poi a Frankestein Junior e infine a Leonardo da Vinci. Abbiamo fatto riferimento a “Non ci resta che piangere” senza scimmiottare Troisi e Benigni, ci siamo solo ritrovati a vivere la loro esperienza. Poi abbiamo coinvolto i The Jackal con la loro parodia de “Gli effetti di Gomorra sulla gente” e ci siamo divertiti davvero molto. Con questo video mi è venuta voglia di fare cinema, magari con un bel ruolo comico. Ho studiato all’Università dello Spettacolo e mi sono laureato con il massimo dei voti. I miei genitori recitano il repertorio di De Filippo e Scarpetta, mi piacerebbe avere qualche ruolo da recitare anche se nelle mie esperienze precedenti interpretavo sempre me stesso. Per ora, in ogni caso, mi concentro sul rap che rimane la cosa che so fare meglio.
A proposito di cinema, come mai hai dedicato un brano al regista Paolo Sorrentino?
Tempo fa sono stato a casa di un amico che aveva il cofanetto con tutti i suoi film. Li ho guardati tutti, uno dopo l’altro e mi sono innamorato di Sorrentino. All’inizio la canzone si chiamava “L’uomo in più”, poi l’ho intitolata con il nome del maestro che, proprio ieri mattina, mi ha telefonato per ringraziarmi. Abbiamo parlato tutto il tempo in dialetto, gli ho promesso di raggiungerlo a Roma per stringergli la mano.
Clementino
Il tuo contributo all’interno del docufilm dedicato a Pino Daniele è stato uno dei più apprezzati. Che ricordo hai di lui?
Pino è stato il mio maestro, ho scritto una canzone per lui mettendo nero su bianco un flow che mi usciva direttamente dal cuore. Quando Verdelli mi ha chiesto di partecipare, ho voluto recitare a cappella quei versi, sono l’ultimo artista con cui Pino ha collaborato e conservo un prezioso ricordo di quando lo incontrai, terrorizzato, per la prima volta. Sono davvero onorato di aver avuto la preziosa possibilità di collaborare con lui, ascolto ancora oggi le sue canzoni, me lo sono persino tatuato sulla pelle. Cercherò di mettere sempre qualche suo verso nella mia musica.
Una delle canzoni più forti del disco è “Spartanapoli”.
Difficilmente scrivo roba incazzata, questa è una storia di strada. Il rap è verità e io cerco di mettere nero su bianco quello che vedo per strada.
Potente il dissing virtuale che proponi in “ ‘A capa sotto”
In effetti c’è tanto “explicit content” ma il freestyle è una cosa che fa bene, la sana competizione è la linfa dei rapper.
Che fine farà l’amata cover “Svalutascion”?
Dopo il plauso dell’orchestra sanremese mi aspettavo un destino diverso per questa canzone. L’arrangiamento l’aveva resa simile alla colonna sonora di un film di Tarantino, spero di riuscire a portarla nei miei nuovi live. A proposito, a maggio partirà la mia tourneè europea, poi da giugno a settembre girerò l’Italia. Stare con il pubblico è la mia forza, sono uno del popolo.
Raffaella Sbrescia
La tracklist di “Vulcano”
UE’ AMMO (prodotto da Deliuan)
STAMM CCA’ (prodotto da TY1)
CENERE (prodotto da Shablo)
TUTTI SCIENZIATI (prodotta da Marz)
KEEP CALM E SIENTETE A CLEMENTINO (prodotto da Amadeus)
RAGAZZI FUORI (prodotto da Shablo e Zef)
DESERTO (prodotto da Shablo)
JOINT (prodotto da Yung Snapp)
COFFEE SHOP (prodotto da Swan)
LA COSA PIU’ BELLA CHE HO (prodotto da Deleterio e Fabrizio Sotti)
I MURI DI BERLINO (Arealive / Warner) è il titolo del nuovo album di MALDESTRO che, dopo aver fatto incetta di premi e riconoscimenti in occasione della sua recentissima partecipazione al Festival di Sanremo 2017, nella categoria Nuove Proposte con il brano “Canzone per Federica”(PREMIO DELLA CRITICA ‘MIA MARTINI’, PREMIO LUNEZIA, PREMIO ENZO JANNACCI, PREMIO ASSOMUSICA e il premio conferito dalla REGIONE BASILICATA per il MIGLIOR VIDEOCLIP), decide di accompagnare chi avrà voglia di ascoltarlo nei meandri di un percorso emotivo fitto e frastagliato. Attraverso una minuziosa cura per la scelta delle parole e un’innata sensibilità, Maldestro scova le crepe esistenziali di ciascuno di noi con il vezzo di una leggiadra melancolia.
Intervista
Antonio, come si colloca questo disco all’interno del tuo percorso artistico?
Comincerei col dire che questo disco lo sento realmente mio perché, nonostante i testi e la musica del primo album fossero comunque miei, non ho avuto modo di lavorare agli arrangiamenti. In questo caso, invece, ho suonato nel disco e ho partecipato anche alla realizzazione degli arrangiamenti mettendo a punto gran parte delle idee che avevo in mente.
Leggendo i testi si evince anche un’evoluzione nel tuo modo di scrivere
Il primo disco era molto più arrabbiato, questo è più tenero. Racconto di sentimenti importanti guardandoli da un’altra prospettiva; c’è una visione più romantica del dolore.
In effetti si nota un mood più riflessivo. Hai cercato di racchiudere in un unico testo una serie di riflessioni che, invece, abbracciano dimensione più vaste. In questo senso la scelta delle parole riveste un’importanza ancora più forte?
Quando scrivo non sto molto a rimuginare. In genere prendo la chitarra e il piano e procedo, raramente vado a modificare qualcosa che ho scritto in modo spontaneo. Di solito scrivo per un’esigenza personale, per liberarmi dai dolori e consumarli. Mi dicono spesso che attraverso i miei testi si riesce a vedere quello che sto raccontando, questo è anche frutto dei miei ascolti (Fossati, Gaber, Dalla).
I Muri di Berlino – album cover
A proposito di questo, cosa ti ha ispirato il testo di “Lucì in un solo minuto”? Nell’unica parola in dialetto che usi in questo album c’è tutto il pathos necessario per rendere in maniera tangibile la forza di un sentimento preciso…
Nella parola Lucì c’è tutta la mia rabbia ma anche tutto il mio amore verso la mia città e verso la mia lingua che ultimamente è stata fin troppo abusata. Ho scelto di raccontare in italiano le mie storie anche se non escludo il napoletano. In questa canzone ho voluto vedere un film e non ho badato a spese per realizzare la chiusura ideale per questo album.
Approfondiamo un attimo la questione relativa all’uso del dialetto…
Ho riflettuto sul fatto che c’è stato chi per anni ha cantato in italiano snobbando il dialetto per poi decidere di seguire la tendenza del ritorno all’uso del napoletano. Per quanto mi riguarda continuo sulla mia strada, ci sono delle canzoni in napoletano che avrei voluto mettere nel disco, ne ho scritte anche parecchie ma poi ho pensato che non c’entravano niente con questo album. Questo sarà un buon motivo per inserirle in un altro progetto. Altre canzoni le sto regalando a persone che mi ispirano e che mi emozionano.
“Sporco clandestino” è un colpo al cuore. Perchè hai deciso di colpire lo spettatore con questa canzone così forte?
Penso che ci sarà qualcuno che questo pezzo lo manderà avanti perché non riuscirà ad ascoltarlo. Ci sono delle cose che vanno raccontate così, senza filtri. Non si può ricamare su argomenti così forti. Io stesso tremo al solo pensarci. Ho scelto un modo diverso per parlare di questo tema, non ho mai sentito parlare di immigrazione dal punto di vista di un bambino. Mi ha sempre colpito l’ipotesi che ad un bambino potesse essere tolta la cosa più bella che abbiamo: la meraviglia. Il pianto straziante di un bambino che a 9 anni cerca di raccontare di quando una bomba gli ha ucciso i genitori mentre lavora in un’officina è stato volutamente scelto per auspicare che i bambini vengano protetti dalla malvagità e dal terrore.
Che rapporto hai con il tempo? Nei tuoi testi sembra sempre un po’ tiranno…
Il tempo fa sempre paura, ci facciamo i conti tutti i giorni e in tutti i momenti, soprattutto quelli belli. Ho paura delle buone notizie perché non riesco a gestirle, penso sempre a quando tutto finirà. La felicità mi mette agitazione perchè non ne conosco la durata, sto sempre lì a pensare che finisca.
Hai fatto una piccola partecipazione nel docufilm dedicato a Pino Daniele. Che ricordo hai di lui?
Con Pino Daniele ho un rapporto strano, lo adoro anche se l’ho ascoltato solo 4 anni fa. Vengo da altri ascolti ma trovo che sia un genio musicale e letterario. Anche se la mia anima è più vicina a Gaber, penso che il primo Pino Daniele abbia detto praticamente tutto ciò che c’era da dire dopo la musica classica napoletana.
Che rapporto hai con i colleghi conterranei?
Non frequento nessuno per vari motivi, sono sempre stato una persona solitaria, ci sono molti personaggi e poche persone. Per me puoi essere Bob Dylan o l’ultimo dei cantautori, a me interessa innanzitutto la persona che sei. Una delle cose più tristi che possa capitare a Napoli è che i colleghi non ti perdonano il successo. Per come la penso io, se un mio conterraneo riesce ad uscire fuori da Napoli affermandosi altrove, ne sono felice e mi sento rappresentato. Aldilà di queste dinamiche, quando poi incontro persone della mia stessa razza, ci instauro legami di sangue.
Ad esempio?
Posso citare i miei fratelli Alessio Sollo e Claudio Gnut. Aldilà della musica, ci siamo sempre sostenuti a vicenda in qualunque contesto.
Cosa pensi dei tanti premi ricevuti in ambito sanremese?
Per me la musica è un gioco. Prendersi sul serio non serve, bisogna essere seri ma non seriosi. I premi sono importanti ma alla fine il vero premio mi viene dato da chi viene al mio concerto e si emoziona riconoscendosi nelle storie che racconto.
Raffaella Sbrescia
Dal 24 marzo Maldestra presenterà il suo nuovo lavoro e incontrerà i fan negli store delle principali città italiane: il 24 marzo a Roma - Feltrinelli Via Appia Nuova 427 (h 18,00); il 25 marzo a Napoli - Feltrinelli P.za dei Martiri (h 18,00); il 26 marzo a Senigallia (AN) – Mondadori C.so II Giugno 61 (h 18,00); IL 27 marzo a Milano - Mondadori Via Marghera (h 18,00); il 28 marzo a Torino - Mondadori Via M.te di Pietà 2 (h 18,00); il 29 marzo Bologna - Mondadori Via D’Azeglio 34a (h 18,00) e il30 marzo a Firenze- Galleria del Disco (h 17,30).
Video: Abbi cura di te
Il tour
Dal 12 aprile inizierà il tour che lo vedrà coinvolto anche per tutta l’estate:
KETTY PASSA è cantante, musicista, performer, speaker e presentatrice televisiva, collabora come cantante con il progetto Rezophonic e come dj/selecter per la serate di Milano Pink Is The New Black, progetto itinerante e tutto al femminile, e Smashing Wednesday. Ha lavorato, tra gli altri, con Rock TV, Deejay TV e Radio Popolare. È deejay e consulente musicale del programma di Rai2 Nemo-Nessuno escluso. “Era ora” è il suo primo album di inediti ed è stato finanziato da una campagna su Musicraiser. Il disco è stato presentato in anteprima con due showcase a Milano e a Roma che hanno battezzato la nuova band composta da Fabrizio Dottori (tastiere, synth), Marco Sergi (chitarra), Marco Pistone (basso) e Manuel Moscaritolo (batteria).
Intervista
Il tuo primo album da solista è in lingua italiana ma con suoni che strizzano l’occhio alla scena Urban americana. Come è venuta fuori questa idea?
Questo è stato un disco molto voluto ma anche molto sofferto. Se non dal punto di vista tecnico, lo è stato dal punto di vista psicologico perché ho sempre avuto paura a mettermi in gioco mettendoci la faccia. Sapevo che quello che volevo fare non era una cosa immediata, che richiedeva lavoro, nonché la capacità di coinvolgere persone che credessero in questa cosa. In ogni caso “Era ora” che mi convincessi a fare un mio disco ed “Era ora”che uscisse dopo due anni di duro lavoro.
Parliamo dei punti di forza di questo disco: in primis i suoni.
La scelta delle sonorità racchiude il pregio/difetto del disco: così come è figo l’essere un “unique” dal punto di vista di genere, lo è molto meno cercare di sapersi vendere e ritagliarsi un piccolo spazio. Cantare su dei beats nati per chi fa rap è un’attitudine tipica del linguaggio americano. In Italia questa cosa è fatta ancora molto poco, gli unici che ci si avvicinano sono Romina Falconi, Luana Corino e Cosmo.
Scendiamo nei dettagli della lavorazione del disco in studio…
Il disco è nato dall’ascolto di beats e dalla creazione di loop vocali su cui scrivevo in fake English quasi tutti i pezzi per poi tradurli in italiano. La difficoltà è stata proprio quella di traslare tutto in italiano attraverso un tipo di scrittura ben strutturato; ho dovuto posizionare bene le parole, trovare degli escamotage vocali dai suoni onomatopeici a delle parole inglesi ormai entrate a far parte del nostro linguaggio quotidiano.
La canzone che fa da apripista all’album è “C’mon”: in un mondo in cui tutti sono abituati al “cotto e mangiato” come ti collochi tu?
Faccio parte di una generazione di mezzo. Noi nati negli anni 80 abbiamo avuto un’infanzia legata ai valori del passato e un’adolescenza corrotta dall’arrivo vorticoso dei media. Un conto è essere nativi digitali, un altro è crescere con l’analogico; a me questa cosa ha spiazzato. Per realizzare un disco autentico potevo solo fare le cose a mio modo: apparentemente sono allegra e gioiosa eppure ho una vena malinconica molto spiccata e l’ho voluta mettere in questo lavoro anche se la profondità non fa business.
Ketty Passa
“Sogna” si collega a questo discorso?
I sogni sono un’arma a doppio taglio: se vivi di sogni, soffri mentre se non lo fai, vivi peggio perché non hai provato a darti delle risposte. Personalmente ho fatto pace con questa cosa perché ho un carattere che mi consente di farlo. In questo brano racconto alle persone cosa faccio, cosa ho fatto, di cosa ho bisogno. Più in generale nel disco mi sono tolta di dosso delle cose che mi stavano strette, la copertina è una metafora della purezza dell’essere nudi. Qualora l’album non dovesse avere un successo commerciale, non ne uscirò distrutta, sono già pronta a scrivere altro, intanto sono contenta.
Hai detto che è stato un disco sofferto anche se nel frattempo hai svolto tante altre attività…
I miei lavori non sicuri hanno accentuato una sensazione di disagio e di mancanza di terreno sotto ai piedi che ha mantenuo viva la mia vera essenza. Paradossalmente se lavorassi in ufficio avrei meno stimoli artistici o meno “trouble” per poter scavare dentro di me, forse la non serenità mi ha aiutato a dirla tutta.
Come porterai tutto questo dal vivo?
La mia band tradurrà il linguaggio del disco con un suono molto più vicino al rock un po’ come fanno Pink, Gwen Stefani o Salmo in Italia.
Dopo oltre 80 date nei club, nei teatri e nei festival con altrettanti sold out, il 1° aprile Motta cantante, polistrumentista e autore di testi, arriva all’Alcatraz di Milano per un concerto evento che chiude la seconda parte della tournée che ha fatto seguito alla pubblicazione de “LA FINE DEI VENT’ANNI”, il suo primo disco solista. Insieme a MOTTA ci saranno tanti artisti che negli anni hanno percorso un pezzo di strada insieme a lui tra cui Giorgio Canali, Criminal Jokers, Andrea Appino (Zen Circus) e Nada. Il 22 marzo alle ore 21.15 su Sky Arte HD andrà in onda una puntata speciale di “Italian Sound” dedicata a Motta e alla sua musica.
Intervista
Francesco, dopo quest’anno così intenso cosa hai capito di te e della tua scrittura?
Ho realizzato che la gavetta e i chilometri percorsi in furgone sono serviti a qualcosa. Mi sono reso conto che aver avuto pazienza prima di uscire con un mio disco da solista è servito per scegliere le parole e le note giuste in modo che venissero fuori canzoni mie attraverso un modo di fare musica e un modo di scrivere veramente miei.
Ci son voluti tanti anni per scrivere delle parole destinare a rimanere, parole che hanno assunto un’identità precisa. Cosa significa trascorrere dei mesi a scegliere una frase o anche solo una parola?
Si tratta di un’esperienza piuttosto drammatica, non c’è niente di particolarmente divertente in tutto questo. L’elemento più importante di tutti è la pazienza, una cosa che ho imparato a gestire anche grazie al produttore del disco Riccardo Sinigallia. Ci sono alcune frasi che davvero mi hanno chiesto mesi anche laddove mi è capitato di tornare sulla prima idea.
Cosa comportava ritornare indietro sui tuoi passi dopo tanta ricerca?
In realtà quando parti da uno spunto e non accetti subito che quello sia quello giusto, quando poi dopo ci ritorni su, il punto iniziale non è mai lo stesso di prima. In questo modo interagisci sempre con qualcosa di diverso.
Come si è evoluta nel tempo la forte alchimia che si è creata con Sinigallia?
Stiamo molto bene insieme, ci vediamo quasi sempre a parte questo periodo in cui sono sempre in giro per concerti. La cosa più bella è che è nata una grandissima amicizia tra noi, c’è una grossa stima reciproca per cui se non collaboreremo per il prossimo disco, lo faremo sicuramente per quello dopo perché Riccardo mi ha insegnato veramente tante cose.
Alla luce dei riconoscimenti che stai ricevendo, in che direzione senti di stare andando oggi?
Fortunatamente sto trovando la mia direzione, giusta o sbagliata che sia, la sento molto mia. Dopo un disco così, sento di avere la libertà di esplorare mondi che ho visitato ma anche di aprire porte di mondi in cui non sono ancora stato; adoro avere questa libertà musicale.
Motta live al Monk – Roma (scatti presenti sulla pagina Facebook dell’artista)
Hai fatto le prime prove con i Criminale Jokers per il live dell’Alcatraz. Quali sono state le tue sensazioni dopo tanto tempo?
È stato bellissimo perché siamo ritornati in sala prove completamente rigenerati e con una stima reciproca fortissima. Sarà bello avere loro lì per festeggiare questo anno perchè sono stati fondamentali per arrivare fino a questo punto.
In questo tour ci sono tante parti strumentali, quali sono le influenze e le correnti che le attraversano?
Il mood presente nel disco viene fuori dal vivo con più forza e più audacia. In particolare metto in luce il mio amore verso la musica africana e alcuni miei ascolti di altro genere.
Lo studio della composizione per musica da film ti aprirà nuovi orizzonti artistici?
Sì mi piacerebbe però, per ora, la mia priorità sarà lavorare al mio prossimo disco.
Ti sei conquistato i mezzi per esprimerti… qual è la tematica di cui senti di dover parlare in questo momento della tua vita?
Per la me la cosa più importante è prendere posizione sulle cose, anche laddove canto di canzoni d’amore; lo è soprattutto in questo preciso momento storico.
Come vivi la definizione di “cantautore rivelazione”?
Cantautore vuol dire cantare le canzoni che scrivo e questa è la cosa di cui vado più fiero in assoluto. Vengo da una gavetta lunga, certo non lunghissima, però va bene così. Io penso a scrivere le canzoni, non penso alle etichette.
Che sorprese ci saranno durante l’ultima data del tour a Milano?
Io e la mia band abbiamo fatto circa 100 date, siamo più che rodati, faremo quello ci riesce meglio. Emozionarmi e divertirmi saranno le cose meno banali e più importanti per me. Farò tutto senza trucchi, non li ho usati finora, non vedo perché usarli nell’ultima data!
Dopo essersi conquistato il disco d’oro e la “Menzione Premio Lunezia per Sanremo” come miglior testo in gara nella sezione Campioni al 67esimo Festival di Sanremo con l’emozionante brano “Portami via”, Fabrizio Moro presenta “PACE”(Sony Music Italy), il nuovo disco di inediti in uscita il prossimo 10 marzo. Dopo 20 anni di carriera, l’artista si rimette in gioco attraverso 11 tracce dal mood intimo e autobiografico scegliendo di renderci partecipi di una nuova fase della sua vita, del raggiungimento di un inedito momento di serenità interiore nonché di nuovi piccoli bilanci messi nero su bianco con la sua inimitabile scrittura.
Intervista
“Pace” è un disco meno arrabbiato e più equilibrato. In queste nuove canzoni racconti molto più di te e meno del disagio circostante. Come mai?
Negli ultimi due anni sono successe tante cose e questo si è riflesso nelle canzoni. Da “Pensa” ad oggi sembra siano passati 50 anni. Ho la percezione di aver costruito un’eredità musicale importante e questo mi ha dato serenità. A questo si aggiunge l’esperienza della paternità: per la prima volta ho iniziato a vivere la quotidianità in maniera normale e a fare da solo cose che non avevo mai fatto. Avevo difficoltà a relazionarmi con l’esterno ora sento una pace interiore. Sicuramente questo sentimento non mi accompagnerà per sempre, a causa del mio carattere e della mia personalità ho sempre bisogno di una nuova meta da raggiungere. La pace è una sensazione che cerco ma che continua a sfuggirmi perché ho sempre una battaglia da combattere.
Ascoltando il disco pare quasi che la tracklist possa essere suddivisa in tre parti con un lieto fine, è così?
In effetti sì. Questo disco è stato terapeutico ma me ne sono reso conto solo quando l’ho ascoltato in fase di missaggio con tutti i brani assemblati insieme. La parola che ricorre più spesso è “paura” e questo testimonia che questo lavoro ha scavato molto dentro di me. Ho iniziato a lavorarci con timore, non sapevo a cosa stavo andando incontro, poi però durante le registrazioni ho cominciato ad avere delle conferme. In virtù di tutto questo potrei descriverlo come un concept album delle mie emozioni.
Come mai hai scelto di duettare con Bianca Guaccero in “E’ più forte l’amore”?
Inizialmente la tracklist era composta da 10 brani, il brano con Bianca è arrivato per caso. Lei mi aveva contattato per chiedermi un brano per un film a cui stava lavorando. In quell’occasione ho scoperto che sapeva cantare e anche molto bene, questo è il motivo per cui ho deciso di coinvolgerla in questo lavoro.
Uno dei temi affrontati in questo lavoro è anche quello dell’infanzia…
Sì, mio figlio Libero mi assomiglia molto dal punto di vista caratteriale, proprio attraverso questo confronto costante ho ritrovato il Fabrizio bambino. La paternità ha risvegliato diverse cose che erano rimaste assopite. Ora che i miei figli stanno crescendo riesco ad interagire di più con loro. Li vedo poco ma quando sto con loro finisco per viziarli un po’. Libero è un super appassionato di calcio mentre Anita è innamorata della musica. Con lei sento di avere un legame a doppio filo da prima che nascesse. Fin da quando avevo 15 anni ho sempre avuto il desiderio di diventare padre di una donna forse perché non ho mai avuto una relazione duratura.
Questo è quello che racconti in “Giocattoli”?
Da piccolo parlavo più con Jeeg Robot che con le persone, per questo ho scritto questo pezzo.
Quali sono i pezzi a cui ti senti più legato?
Sicuramente “Portami via” è quello a cui voglio più bene poi ci sono anche “Giocattoli e “Sono anni che ti aspetto” in cui parlo della parte di me che mi è sempre piaciuta di meno.
Cosa cambierà nel nuovo tour?
Dopo due tour molto simili tra loro, ci saranno tanti nuovi arrangiamenti a cui stiamo lavorando già da qualche mese. Ci sarà l’anteprima live il 20 aprile al Fabrique di Milano, poi un po’ di promozione del disco e l’inizio del vero e proprio tour il 26 e 27 maggio (Nuova data) al Palalottomatica di Roma. Nel frattempo abbiamo chiuso gli accordi per nuovi concerti in 20 città italiane, a breve vi dirò le date!
A proposito di suoni, anche in “Pace” si sente una forte ventata di novità…
A differenza dei miei precedenti album, questa volta mi sono affidato ad Antonio Filippelli e Fabrizio Ferraguzzo per la totale produzione del disco. Ho portato la mia band conservando la matrice di sempre con chitarra, basso e batteria registrando tutto in presa diretta. Il fatto è che con due produttori provenienti da un mondo completamente diverso dal mio doveva per forza crearsi un conflitto di interessi, il risultato è questo sound che mi piace molto di più. Finalmente avevo i mezzi per poterlo ottenere.
E tu “i mezzi” hai imparato a costruirteli a suon di canzoni che spesso hai donato a tanti artisti di grande successo.
Fin da quando ho scritto “Sono solo parole”, il percorso di autore ha sempre cercato di far fronte alla mancanza di compromesso con le multinazionali. Dopo quel brano, ho collaborato con tanti altri artisti ma tengo a sottolineare che ho sempre scritto per me stesso. I miei pezzi raccontano la mia vita, con i proventi dei diritti d’autore ho finanziato la mia etichetta e la produzione dei miei album. L’univa volta che ho scritto per un altro artista è stata per Fiorella Mannoia con due testi presenti nel suo album “Combattente”.
Come è andato questo Sanremo?
Beh, direi che è andato nel mondo inverso a quello che mi aspettavo. Credevo che mi sarei classificato molto più in alto e che il pezzo avrebbe avuto un percorso lento. Reputavo “Portami via” un diesel, l’ho cantato anche male perché per tutta la settimana sanremese ho avuto un groppo in gola che non sono riuscito a sciogliere. Questa è stata la volta in cui ho avuto più paura, mi aspettavo delle conferme da me stesso, così come se l’aspettavano le persone che mi seguono.
Curioso che ti sentissi così, ormai il tuo canzoniere parla chiaro
Sentivo una certa ansia da prestazione, in realtà sono rimasto lontano dai riflettori per anni proprio per questo motivo. Penso che avessi paura di mettermi in gioco, questo è un limite che mi ha frenato spesso, il confronto con la realtà dei fatti mi ha sempre intimorito e, visto che il palco di Sanremo è il riflettore più grande in Italia, sentivo questa paura in modo più forte. Ho sempre temuto di perdere quello che avevo costruito, questa cosa mi succede anche quando pubblico un nuovo lavoro.
Alla luce di questi ragionamenti, come hai vissuto l’esperienza di insegnante ad Amici?
Questo programma lo affronto con serenità, trasparenza e lealtà nei confronti di me stesso. Anche “Amici” è stato terapeutico, mi ha aiutato ad aprirmi di più e a confrontarmi con tante persone tutte insieme. Maria De Filippi mi ha cercato per due anni ma mi spaventava confrontarmi con le critiche. Quando sbagli, i riflettori non perdonano eppure sto cercando di fare pace anche con questo fatto. Io faccio quello che posso, il resto lo lascio al destino.
Che rapporto hai con la libertà?
C’è stato un periodo in cui ho lavorato a “Sbarre”, un programma girato dentro al Piccolo teatro del carcere d Rebibbia, a pochi chilometri dal paese in cui ho vissuto da piccolo. Sono stato lì per un mese, entravo alle 10 e uscivo alle 18, parlavo con molti coetanei e con ragazzi più piccoli di me che erano lì per reati più o meno gravi. Ogni volta che uscivo mi mettevo nel traffico, prendevo l’aria in faccia e mi rendevo conto di quanto fossi fortunato. In quel momento mi sentivo in pace con il mondo circostante riuscendo a percepire cosa fosse davvero importante per me.
Raffaella Sbrescia
Il 10 marzo partirà l’instore tour durante il quale Fabrizio Moro presenterà il nuovo disco con un mini live, accompagnato al pianoforte dal maestro Claudio Junior Bielli,e incontrerà i fans. Ecco le date aggiornate:
10 marzo a La Feltrinelli di Roma (Via Appia Nuova, 427 – ore 20.00)
11 marzoa La Feltrinelli di Napoli(Via Santa Caterina a Chiaia, 23 angolo Piazza Dei Martiri – ore 17.00)
13 marzo a La Feltrinelli di Milano (Piazza Piemonte, 2 – ore 18.30)
15 marzo a La Feltrinelli di Bari (Via Melo, 119 – ore 18.30)
18 marzo a La Feltrinelli di Torino (Stazione di Porta Nuova – ore 17.00)
20 marzo a La Feltrinelli di Bologna (Piazza Ravegnana, 1 – ore 18.00)
Questa la tracklist dell’album:“Pace”, “Tutto quello che volevi”, “Giocattoli”, “Semplice”, “Portami via”, “La felicità”, “L’essenza”, “Sono anni che ti aspetto”, “Andiamo”. “È più forte l’amore”(con Bianca Guaccero), “Intanto”.
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